«Metanoia», tu nuevo álbum, tiene un mes (o al menos un mes es lo que lleva en la calle); ¿qué tal la reacción hasta ahora entre fans, crítica y así? ¿Estás contento con el resultado final?

Más feliz no podría estar. Hice el álbum tras un largo y difícil periodo en mi vida, y me preocupaba que los temas de los que he escrito fuesen demasiado crudos para la gente. Pensar en la depresión, el insomnio, en toda clase de enfermedad mental puede ser un reto para la gente y, trágicamente, es algo de lo que se habla poquísimo. Me sorprendió ver que la reacción fue extraordinariamente comprensiva. Tanto los comentarios de los fans como las críticas han sido increíbles. La mayoría de nosotros podemos identificarnos con una lucha fisiológica a algún nivel y esto era una oportunidad para mi para explorar la oscuridad y con suerte ayudar a otros mientras tanto. Tanta gente que escucha mi música ha pasado por experiencias similares.

¿Qué nos puedes decir del título? ¿Has cambiado de idea al respecto de algo o simplemente has querido hacer saber que has mejorado tu sonido?

«Metanoia», en el contexto de este álbum, es un renacimiento psicológico. Significa que uno se transforma durante un periodo de intensa lucha con uno mismo en mente. Un proceso marcado por temas como la depresión, desesperación y el encontrarse con el vacío interior. Describe perfectamente por lo que pasé. De estar quemado y hundido hasta el renacimiento con fuerzas renovadas.

¿Como describirías tu álbum en una frase?

No es mi trabajo, yo simplemente hago música.

¿Qué canción del álbum recomendarías a tus padres? ¿Y a tus vecinos? ¿Y a algún ídolo musical de infancia?

«Look Outside». «Aphrodisiac». «Wildest Wind».

Has vuelto a financiar el disco vía ‘crowdfunding’; ¿cuales son las mayores diferencias entre grabar un disco así y hacerlo del método ‘tradicional’ con un sello discográfico?

Es una manera bonita de conectar directamente con la gente que directamente financia la música y cuida realmente el proyecto. Quita de en medio todas las gilipolleces de la industria. Los fans tienen la oportunidad de mostrar su amor y su apoyo de una forma más íntima. Pueden conseguir productos que están disponibles durante un periodo de tiempo determinado y tienen la oportunidad de ver los detalles de hacer y publicar un álbum. Crea mucho interés y movimiento online y también significa que la creatividad no queda comprometida. Me encanta esta manera de trabajar, ha renovado mi fe en los fans porque muestra que no solo están interesados en robar música, quieren apoyar el arte.

Pero el ‘crowdfunding’ es solo una pequeña parte de pulicar un disco de forma independiente. Hemos encontrado una receta especial para nuestro mercado.

¿Como ha influido en el sonido del álbum tu traslado a Los Angeles? Sabemos que has pasado por temporadas muy complicadas como nos decías antes, y cambiaste Berlín por Los Angeles.

Me he acabado enamorando de Los Angeles. Hubo un tiempo en el que pasaba por aquí, echaba un vistazo a la superfície e interactuaba con muchas drogas y mucha gente terrible. Eso me dio una imagen muy reducida de la ciudad. La odiaba. Me parecía superficial, cínica, despiadada.

He cambiado por completo mi opinión. Lo veo como una celebración sin adulterar de lo ‘freak’. El ‘outsider’ es reverenciado. Hay una atmosfera de potencial limitado. Es extrañamente similar a Berlín en el sentido de que es un orfanato artístico. Un santuario para los inadaptados más talentosos del mundo. Los Angeles es como Berlín con sol y dinero.

Me encanta ver la arquitectura. Pasear por las colinas y encontrarte con obras maestras modernistas. Conducir por la ciudad de noche mientras se balancean palmeras cubiertas de niebla. Vivo en una película.

Y de hecho ahora tengo amigos. Era muy solitario en Berlín. Me era muy difícil conectar y también me encontraba siempre haciendo música en el grisáceo y profundo invierno. Eso fue duro.

La gente de Los Angeles es curiosa y elogiosa, eso ayuda a suavizar mi ansiedad social.

Pero realmente la ciudad no ha cambiado mi manera de hacer música. Sigue siendo oscura solo que me siento más relajado en mi vida lo que me permite estar menos estresado cuando grabo.

¿Donde hallas inspiración para las canciones? ¿Como ha sido en comparación con tus álbums anteriores?

Las noticias, mis relaciones, mi familia, psicología, sexo, drogas, el desierto.

Mis influencias vienen de todos sitios pero normalmente es una historia personal la que empieza una canción. Con este álbum siento que la mayor parte del duro trabajo ha sido hecho durante mi periodo de enfermedad. Tuve tanta terapia y he lidiado con tantos demonios que cuando estuve preparado para hacer el álbum todo se desbordó. He tratado de mantener las letras simples y directas, para mantener el foco en la historia y tratar de darle a la gente un mensaje con el que se pueda identificar.

¿Qué nos puedes explicar del tema «No Maker Made Me»? ¿Lo podemos relacionar con la donación que hiciste a la fundación de Richard Dawkins?

Trata de la sensación de perder la fe o redescubrir el mundo sin la idea de un poder superior fabricado. De ser iluminado por la evidencia y la increible genialidad del mundo sin ignorancia religiosa. Creo que convertirse abiertamente en ateo es, a veces, una experiencia turbulentamente polémica y quería que la canción fuese de sonido caótico mezclada con voces emocionales para reflejarlo.

Y si, soy fan de Richard Dawkins.

Habiendo vivido y trabajado en tres países diferentes como Reino Unido, Alemania y EEUU, y habiendo tocado en muchos más, ¿cuales dirías que son las diferencias entre la gente de esos países?

Los fans de IAMX de todo el mundo son muy similares. Es un nicho tan raro que la mayoría ya están muy interesados y conocen del proyecto. Eso significa que hay un público intenso en la mayoría de conciertos. Los americanos son, en general, un público más ruidoso y positivo mientras que los europeos son más tranquilos, pensativos pero muy emocionales.

Los fans de IAMX son una raza especial. Pasionales, inteligentes, bromistas y cariñosos. Eso es universal.

Antes hablábamos de la financiación de tu último disco, vía ‘crowfunding’, siendo ese uno de los cambios más importantes a los que se ha enfrentado la industria musical en estos últimos diez años. Otro cambio importante es el crecimiento de los servicios de ‘streaming’ como Spotify. ¿Qué opinión te merece? ¿Crees que es positivo o, como dicen algunos artistas, es más perjudicial que bueno?

Es el salvaje oeste. Puedes hacer tus propias reglas. A nivel independiente el cambio supone una de cal y una de arena. Creo que, en general, para IAMX ha sido beneficioso. La industria no tenía interés en este proyecto hasta que creamos nuestra propia base de fans a través de incansables lanzamientos independientes, intensas giras y ningún compromiso artístico. Nos importaba una mierda molar o ser famosos o ricos.

Tiene una clase de momentum que existe fuera del modelo de industria normal.

La principal manera de sobrevivir como artista es ser flexible y adaptable pero al final no importa lo que pase en el mundo empresarial, sigues teniendo que hacer algo bueno.

Ya para terminar, déjanos preguntarte por Sneaker Pimps: ¿crees que algún día veremos un nuevo disco del grupo?

Hay conversaciones sobre un nuevo disco pero no puedo prometer nada.

Muchas gracias Chris por tu tiempo y te deseamos toda la suerte en tus próximas fechas en España.

Agradecimientos: Richard Royuela (Background Noise)

Afortunadamente ello no significa que hayamos quedado huérfanos del talento del londinense y Wilson ya ha publicado cuatro discos en solitario en los que ha ampliado infinitamente su paleta sonora. Precisamente el nuevo disco, «Hand. Cannot. Erase», ha sido el que le ha traído de vuelta a España (por primera vez a Barcelona) y por ello hemos tenido la suerte de charlar con él sobre su público, su nuevo álbum, su visión del presente y futuro de la música o su sueño por cumplir.

¿Qué tal estás?

¡Muy bien, gracias! Es un día precioso.

¿Qué tal ayer en Madrid?

Muy bien, si…

De hecho era el segundo concierto de la gira…

La verdad es que ambos conciertos han sido fantásticos. Lo estoy disfrutando muchísimo.

¿Qué tal está reaccionando la gente a tu nuevo material?

Maravillosamente. El público en esta parte de Europa es, sin duda, diferente. Hay una pasión que no encuentro en países como Alemania o el Reino Unido, algo que realmente disfruto.

Una pregunta que siempre hacemos a las bandas que nos visitan es si realmente se nota a diferencia entre público dependiendo del país. ¿Es lo mismo el público español que el alemán o el de EEUU? ¿O incluso, en EEUU hay diferencias entre estados?

Sin duda. De alguna manera, y no creo que sea sorprendente que diga esto, hay similitudes entre aquí y Sudamérica en términos de entusiasmo, pasión y no solo en eso sino también en la demografía del público. Si hago un concierto en el Reino Unido el público que veo es algo mayor, más masculino… En sitios como Chile, México, España o Portugal diría que todo es mucho más 50/50 en cuanto a mujeres/hombres y mucha más gente joven. No sé exactamente el porqué… Diría que puede tener que ver con la cantidad de exposición ‘mainstream’ que tiene la música pero no creo que mi música tenga ninguna exposición ‘mainstream’ en España. No sé porqué, seguramente vosotros tendréis una mejor idea del porqué pero sin duda hay una diferencia de demografía y aspecto del público y esa es la razón por la que siento que hay más pasión: hay más chavales, más mezcla de mujeres y hombres. No son solo hombres serios ahí analizando todo lo que haces y eso crea también una atmosfera muy diferente.

¿Hace que tu también actúes de otra manera?

Por supuesto. Incluso cosas simples como que el público esté de pie o sentado crea una diferencia tremenda. Hago muchos conciertos en Europa y la mayoría de los que hice en EEUU en teatros y es mucho más difícil notar el público cuando está sentado. Así que he disfrutado muchísimo estas dos últimas noches porque ha habido una conexión. Sin duda hay ventajas cuando estás sentado siendo esta gira, como es, muy visual con vídeos y sonido cuadrafónico y a veces la gente quiere simplemente sentarse y disfrutarlo pero como consecuencia de ello el ambiente se resiente.

¿Adaptas el setlist en función del lugar donde actúas?

No, el concierto es el concierto. Si que podemos cambiar alguna canción aquí o allá pero no tantas como querríamos porque, en parte, el concierto es bastante complejo con las imágenes, los vídeos y las pantallas. Así que tiene que haber una forma fija de setlist en el que si puedes cambiar una o dos canciones pero no es que puedas decir, «Hey, hagamos hoy un concierto de rock porque el público lo pide» o «el público esá muy tranquilo, hagamos un concierto con muchos temas tranquilos y espaciales». No funciona así. El concierto es el concierto.

Hablemos de tu nuevo álbum, «Hand. Cannot. Erase», basado en una sorprendente historia que recogió un documental. ¿Surge el álbum después de ver el documental o tenías material y decidiste que encajaba en esa historia?

Pues mira, ninguna de las dos cosas. Te cuento: vi el documental y quedé conmocionado y conmovido. Y de alguna manera me fue persiguiendo, tenía esa historia dando vueltas por mi cabeza. Había empezado a componer un disco nuevo y, de hecho, era un disco completamente diferente, con una historia completamente diferente aunque aspectos de la historia se han mantenido en «Hand. Cannot. Erase» pero lo básico es una historia muy diferente. Me encontré escribiendo canciones dentro de ese personaje que estaba basado en Carol Joyce Vincent, que es la persona real del documental, sin ser consciente de ello. Eso suena muy pretencioso pero es verdad que no escribía de forma consciente, no había escogido escribir de ese personaje. Más bien parecía que el personaje me había escogido a mi. Y estaba escribiendo letras y una de las primeras canciones que escribí, «Happy Returns», está escrita en primera persona, desde la perspectiva de una joven escribiendo una carta a su familia, muy basado en la historia de Carol Joyce Vincent. Mientras más música componía y más letras escribía más me daba cuenta de que este personaje se estaba convirtiendo en central en todas las canciones que estaba escribiendo. En ese punto empecé a tratar de juntar todo para crear una especie de historia y es un proceso complejo porque… Obviamente, mucho de lo que escribo es autobiográfico. Incluso cuando tienes un personaje, un personaje imaginario, tienes que ponerle sentimientos reales, emociones reales, experiencias reales para hacerlo creíble. Así que muchas de las historias de mis personajes son mis historias pese a que en este caso es un personaje femenino y es una situación muy diferente pero hay mucho de mi en ese personaje. No sé si eso te responde la pregunta pero creo que fue un preoceso muy gradual del que no fui del todo consciente. Obviamente llegó un punto en el que si fui consciente y dije, «Vale, tenemos una historia». Ahí empecé a tratar de darle cierta estructura pero hasta entonces iba componiendo canciones en ese personaje sin darme cuenta realmente de ello.

¿Repites el modo en que compones un disco? Es decir, ¿ha sido la forma de componer este disco muy diferente al de los discos anteriores?

Intento cada vez hacer que sea una experiencia diferente para mi…

¿Pero como lo haces?

¡No lo sé! (risas) No es verdad. Vale: hay una manera sencilla de asegurarte que haces algo diferente y es ser muy consciente de lo que ya has hecho. Tomas la decisión negativa de decir, «No voy a volver a hacer eso». Eso no significa que no sea lo que vayas a hacer pero… Mira, cuando por ejemplo terminé «The Raven That Refuses To Sing», del que estoy muy orgulloso, dije, «Vale, ya he hecho esa clase de disco, un disco muy ‘old school’, muy rock progresivo de los 70, no quiero volver a hacer eso». Así que dije, «Vamos a hacer algo moderno ahora, algo más contemporáneo». Es casi como una reacción contra lo previo que has hecho. Esa puede ser una influencia muy fuerte.

¿Es muy diferente el modo de componer para tu trabajo en solitario que para otros proyectos como por ejemplo Porcupine Tree?

El hecho es que ya no compongo música para esos proyectos. De muchos modos, si cogemos Porcupine Tree como ejemplo, mi trabajo en solitario es una continuación de ello y ha tomado su sitio porque en Porcupine Tree componía casi toda la música, era el cantante y guitarrista, era el responsable de la dirección hacia la que se dirigía la banda… Así que si aún estuviera haciendo eso, no tendría sentido porque la respuesta a tu pregunta es que no hay diferencia. La única diferencia cuando compongo para mis discos en solitario es que estoy menos… Restringido por lo que sé que los otros chicos quieren tocar. Una de las cosas de estar en una banda es que puedes ser el compositor principal pero tienes que ser consciente de que a los otros chicos hay cosas que les gusta o no tocar. En una banda en la que hay democracia eso es un problema porque hay canciones que puedo componer pero sé que no querrían tocarlas. No tengo ese problema con mi banda en solitario. Puedo componer cualquier cosa, hacer cualquier estilo y esos tíos lo tocarán porque al final soy quien les paga. Pero aparte de eso no habría diferencia y por eso no tendría sentido para mi hacer mis cosas en solitario y seguir con Porcupine Tree. Otras cosas que hago que están más centradas en un aspecto musical específico -Bass Communion se basa más en música ‘drone’, ‘ambient’ y texturas puras- y eso es más un enfoque distinto, no son canciones, es más bien diseño sonoro. Pero ya no compongo mucho para otras cosas. Hoy día si compongo música y letras será para mi trabajo en solitario.

Llevas ya muchos años de relación artística con Lasse Hoile. ¿Como nació?

La relación empezó con un álbum titulado «In Absentia» de Porcupine Tree… La cosa es que yo siempre he visto la música pero no tengo ningún talento para las cosas visuales. Siempre me había frustrado tener la música y mentalmente saber el aspecto que tendría como película o como imagen de portada, tener una visión muy concreta de ello pero no tener ninguna clase de talento para hacerlo real. Así que tenía que apoyarme en quien encontrase: diseñadores, fotógrafos, directores y siempre era algo que no terminaba de ser exactamente satisfactorio con lo que yo imaginaba. Hasta que conocí a Lasse, que era fan de Porcupine Tree y tan pronto mandó su obra y la vi, pensé, «¡La música! Esa foto es la música y viceversa». Eso es muy raro de encontrar y muy importante. Y desde entonces es el hombre al que puedo decirle «Esto es lo que veo» y él va y lo hace. Y es perfecto.

No necesitas ni hablarle…

Si, eso si. Soy un friki del control (risas) Siempre digo «más de esto, menos de aquello» pero el resumen es que él lo pilla. Tenemos puntos de referencia muy parecidos cuando hablamos de películas, fotógrafos, pintores, música… Esas cosas son importantes también. Si le digo a Lasse, «Oye, Lasse, te acuerdas de esa escena en ‘Eraserhead’ o esa del ‘Solaris’ de Tarkovsky» y él enseguida me dice, «Si, sé a lo que te refieres». Y eso es importantísimo porque durante años cuando preguntaba «¿Te acuerdas de esa escena de ‘La naranaja mecánica'» y se quedaba en plan, «¿Eh?» ¡Eso es tan frustrante! Tener a alguien con quien compartes vocabulario visual y musical hace todo mucho más fácil. Sigo dirigiendo y teniendo una opinión muy fuerte pero me puedo relajar.

Siempre has sido muy contundente y claro con los aspectos malos de la evolución de la industria musical. Hiciste una curiosa campaña hace unos años en la que te dedicabas a destrozar iPods como símbolo de lo que no te gustaba de la dirección que había tomado la industria. ¿Qué opinión te merecen los servicios de música en ‘streaming’ como Spotify o Apple Music? ¿Crees que es algo que durará o será sustituido por algo nuevo en unos años?

Es una muy buena pregunta y una de las razones por las que es una muy buena pregunta es porque has mencionado lo de los iPods. Hice eso hace como siete años y ahora ya parece muy pasado de moda porque ya nadie tiene un iPod. Y eso, para mi, es extraordinario porque en su momento parecía que iba a quedarse para siempre. Y entonces aparecieron los servicios de ‘streaming’ y todo el panorama del consumo de música volvió a cambiar de nuevo. ¿Puede haber algo más allá del ‘streaming’? No lo creo, ¿no? Es lo definitivo, todo centralizado en una base de datos, no tienes contenido alguno en tu teléfono o en tu reproductor Pono… Yo creo que debe ser el final del proceso, sin duda. Para contestar a la primera parte de tu pregunta, qué pienso de ello, te diría que es feo. Toda la idea de la música ‘divorciada’ de un objeto físico es fea. Pero bueno, yo soy viejo, yo crecí con vinilos y CDs y a mi me encanta la idea de la música como una obra de arte. La mejor analogía que se me ocurre siempre es, ¿qué le pasaría al mundo del arte, de la pintura, si nadie fuese a un museo, si nadie mirásemos cuadros colgados en una pared y simplemente viéramos jpgs en ‘streaming’? Es una manera muy fea de experimentar un arte muy bonito. Y siento lo mismo al respecto de la música, tengo la sensación de que falta algo en el ‘streaming’. Es práctico, muchas veces no suena demasiado bien por estar comprimido…

Otro de los puntos negativos es que los servicios de ‘streaming’ hace que dependas de un servicio centralizado, de una empresa -o varias- que si decide un día que no va a tener disponible un álbum o la discografía de un grupo te quedarás sin poder escucharlo.

Correcto. Y además a sumar a todo esto que estamos diciendo, con el ‘streaming’ ya no tienes la idea de álbum porque, seamos sinceros, lo que alienta el ‘streaming’ es que se use como un ‘jukebox’ o se hagan ‘playlists’. Y tienes a gente como yo que tratamos de hacer álbumes que cuentan historias que compararía a los novelistas que escriben historias, cineastas que hacen películas que cuentan una historia y tu haces un álbum que cuenta una historia que se supone que debes escuchar de forma seguida. Desgraciadamente el ‘streaming’ alienta a la gente a hacer sus propios ‘playlists’, a escuchar solo el single… Y luego tienes anuncios también, ¿verdad? Todo eso es tan feo. Y no lo escuchas mientras estás viendo un bonito ‘artwork’. Mi opinión sincera es que es feo pero entiendo que es el futuro -y el presente- y entiendo que la practicidad siempre gana. La calidad y la experiencia siempre pierden contra la practicidad. Y ese es el error de la raza humana. Desgraciadamente siempre parece que elijamos la practicidad por encima de la calidad y la experiencia. No es solo en el mundo musical. También en la comida, por ejemplo. Comemos mierda porque es fácil comer mierda, ¿sabes? Esa es una buena analogía: el ‘streaming’ es como ir al McDonald’s, en lugar de cocinar en casa un plato delicioso con verduras frescas. Gana la facilidad y la practicidad.

Hace unas semanas leía la noticia de un nuevo producto, unos polvos que se mezclan con agua y suponen una comida completa con todos los nutrientes que necesita el cuerpo.

¿Pero la vida no es eso, verdad?

Por supuesto que no. Hay que disfrutarlo, hacerlo una experiencia, no algo aburrido, plano…

Para mi estar vivo son todas esas cosas táctiles: sal a tomar el sol, no te quedes en tu habitación con el ordenador, sal con tus amigos, habla, conversa, habla cara a cara, escucha música, busca discos, ves a ver películas en el cine, lee libros… Me parece que todo ese universo táctil está amenazado y es culpa nuestra como raza, somos demasiado pasivos. Me temo que si la tecnología nos da la oportunidad de ser pasivos y vagos, la acogemos.

Pero de por si la naturaleza humana es perezosa, ¿no?

Ese es el problema. No sé el futuro… Tengo la sensación que por primera en la historia la raza humana está involucionando, está dando pasos atrás. Hemos tenido dos millones de años de evolución, de expander nuestro intelecto, de expander el entendimiento del mundo en que vivimos, de expander nuestra experiencia… Ahora por primera vez tenemos involución. Mira la TV, lo que sale en la tele, con los ‘reality shows’ donde la gente más estúpida posible se convierte en famosa, la música pop comercial se hace cada vez más formulaica, cada vez más procesada, compuesta por ordenadores. Y todo eso es bastante deprimente. Pero al mismo tiempo un aspecto positivo de eso es que hay una especie de rebelión contra eso entre las generaciones más jóvenes. Por ejemplo veo a muchos chavales trayéndome vinilos. Chavales adolescentes que me traen vinilos. Es extraño pero es genial. No tienen ese apego nostálgico que tengo yo, lo compran porque les encanta y piensan, «Esto es genial, es algo que puedo apreciar, querer, tener en mis manos y que le dice al mundo que me encanta esta música y me encanta esta banda». Eso para mi es positivo.

¿Crees que hay algo positivo en los mp3s?

Lo hay, si. Y esa es una de las ironías porque hablando de mi, sin internet, sin el intercambio de archivos no creo que estuviera sentado hoy aquí porque mi música no sale nunca en la radio, no la verás en la TV, no la oirás en las radios de música pop así que sin los mp3s e internet y los intercambios de archivos no creo que tuviera un público. Así que debo estar contento por ello pero siempre hay esa contradicción, ese paso adelante y paso atrás. Para mi Facebook por ejemplo, es maravilloso. Tengo como un cuarto de millón de gente en mi Facebook y puedo dar una noticia a un cuarto de millón de personas así (chasquea los dedos). Cuando yo empecé en la industria musical si hubiera querido informar a un cuarto de millón de personas de que sacaba un nuevo disco, habría tenido que meter un cuarto de millón de cartas en un cuarto de millón de sobres, pegarles un cuarto de millón de sellos y mandarlo. Nunca lo hice pero ya entiendes lo que quiero decir. Y habría costado una fortuna. Desde ese punto de vista hay cosas de internet que son fantásticas y ha hecho las cosas muchísimo mejores. Pero siempre hay la otra cara de la moneda. Pros y contras.

¿Hay alguna idea -alocada o no- que aún no hayas podido realizar y que te encantaría poder hacer?

Si, hacer una película.

¿Toda tu?

No, no, probablemente con Lasse. Escribiría la película, compondría la música y estaría involucrado en la producción pero dejaría que alguien como Lasse la dirigiera. Yo no podría. Como ya te expliqué antes, no podría. Pero tengo ideas… Como por ejemplo, hemos estado hablando muy por encima de que «Hand. Cannot. Erase» podría ser un proyecto de película bastante interesante. Sería pequeña, con un presupuesto muy reducido porque básicamente solo hay un personaje. Es algo que podríamos hacer de tener el guión adecuado. Mi ambición incumplida número uno es estar de alguna manera involucrado en la creación de una película.

¿Es más cuestión de dinero, de tiempo, de todo?

No es tanto de dinero porque con la calidad de las cámaras de hoy día no te hace falta mucho, Lasse está dispuesto así que es más cuestión de…. Bueno, son dos cosas: la primera es tener el guión adecuado y la historia correcta y la segunda es que tu puedes hacer una película, pero quién va a verla si no tienes distribución. Así que creo que es más bien cuestión de convencer a algún distribuidor que mostrara la película una vez grabada. Esos son los dos máximos obstáculos.

¿Crees que veremos más material de Storm Corrosion?

Espero que si. Estoy muy orgulloso de ese disco y Mikael también. Cada vez que nos vemos siempre nos decimos, «¡Qué gran disco hicimos!». Me sorprendería si no nos metiéramos en una habitación juntos y viéramos a ver qué pasa. Pero sin ninguna presión, si termina siendo una cosa excepcional, única y perfecta, lo haríamos. No queremos forzarnos. Pero somos muy buenos amigos y cada vez que nos juntamos acabamos haciendo algo musical, ya sea música suya o…

Has trabajado con un puñado de músicos legendarios y extraordinarios. ¿Cual dirías que es la mejor cualidad de alguien como Robert Fripp?

Robert es un ejemplo extraordinario. No hay ningún músico como él. La mejor cualidad de… La característica que más define a Robert es… A ver como lo digo… La forma en la que piensa en la música es una forma en la que nadie más piensa. Tiene una perspectiva única y tiene muy poco que ver con ninguna otra música, tiene mucho que ver con otras cosas: matemáticas, política, la vida… Y tiene muy poco que ver con otra música y como consecuencia de ello su vocabulario musical es increíblemente distinto y no tiene nada que ver con el de nadie. Sabes, de la mayoría de gente, de músicos -y me incluyo- puedes oír su música y oyes claramente sus influencias. Clarísimas. Con Robert es un poco más difícil. Y creo que tiene que ver con que es muy excéntrico y la música está muy abajo de su lista de intereses. Y eso hace que su música sea tan rara para el mundo.

¿Cual dirías que es la mejor cualidad de Mikael Akerfeldt?

La curiosidad. Igual que yo. La razón por la que nos parecemos tanto es que sentimos curiosidad por lo que está muy en la periferia del mundo musical. No tiene fronteras: puede venir y decirme, «mira he descubierto este extraordinario músico peruano del siglo XIX». Estoy exagerando. O música de 200 kazoos y una flauta nasal (risas) Y yo soy igual. Nunca estuve interesado en ser un músico encasillado en un género. Mira, incluso cuando era niño me emocionaba tanto Abba como música clásica avantgarde alemana del siglo XX. No lo hacía por esnobismo, yo no hacía distinciones y no entendía porqué la gente era tan esnob al respecto: «No puedes escuchar a Abba, solo puedes escuchar heavy metal, solo puedes escuchar rock progresivo». Y creo que Mikael es exactamente igual. No se reirá de mi si le digo, «Escucha este disco de The Carpenters o aquel de Bee Gees». O decirle, «Echa un vistazo a este músico avantgarde italiano…» Y esa, para mi, es una cualidad extraordinaria.

Para finalizar, que se nos termina el tiempo, ¿hemos entendido bien y Porcupine Tree es un capítulo cerrado en tu vida?

Así parece (aunque) yo mismo no lo reconozco ya que voy año a año y hago lo que quiero. Eso no quiere decir que eso no pueda cambiar…

Muchas gracias por tu tiempo y amabilidad.

Ha sido un placer.

Texto y preguntas Rob Merino – Fotos: Nuria Ocaña
Agradecimientos: Lorenzo Sanz (Top Artist Promotion)

pA: ¿Qué habéis encontrado en sitios lejanos o, en otras palabras, por qué ese título para vuestro nuevo disco («Found in Far Away Places»)?

El título del álbum viene del hecho de que todos hemos aprendido mucho de quien somos de viajar por todo el mundo, conocer nueva gente y aprendiendo de otras culturas. Te abre la mente a cosas nuevas y te cambia como persona.

pA: ¿Como te parece que habéis evolucionado desde que en 2005 sacásteis vuestro primer álbum?

«Thrill Seeker» eran 5 chavales que no tenían ni idea de componer música y solo querían hacer un disco heavy. Con el paso de los años hemos evolucionado porque hemos mejorado con nuestros instrumentos y comprendemos mucho mejor como componemos música. Hemos empezado a incorporar otros estilos musicales en lugar de simplemente intentar hacer el disco más metal posible.

pA: ¿Qué canción escogerías para presentar el nuevo álbum a, 1) tu familia, 2) tus amigos y 3) tus vecinos?

1) «Vanguard»
2) «Identity»
3) «Everlasting Ending»

pA: ¿Alguna vez soñaste que aún estaríais aquí grabando y saliendo de gira por el mundo, 12 años después de vuestros comienzos?

¡NO! El simple hecho de que haya gente que siga escuchando nuestra banda y le encanta lo que hacemos me maravilla. De hecho nos acaban de llegar un par de datos de Spotify sobre nuestros oyentes europeos y su edad media está entre los 23 y los 27, lo que significa que la gente está creciendo con la banda. Es una sensación increible.

pA: ¿Qué puedes contarnos de la portada del disco y del ‘artwork’? ¿Como soléis decidir esa parte de los álbumes?

Simplemente le mandamos el título del álbum a Ryan Clark de Invisible Creature y él crea lo que quiere basándose en el título. Ha hecho todos nuestros discos así que a estas alturas ya sabe lo que nos gusta.

pA: Habéis tenido la ocasión de trabajar en una canción con Jeremy McKinnon de A Day To Remember; ¿como surgió esa colaboración? ¿Compusisteis la canción con él en mente?

Jeremy es amigo nuestro desde hace bastante tiempo y cuando terminamos de componer la canción vimos esa parte y pensamos, «Esta parte sería guay para que alguien cantara». Fue nuestra primera elección así que le dimos un toque y a él le pareció bien. La parte salió genial y a la gente parece emocionarle mucho.

pA: ¿Y qué nos puedes decir de la colaboración con el gran Paul Waggoner de Between The Buried And Me?

Paul es nuestro guitarrista favorito y simplemente queríamos meter un solo en el álbum y él lo hizo, es una pasada. Me alegra no ser yo quien tenga que aprendérselo (risas)

pA: ¿Estáis contentos con las reacciones que está logrando el álbum hasta ahora? Tanto a nivel de fans como de crítica. ¿Os afecta de alguna manera?

Estamos muy contentos con la recepción del álbum hasta ahora. Está logrando críticas geniales y a los chavales les encanta. Eso es todo lo que podemos desear. Además la semana pasada se vendió como rosquillas así que eso es un extra.

pA: ¿Qué andabas escuchando cuando compusiste el álbum? ¿Crees que se transpira en el sonido?

Cuando escribo las letras escucho muchas cosas instrumentales, como Explosions in the Sky, Mogwai, etc. Me permite pensar en palabras que encajarían con la música y luego, por supuesto, debo cambiarlo para que encaje con nuestra música. Me ayuda a sacar ideas.

pA: ¿Qué te parece que seáis etiquetados como ‘metalcore’? ¿Os preocupa de alguna manera que os cierre mercados?

Me da igual como la gente nos etiquete. Nos podrían catalogar como banda de polka y nos daría igual. Sonamos como sonamos.

pA: En estos tiempos que vivimos, con el gran impacto que los servicios de música en ‘streaming’ como Spotify está teniendo en la música, nos gustaría conocer tu opinión. ¿Crees que los servicios de ‘streaming’ son el futuro?

Los servicios de ‘streaming’ son el futuro forzoso, creo. La gente está convencida de que apoyan a los artistas al pagar 10 dólares al mes por cantidades ilimitadas de música. ¿Que los apoyan más que descargando ilegalmente? Claro pero, ¿es lo mismo que comprar un CD de tu banda favorita? No, ni de lejos. Con suerte, a medida que pase el tiempo y haya más competencia, lo que se paga a las bandas mejorará y las cosas se equilibrarán un poquito.

pA: Seguramente estarás cansado de responder a esta pregunta pero, ¿podemos decir que sois una banda cristiana? ¿Influye de algún modo que lo seais en cuanto a que debeis hablar siempre de ciertos temas en vuestras letras?

Realmente no diría que seamos una banda cristiana. Hablamos de esto entre nosotros hace un tiempo y decidimos que, como no tenemos el deseo de subir al escenario para sermonearle a la gente, no podemos llamarnos eso. ¿Tienen algunos miembros de la banda mucho que ver con el cristianismo? Sin duda pero a todos nos encanta hacer música y nos encanta tener un mensaje positivo, sea o no cristiano. Escribimos de lo que queremos. No hay guión o manual de lo que podemos o no decir.

pA: En octubre venís a España, ¿guardas algún recuerdo de vuestras visitas anteriores?

¡Estamos muy emocionados por volver a España. Recuerdo andar por la Rambla la última vez que estuvimos ahí y pasarlo genial. También pudimos ver una carrera de BMWs antiguos cerca de la playa el día libre que tuvimos. Fue muy guay. Nos encantan nuestros fans españoles, ¡esperamos veros pronto!

Agradecimientos: Montse – AM comunicación

Tras unos inicios eminentemente ‘metalcorers’, la banda ha ido abrazando cada vez más sonidos propios del ‘hard rock’ de finales de los 80 integrándolas con acierto para obtener un resultado dotado, sin duda, de personalidad propia.

Hablamos con Bruce de la salida del grupo del vocalista Danny Worsnop, de su sustituto, de su nuevo disco o del futuro de la música.

pA: ¿Cual fue tu reacción inicial cuando Danny Worsnop os dijo que se iba? ¿Era algo que veíais venir? ¿Has hablado con él desde su salida?

Ben Bruce: Sinceramente no me sorprendió para nada. Danny se había distanciado de Asking Alexandria desde hacía años. No he hablado demasiado con Danny desde que se marchó.

pA: ¿Qué tal las cosas con Denis Stoff, vuestro nuevo vocalista? ¿Ha costado acostumbraros a su presencia como frontman?

BB: La verdad es que ha sido sencillísimo y muy natural. Denis es la persona ideal para esta banda, todos estamos en la misma onda, tanto musicalmente como a nivel personal. Nos encanta tener a Denis en la banda, hacía muchos años que no estábamos tan felices.

pA: ¿Cuales son las mayores diferencias ahora que ya habéis tocado con él? ¿Qué diriáis que habéis ganado con él como nuevo vocalista?

BB: Denis es mucho más apasionado sobre Asking Alexandria que Danny lo cual es, obviamente, maravilloso. Cualquiera que nos haya visto en directo con Denis este verano se ha dado cuenta de lo mucho más felices que estamos como banda y lo mucho más unidos que estamos como unidad/familia. Lo estamos pasando de puta madre.

pA: ¿Para cuando podemos esperar un álbum completo con Denis?

BB: El álbum está cerca de estar terminado, esperamos sacarlo hacia finales de año.

pA: Supongo que notaréis algo de presión después de que vuestro último disco fuese tan bien recibido no solo por los fans sino también por la prensa. ¿Añade presión el hecho de que será vuestro primer disco sin Danny?

BB: No estamos notando presión alguna, sinceramente, porque sabemos que acabamos de componer el mejor álbum de nuestras carreras. Estamos tremendamente emocionados por sacar este nuevo disco y demostrar a todo el mundo que hemos vuelto y mejor que nunca.

pA: Ya que hablamos de álbumes, ¿qué opinas de los servicios de ‘streaming’ como Spotify y ahora Apple Music? ¿Crees que aún hay sitio para álbumes o solo hay lugar para singles y canciones sueltas?

BB: Sinceramente no logro decidirme. Creo que la industria musical no tiene claro qué hacer en términos de venta de álbumes, lo cual es una pena porque ahora es mucho más fácil pero la gente, por la razón que sea, prefiere escucharlo en ‘streaming’. Supongo que el tiempo dirá. Espero que la gente vuelva a estar orgullosa de poseer álbumes y comprar música de nuevo.

pA: ¿Como soléis componer vuestra música? ¿Trabajáis cada uno por vuestra cuenta y luego juntáis las ideas o esperáis hasta que os juntáis en vuestro local de ensayo o estudio y os ponéis a componer?

BB: Normalmente al principio trabajo por mi cuenta y luego le paso mis ideas iniciales a James (Casells, batería) y componenos juntos, basándonos en mis ideas. Denis y yo hemos estado escribiendo letras juntos para este álbum lo cual ha sido muy divertido.

pA: ¿Cuales dirías que han sido las bandas que te hicieron querer montar una banda? ¿Siguen siendo bandas que aún admiras?

BB: Esa es una pregunta muy difícil de responder porque tengo un gusto musical variadísimo y siempre ha sido así. He estado enamorado de la música desde que era un renacuajo y nada de eso ha cambiado. Bandas como Blink 182, Slipknot, Metallica, Guns N’ Roses, Elton John, BB King, etc., fueron todas grandísmas inspiraciones y lo siguen siendo.

pA: ¿Cuán difícil es vivir de la música en estos tiempos? ¿Se cumple en vuestro caso lo que hace años que muchas otras bandas vienen diciendo, que se gana dinero de las giras y la venta de merchandising y que los ingresos por ventas de álbumes y ‘streaming’ son mínimos?

BB: Sinceramente ya no se saca mucho dinero de vender álbumes, lo cual es una verdadera pena. Gastamos cientos de miles de dólares componiendo y grabando nuestros álbumes y nos dejamos el corazón y el alma en cada canción que creamos, pero hoy día mucha gente piensa que está bien coger gratis nuestra música, lo cual no entiendo. Ninguno de nosotros es rico ni nadamos en dinero. La mayoría del dinero lo hacemos de la venta de merchandising y las giras pero al final, me encanta la música y me encanta salir de gira así que no hay nada que me vaya a desanimar.

pA: ¿Como te ves en 10 años? ¿Cuales son los sueños que aún te quedan por cumplir?

BB: En 10 años me gustaría seguir estando de gira por el mundo y creando música en Asking Alexandria. Hemos logrado mucho en nuestra carrera pero nos queda muchísimo más por lograr.

pA: Desde vuestros inicios se os etiquetó como ‘metalcore’. ¿Crees que hace justicia a vuestro sonido? ¿Te molesta de algún modo que se os reduzca a eso o es algo que te da igual?

BB: Si alguien alguna vez me pregunta qué estilo de música hace Asking Alexandria, simplemente digo, «somos una banda de rock». Porque es lo que somos. No entiendo el porqué de las etiquetas de mierda que la gente le pone a las bandas. Hoy en día la gente considera a Motley Crue una banda de rock and roll, pero en su tiempo se consideraba una banda de hair metal. Las cosas cambian constantemente, la industria musical y la música en general, es algo que no para de evolucionar así que, al final, somos, simplemente, una banda de rock.

pA: ¿Cuales son tus recuerdos de vuestra última visita a España? ¿Algún plan para visitar Sudamérica?

BB: Hace años que no tocamos en España pero sé que lo pasamos de miedo. De hecho, recuerdo que abrí mi cuenta de Twitter la última vez que estuvimos en España (risas) Volveremos a España en octubre y tenemos planes de hacer algo en Sudamérica este año también.

pA: Muchísimas gracias por tu tiempo, Ben y te veremos en octubre.

BB: Gracias.

Agradecimientos: Montse – AM Comunicación

En 2013 llegó su trabajo más ambicioso, «Opposites», un doble álbum en el que de algún modo recopilan parte de las características de su carrera sin perder de vista esa accesibilidad que sus dos anteriores discos ya habían mostrado.

Desde pA siempre hemos tratado de dar cobertura al trío de escoceses (apuntalados en directo por el gran Mike Vennart y Richard «Gambler» Ingram, ambos ex-Oceansize) por lo que aprovechando su visita a Barcelona departimos con los hermanos Ben y James Johnston, batería y bajista de la banda.

pA: Hola chicos, ¿como estáis?

James Johnston: ¡Genial, tío! Contentos de estar de nuevo en Barcelona. Estamos aún alucinados del concierto de anoche en Madrid.

Ben Johnston: ¡Colgamos el «no hay billetes»! ¡Increíble!

JJ: Hicimos un concierto en España, en verano, en el BBK, que ya fue una sensación como de estar en casa y bueno, la sensaciones que tenemos ahora mismo en España son muy guays y notamos el amor.

pA: Ciertamente increíble, si, porque años atrás era casi imposible veros por aquí y ahora ya veis, tocando ante aforos completos. ¿Qué sensación os da? ¿Qué ha cambiado en estos años para lograr este cambio?

BJ: Supongo que hemos sacado más música desde entonces (risas) Pero supongo que es una cosa que se ha ido gestando a fuego lento y han ido pasando muchas cosas para nosotros en España. Ha sido un crecimiento bastante orgánico. Obviamente no hemos estado tanto aquí ‘castigando’ con muchos conciertos como en otros países así que no puede haber sido eso sino más bien por la gente hablando de nosotros. Sabemos de la actividad online y tal, que tenemos un gran seguimiento en la red desde España así sabemos que los fans han sido muy pacientes con nosotros esperando que vengamos. No vamos a dejar que pase tanto tiempo la próxima vez.

JJ: Creo que la cosa ha sido lenta y eso es algo bueno a largo plazo porque tienes fans a los que les interesa la música, gente que nos ha conocido a través de un amigo. Y por supuesto por la ayuda de gente como vosotros.

pA: Habéis cambiado, es evidente. El sonido de vuestros primeros álbumes no tiene nada que ver con el que tenéis ahora. ¿Es algo que habéis hecho de forma consciente o simplemente ocurre de forma natural?

JJ: Teníamos 18-19 cuando hicimos el primer disco y es algo propio de esa época. Bueno, hay cosas conscientes y otras subconscientes. También hemos madurado, ahora tenemos treinta y pico por lo que es parte de eso. Hay parte de aprender a tocar canciones, a componer. Y luego también está el hecho de no querer hacer el mismo álbum una y otra vez, y quieres retarte y tratar de hacer algo diferente. Pero creo que sigue sonando como la misma banda y aún oyes ideas que están ahí desde que empezamos, como melodías en las canciones y ritmos y marcas de tiempo extrañas. Pero más allá de eso, sigue siendo lo mismo: hacer música que queremos oír.

BJ: Me gusta vernos como una banda de rock a la que le gusta tomar riesgos. Así empezamos y creo que hemos mejorado con los años, mejorado en tomar esos riesgos. Y quizá la cosas (musicalmente) no parecen tan raras como solían ser pero si miras un poco más a fondo siguen siendo muy raras.

pA: Se cumple el décimo aniversario de «Vertigo of Bliss»; ¿qué recordáis de aquellos años?

BJ: Aquel fue el álbum que más rápido hicimos. Grabamos 16 cortes en un día y luego jugamos a la Playstation tres semanas (risas) Fue genial. Fue un periodo muy experimental, no había reglas ni límites. Tampoco ahora pero supongo que por aquel entonces como éramos muy jóvenes y nos quedaba tanto por ver, cada canción tenía un millón de ideas y es muy difícil encasillar ese álbum en una categoría musical. Tiene de todo. Las veces que que lo escuchamos la mitad de las veces nos partimos la caja, en plan, «No me puedo creer que hiciéramos eso, ¡estábamos locos!» Era una locura pero seguimos estando orgullosos de él. Hay riesgos alocados, mucha improvisación y nos divertimos muchísimo. Era como que nuestra vida estaba llena de aventura y que podíamos ir a donde quisiéramos. Y supongo que aún nos sentimos así…

JJ: Fue la primera vez que hicimos un álbum… El primer álbum fueron diferentes sesiones… Este fue el primer álbum que hicimos estando en el mismo estudio, quedándonos ahí, dándole las buenas noches al productor (risas) Era esa sensación de estar juntos y la emoción de hacer otro álbum. Eran tiempos realmente maravillosos. Como decía Ben, creo que hemos retenido parte de esa sensación, aún somos algo ingenuos, si, aunque hemos aprendido algunas cosas. Pero fueron tiempos increíbles.

pA: ¿Por qué ahora un doble álbum? En el pasado habéis tenido suficientes temas extra y caras B como para hacer un disco doble…

BJ: Probablemente, si, cierto. Pero creo que si sacas un doble álbum demasiado pronto en tu carrera es pedirles demasiado a tus fans. Una vez que has sacado cinco álbumes, cuando vas a sacar el sexto álbum ya tienes la base de fans que con suerte tendrá la paciencia de digerir un doble álbum. Y… Teníamos 45 temas, más temas que nunca. Siempre tenemos demasiadas pero esta vez teníamos más que nunca. Fue difícil reducirlo a veinte y no había manera de reducirlo a menos de veinte.

pA: ¿O sea que no fue algo que hubierais pensado antes de poneros a trabajar en el disco?

BJ: Bueno si, algo habíamos hablado…

JJ: Otra cosa es que la gente ahora saca una canción, la música se ha convertido en algo muy desechable: está aquí y ya no está rapidísimamente. Nos gusta pensar que aún hay fans de la música a los que le gusta sentarse con un LP, mirar el ‘artwork’, leer todas las letras, los agradecimientos… Creo que nos estamos manifestando contra todo lo que está de moda ahora. No era la idea principal pero creo que fue algo bastante importante.

BJ: Te da mucha fe cuando ves que el álbum entra en el número 1 siendo un doble álbum. La gente debería darse cuenta de eso, de que el público en general aún tiene paciencia para la música y no todo son singles desechables. Si, deberíamos ponerle más fe en los discos.

pA: ¿Qué beneficios y perjuicios tiene internet para una banda como vosotros?

BJ: Lo bueno es la facilidad de descubrir cosas pero eso es también algo malo porque puedes ser una banda una semana, grabar algo y ponerlo online pero el problema es que aún no eres muy bueno por lo que ya tienes una grabación y un nombre y quizá sea una mierda, y de eso no te podrías recuperar porque tu nombre ya está asociado a eso. Eso es una bendición y una maldición al mismo tiempo.

JJ: También se ha perdido el misterio. Todo lo que tienes que hacer es conocer el nombre de una banda, puedes encontrar todo de ella. Por no haber crecido con ello no es algo que nos interese demasiado, me sigue gustando algo el misterio y eso se ha perdido. Pero también supongo que si tienes 13 ó 14 años y te metes en la música tiene que ser maravilloso porque estés donde estés del mundo puedes escuchar cualquier banda de cualquier época. Ya no tienes que esforzarte.

pA: Hay demasiado al alcance…

BJ: Hay demasiada cosa y es demasiado fácil acceder a ello. Siempre se dice que si no tienes que esforzarte o dedicar tiempo o energía como se solía, buscando una revista o preguntarle a un amigo, escuchando cassettes sin caratulas ni nada y te enamorabas solo por esa cinta y luego ibas a ver a la banda en directo y eran más altos de lo que pensabas o «Ah, ¿ese tío es el que toca la batería?» (risas) Eso es realmente emocionante. Y por esa inversión tu amor por la banda dura más.

pA: Y seguramente ahora se le presta mucha menos atención a una banda debido a las casi infinitas posibilidades que hay…

BJ: Hoy la imagen importa más que nunca y nosotros nunca hemos sido fans de eso. La música no debería juzgarse por el aspecto de la gente, eso no tiene nada que ver con la música. Desgraciadamente ahora por como se consumen las cosas la imagen es casi tan importante como la música.

JJ: Ya no existe aquella relación que tenías con el tipo del mostrador de la tienda de discos que te decía, «Si te gusta esto que suena, te gustará también esto». Eso ya es historia. Quedan muy pocas tiendas así.

pA: Ya casi lleváis diecinueve años como banda. ¿Cual sería el punto álgido y cual el peor en todos estos años?

JJ: El mejor está aún por venir (risas) Eso es lo más emocionante.

BJ: Cada año que pasa es el mejor.

JJ: Este verano ir a Budapest por primera vez, el BBK fue una experiencia impresionante, habíamos estado antes en ese festival y volver y que fuese mejor fue una sensación increíble, tocar en Reading y Leeds también fue impresionante. Hacer cosas nuevas es lo emocionante. Volver a sitios y tocar para más gente hace que veas que la cosa a avanzando.

BJ: Las cosas malas solo nos hacen más fuertes. No lo miras como algo malo sino como algo educativo.

pA: Siempre sacarle lo bueno a la vida…

BJ: Exacto, ¡hay que ser optimistas!

pA: Bueno chicos, muchas gracias por vuestro tiempo y mucha suerte para el concierto.

Agradecimientos: Daniel / Jordi (Warner Music)
Texto: Rob Merino
Preguntas: Elías Huerta / Rob Merino
Fotos: Nuria Ocaña

pA: Buenas Zoltan. ¿Como estás?

Zoltan Bathory: Muy bien. La gira está yendo genial.

pA: ¿Qué tal vuestro concierto de Barcelona?

ZB: Estuvo bien. Tuvimos un día libre y pudimos dar una vuelta por ahí, ¿sabes? Hicimos algunas actividades típicas de turista, probamos la cocina local… Es una ciudad preciosa. Siempre que tenemos algo de tiempo libre… En Madrid no tenemos esa suerte porque llegamos, preparamos todo, tocamos y nos vamos. Pero ayer si tuve algo de tiempo libre. El concierto estuvo bien, la gente se sabía las letras y eso siempre es una buena sensación.

pA: ¿Como está yendo la gira en general? Estás girando como teloneros de Avenged Sevenfold…

ZB: Este cartel es una de esas raras veces en que… Normalmente cuando hay giras en América, los europeos se ponen celosos en plan, «Oh tío, me encantaría que esa gira se hiciera aquí». Pero esta no la hemos hecho en América; hemos hecho algunos conciertos juntos pero no una gira y por eso estoy recibiendo muchísimos e-mails diciéndome, «Tío, ¿por qué Europa se lleva esta gira?» (risas) Es un buen cartel. Tenemos un público muy parecido, compartimos muchas cosas. Y eso siempre es bueno. Y luego los conciertos son casi siempre con todas las entradas vendidas o casi lleno, especialmente en Escandinavia donde ha sido tremendo y las entradas estaban agotadas. Así que está siendo una muy buena gira. Es la primera vez que estoy con estos tíos en una gira de verdad, en pabellones así grandes. Normalmente coincidíamos en festivales y también es nuestra verdadera primera gira por Europa.

pA: Ahora que acaba de salir el segundo volumen de vuestro nuevo álbum, ¿qué sientes ahora que ya están las dos obras en la calle?

ZB: Para nosotros… Sabes, cuando creas un álbum es casi como un tortura porque te mueres de ganas de sacarlo así que ahora ¡al fin! ha salido. Normalmente es por los fans y ver su reacción. Es como cuando le compras un regalo de navidad a alguien, no lo compras para ti, lo compras para ver la felicidad en su cara, ¿verdad? Algo parecido sucede cuando sacas un disco: esperas que los fans estén contentos con él. Las reacciones hasta ahora han sido que a mucha gente le está gustando más que el primer volumen. Sabes, separamos estos dos álbumes de forma que fuesen equilibrados y que ninguno fuese más potente que el otro pero por alguna razón el segundo volumen es algo más oscuro y quizá un poquito más heavy. Y alguna gente prefiere eso y le gusta más este segundo que el primero. El primero fue muy exitoso así que… ¡No me puedo quejar!

pA: Está claro que no. ¿Qué me puedes contar del título, «The Wrong Side Of Heaven, The Righteous Side Of Hell»?

ZB: Básicamente es sobre la dualidad del mundo. Es sobre el hecho de que en estos tiempo, especialmente ahora con internet, todo el mundo tiene opinión. Puedes hacer la broma de que lo bueno de internet es que todo el mundo tiene voz y lo malo es que todo el mundo tiene voz (risas) ¿Sabes a lo que me refiero? Lo que está pasando es que todo el mundo opina de todo y todo el mundo grita en el ciberespacio. Pero lo que viene a decir es que siempre que estás en lo cierto te equivocas un poco y cada vez que te equivocas, tienes un poco de razón. Con «El lado equivocado del cielo, el lado correcto del infierno» es que, si tienes una opinión muy fuerte sobre algo, esa opinión se basa en lo que te rodea, tu educación, el conocimiento que has adquirido del mundo, lo que te rodea socialmente, cualquiera que sea tu opinión quizá en el otro lado del mundo eso que opinas podrías ser algo inaceptable, y viceversa ¿sabes lo que quiero decir? Así que, cada opinión que tenemos, es relevante para nosotros. Algo aceptable por nosotros, puede ser totalmente inaceptable para otros y viceversa, ¿sabes? Nunca tienes del todo razón y nunca estás del todo equivocado. En general, el concepto de todo el disco es que todo el mundo tiene tantas teorías y opiniones que al final es, «¿Sabes qué? No es más que una opinión. Todo lo que cualquiera te diga no es más que un punto de vista.» Todo es cuestionable y todo se puede cambiar. Ese es el concepto que va con los dos discos.

pA: Teniendo en cuenta esto que me dices, ¿realmente te importa lo que la gente dice de tu banda?

ZB: Es una pregunta interesante. Sabes, toda banda que empieza quiere tener éxito. Uno trata de mejorar sus habilidades. Uno no para de aprender cosas a lo largo de su vida. Puede ser con música o con cualquier otra cosa, puedes ser un atleta o lo que sea. Haces una cosa toda la vida y cuando empiezas a tener éxito, te separas de la mayoría si tomas la mayoría como la persona media. Así que cuando trabajas mucho en algo empiezas a sobresalir de la media, empiezas a atraer la atención hacia ti, empiezas a hacerte famoso, tu habilidades mejoran. Desde el momento en que pasa, en que sobresales de la mayoría, todos empiezan a mirarte. Es algo natural. Y empieza a pasar algo que no te esperas: hay mucha gente que empieza a soltar mierda sobre lo que haces. Es completamente natural. Te sorprenderá la primera vez que pasa pero luego te das cuenta. Igual que lo que te decía del título del álbum, si yo no dijera nada, a nadie le importaría pero todos esperan que tenga una opinión y lo que pasará con las opiniones es que dividirá a la gente. Es como si dijera, «Mira, no me gusta el color rojo». Eso es una opinión. E inmediatamente habrá gente que saltará, «Eh, ¡vete a la mierda! ¡Me encanta el rojo!» Y habrá otra gente que dirá, «Pues a mi tampoco me gusta». Así que una vez te separas de la mayoría tendrás gente apoyando tu opinión o metiéndose con ella. Siempre que te haces famoso, sea con lo que sea, divides al público y es natural que haya oposición y es natural que tengas fans.

pA: Has hablado antes de internet y sus ventajas e inconvenientes. Pero centrándonos en la música, ¿cuales crees que son las ventajas e inconvenientes para una banda de rock?

ZB: Bueno, a decir la verdad, te diría que el polvo aún no se ha disipado, por así decirlo. La cosa es que internet sigue siendo aún muy nuevo. Somos la primera generación de bandas que tiene que enfrentarse a esta mierda, ¿sabes? Hay muchas cosas positivas y muchas negativas. Y luego muchas otras que aún no sabemos. Una cosa obvia es que ahora tienes la reacción instantánea, puedes comunicarte directamente. Mira, por ejemplo, yo puedo usar internet para preguntarle a lo fans, «¿A quien os gustaría ver? ¿A quien os gustaría que sacáramos de gira con nosotros?» Así, puedo montar una gira basándome en las opiniones de los fans, montar algo que les guste y que vayan a disfrutar. O al menos la mayoría vaya a disfrutar. Cosas fantásticas como esa. Son reacciones inmediatas, es algo inmediatamente global. Yo puedo poner algo ahora mismo y la gente podrá leerlo en Japón al mismo tiempo. Esa es la belleza de esto. Y eso lo puedes usar en tu beneficio. Y si no haces esto, si no estás al día con las redes sociales, con este tipo de cosas, estarás obsoleto, serás un dinosaurio. No podrás conectar con tus fans. En estos días si no tienes Facebook o esas cosas, a los fans les dará un telele. Es algo que tienes que hacer.

Pero como con todo, es una espada de doble filo: muchas bandas pequeñas no pueden existir. Hace quince años, una banda de metal underground podía vender 150.000 ó 200.000 discos. Y podían sobrevivir porque la gente compraba sus discos. Hoy en día, las bandas no pueden sobrevivir: no pueden salir de gira, no pueden hacer otro disco… Así que lo que creo que está pasando con internet es que está, de alguna manera, destruyendo el underground. Para las bandas más grandes, esas que están en un área más gris, que están a medio camino es algo más difícil y para las más grandes son todo mucho más ventajas.

Respecto a Spotify y todos esos servicios, incluso iTunes, permite a los fans escuchar el disco antes de comprarlo. Como consumidor es una gran ventaja porque solo comprarás el disco si de verdad te gusta. Es una situación interesante para las bandas porque ya no puedes tener un disco que tenga una o dos buenas canciones. Si solo tienes una o dos canciones buenas, la gente se las descargará y no se comprará el disco. Pero de una extraña manera hace que las bandas tengan que trabajar más duro en sus canciones, esforzarse de verdad porque si no pones las buenas, nadie va a comprarte tus discos. Nos tenemos que asegurar que todas las canciones del disco sean potentes para que no se dé la situación en que alguien se descargue una o dos canciones y no compre el disco. Así que, hace que las bandas tengan que trabajar más y esforzarse más, y ser mejores, ¿sabes? Salir de gira se hace más difícil porque no tienes el dinero para financiarla y las producciones se recortan.

pA: ¿Puede una banda como la vuestra vivir solo de conciertos y merchandising? ¿Es fácil sobrevivir en el mundo de la música hoy día?

ZB: Creo que es muchísimo más difícil. A eso me refería: tienes que tenerlo todo atado y bien atado. Tienes trabajar duro. ¿Conoces la expresión «Todos los astros se tienen que alinear»? La música tiene que hacerse en el momento adecuado. La música y las letras tienen que conectar con la gente, tu merchandising también… Tienes que saber lo que estás haciendo, como usarlo, como usar la música para promocionarte, para conectar con los fans y eso lleva mucho trabajo. Así que es muchísimo más difícil que antes aunque también es mucho más diverso, tienes tantísimas plataformas (en las que presentar tu música). Lo que pasa es que si estás en una banda y tratas de tener éxito, tienes que trabajar muchísimo más. Antes, era mucho más complicado dar con la gente adecuada para acabar en un sello, tenías que conocer a este o aquel. Ahora puedes hacerlo por tu cuenta. Puedes salir a la red y trabajar en ello. Grabar en un estudio ya no es tan caro y puedes hacerlo todo desde la red. Así que puedes grabar buen material y promocionarlo a saco, por tu cuenta, conectando con los fans, sin necesidad de sello discográfico gracias a internet.

pA: El otro día leímos que habéis grabado un puñado de temas para este segundo volumen que publicaréis en bandas sonoras o videojuegos.

ZB: Sabes, en principio íbamos a hacer lo mismo que hicimos con el primer volumen y usarlas como temas de bonus pero tras pensarlo, dijimos, «no nos repitamos». No queríamos que se convirtiera en un truco porque en nuestra opinión el disco ya tenía un material muy potente y no queríamos quitarle el foco a eso. No queríamos que los discos fueran conocido por las colaboraciones sino que los discos sean conocidos por ser buenos discos. Lo hicimos con el primero porque fue muy divertido hacerlo. Pero ahora pensamos, «centrémonos en nosotros» pese a la calidad de las colaboraciones: tenemos a Rob Zombie, los chicos de Dir En Grey, Ryan Clarke de Demon Hunter… Todos son temas increíbles pero pensamos que meterlos en el disco sería repetirnos y quitaría el foco del hecho de que hay tantas buenas canciones. Pero si, la información es correcta: irán a parar a bandas sonoras, videojuegos y cosas así.

pA: ¿Qué tal fue la experiencia con Dir En Grey?

ZB: Bueno, es una banda muy especial. Habíamos hablado algunas veces de girar juntos pero nunca pudimos cuadrar agendas. Ellos son muy populares en Japón. Cantan en japonés. Queríamos hacer algo internacional Por otro lado, es una banda bastante grande pero sería una forma de exponer a nuestros fans a su música. Y para nosotros, en Japón, sería una forma de exponernos allí. Sería una especie de intercambio entre fans. Y es algo diferente. Las canciones acabarán saliendo pero de forma diferente. Pero esta es muy artística, inesperada y diferente. Nos fuimos intercambiando archivos vía la red. Haremos otra gira en EEUU con suerte en 2014 y quizá los podamos traer como teloneros. Pero casi todos los artistas que tenemos en el álbum son amigos o nos gustan de verdad.

pA: Zoltan, déjame que te preguntemos por tus inicios, tus años en U.P.O., una banda de sonido bastante diferente a Five Finger Death Punch.

ZB: U.P.O. fue la banda más extraña a la que me haya unido. Sabes, toda la vida siempre he fundado las bandas en las que tocaba. No es que sea un buen seguidor, me gusta estar siempre al frente (risas) Fue la primera banda a la que me uní y no lo hice como guitarrista, tocaba el bajo con ellos. Habían perdido su sección rítmica y soy amigo de esos tíos, son muy buena gente y tiene mucho talento, y yo y mi antiguo batería dijimos, «Vale, os echamos una mano». Y salimos de gira y tocamos con ellos como durante un año o así y fue muy divertido. Y son muy buenos amigos míos. Pero no era cosa mía, yo tocaba el bajo, que tampoco es mi instrumento. No era mi banda, ¿sabes? Era cosa suya, ellos decidían. Yo soy una persona ambiciosa, trabajo mucho, tengo muchas cosas entre manos siempre. Y con esta banda puedo lograr las metas que me había propuesto. Y cuando no es tu banda no puedes hacerlo. Así que decidí dejar a los chicos y empezar otra cosa.

pA: Bueno Zoltan, muchas gracias por tu tiempo y espero que lo que queda de gira vaya genial.

ZB: ¡Muchas gracias! Vamos a volver así que el año que viene nos veréis un par de veces por lo menos. Vamos a pasar mucho tiempo en Europa en 2014.

Texto y preguntas: Rob Merino
Agradecimientos: Sara Moreno (Background Noise)
Fotos Zoltan: BC Rich Guitars

pA: Habéis grabado el nuevo disco de un modo muy diferente a «The Octopus». Si no me equivoco, «Echo Street» fue hecho en poco más de un mes. ¿Por qué ese cambio? ¿Acabasteis demasiado cansados de todo lo que supuso crear algo como «The Octopus» donde os encargasteis de todo, desde la música hasta el marketing, la distribución, etc.?

Sel Balamir: No… Lo que pasa es que nos quedamos sin dinero así que teníamos que hacer un disco muy rápido. El otro disco no estaba preparado así que teníamos que hacer un disco en un mes / seis semanas. Teníamos que hacerlo de otra manera porque no teníamos suficiente tiempo por lo que tuvimos que recordar cosas del pasado para usarlas, como si fueran semillas para el disco. Así que esa es una manera totalmente diferente de hacer un disco. No fue planeado sino que se ha hecho por necesidad.

pA: Es un poco como el EP «The Fractal», ¿no?

SB: Si, si. No fue algo planeado sino que simplemente es algo que ocurrió.

pA: ¿Qué pros y contras tiene hacer un disco así?

SB: Bueno, es azar. Y ese es el mayor problema: es jugártela a lo grande porqué no sabes como sonará, ni siquiera sabes lo que es cuando empiezas, tienes que invertir dinero en hacerlo… Y puede acabar siendo una mierda.

pA: ¿Es más barato hacer algo así?

SB: Nunca volvería a hacer algo así, nunca. Por los riesgos. Si tienes mucho dinero y tiempo, te puedes permitir el riesgo. Pero el hecho es que nosotros teníamos que sacar un disco y aún siendo una mierda, teníamos que sacar el disco. Bueno, no diría mierda pero quizá no tan potente como uno querría que fuese. Porque no sabes qué será y es un poco moverte a oscuras.

pA: Habéis trabajado con Chris Sheldon…

SB: Si, se encargó de mezclar el disco. Le conozco desde hace una década y he trabajado con él muchas veces.

pA: La producción es tuya, eso si…

SB: Si, si. Pero no teníamos mucho tiempo. Teníamos que hacer cada canción y mientras hacíamos la siguiente, Chris ya estaba mezclando la previa. Así que cuando terminé, el disco estaba acabado.

pA: El gran cambio respecto a vuestros anteriores discos es la entrada de Steve (Durose) y Magnum, ¿cierto? ¿Qué han sumado a Amplifier? ¿Ha cambiado la manera en que trabajáis?

SB: Bueno, en «Echo Street» no tanto porque se hizo tan rápido que no hubo ni ensayos. Eran simplemente las ideas principales que tenía en mi cabeza y yo y Matt le pusimos los arreglos y los otros tíos tocaron encima de eso. Es diferente del tipo de colaboración y ensayo de un proceso compositivo (normal). Pero cuando imaginaba como sonaría lo que sabía es que tendría muchas más voces -porque hay muchas más voces- y que tendría que dejar espacio para que pasaran otras cosas. Esa sería la mayor diferencia. Pero funciona bastante bien porque hay bastante espacio en el disco. Mientras «The Octopus» es bastante aplastante, «Echo Street» es como el contrario de eso. Hay mucho espacio para que la gente pueda sentarse y escucharlo con detenimiento.

pA: ¿Estás satisfecho con el resultado obtenido teniendo en cuenta el tiempo que habéis tenido para hacerlo?

SB: Probablemente es mi disco favorito. Es como tener un bebé no planeado, una bonita sorpresa. Es un pequeño trauma en su momento pero la verdad es que me encanta. Probablemente sea el (disco) más atemporal porque se basa todo más en la melodía, las canciones son más simples…

pA: ¿Qué hay de las críticas? ¿Las has leído?

SB: Leí las primeras que salieron pero después ya no me preocupo. Es como con cualquier disco: hay a quien le gusta y hay a quien le parece una mierda. Así que da bastante igual, a menos que seas Radiohead (risas)

pA: ¿Qué nos puedes decir de un tema como «Matmos»? Estuvimos haciendo algo de investigación y existe un dúo de música electrónica llamado así (risas)

SB: No tiene nada que ver (risas) ¿Sabes de donde viene el título? Viene de una película («Barbarella») En la película es el nombre del lago debajo de la ciudad del placer así que es una buena metáfora porque la canción no es sobre eso… Ninguna de las canciones son sobre nada, son emocionales.

pA: ¿Como sueles escribir tus letras?

SB: No así (risas) Normalmente cada canción va sobre algo muy definido pero en «Echo Street» ninguna de las canciones va sobre nada. Muchas de las letras las escribí a partir de fotos, recuerdos parciales que quizá fuesen recuerdos o fuese algo de la TV… Así que todo es bastante vago y difuso. Pero eso es un poco el disco, algo medio nostálgico y que quizá no llegó a ocurrir. Las canciones vienen a ser medio recuerdos de los 90.

pA: Cuando oigo un tema como «The Wheel» («La rueda»), realmente ves que el título/letra encaja perfectamente con el sonido…

SB: Por eso se llama «The Wheel». Porque eso es lo que es (risas)

pA: ¿Tenías la música y pensabas en un título…?

SB: Mmm, si, supongo que si fue algo así. Pero no, no, es simplemente lo que siempre fue, «The Wheel». Y la letra sale sola. Pero la mayoría de letras del disco se sugieren solas echando un vistazo y tratando de sentir lo que es. ¡No teníamos tiempo! Las letras de «The Octopus» llevaron mucho tiempo, escribiéndolas, reescribiéndolas pero para las de «Echo Street» creo que no estuve más de una tarde para cada una.

pA: Estuvisteis recientemente en la India. ¿Qué tal la experiencia?

SB: ¿Has estado alguna vez?

pA: No, la verdad es que no. ¿Qué tal el público?

SB: Inmenso.

pA: ¿Fue un festival?

SB: Bueno, era una especie de concierto de una universidad. Supongo que de estudiantes ricos (risas) Podía ir cualquiera, eso si, pero no creo que la mayoría de indios ni siquiera tengan una radio o reproductor de CDs o Facebook. Pero si, estuvo bien. La mayoría de nuestros fans son indios: si miras en nuestro Facebook verás dos cientos y pico mil fans y el 70% son de la India. Uno no sabe qué pensar. Y tocamos ante 3000 personas que vinieron de todo el país. Y probablemente esta noche toquemos ante 40 personas (risas) Es muy raro.

Es un choque cultural brutal. Es como retroceder 150 años. Ves a gente con lepra en las calles… Gente viviendo en putas cabañas al lado de la carretera con sus satélites.

pA: ¿Y qué tal se comportan en un concierto? Es decir, has estado en multitud de países…

SB: Igual que en cualquier otro sitio. La misma emoción. Sinceramente, probablemente más emoción que en muchos otros sitios porque no es normal. Tienen hambre de esas cosas. Me gustó aunque hace un calor tremendo…

pA: ¿Aún mantienes contacto con vuestro anterior bajista, Neil?

SB: No, Neil empezó una nueva vida así que… Hace muchísimo que no le veo.

pA: Volvéis a trabajar con un sello, Kscope. ¿Qué tal la relación? ¿Como os dio por volver a trabajar con una discográfica? ¿Es muy diferente a los tiempos en que tuvisteis tan malas experiencias con discográficas?

SB: Si, muy diferente: ahora yo soy el jefe. Yo puedo decidir, hacer, decir lo que quiera y ellos se tienen que atener a eso. Por eso tuvimos que hacer el disco: no quería quedarme sin dinero y tener que pedir prestado dinero porque entonces ya no te respetan. Pero bueno, Kscope está bien. Son buena gente.

pA: Pero entiendo que sobre todo se dedican a distribuir el disco, ¿no?

SB: Me interesaba trabajar con ellos porque es un sello emergente y hay muchos de esos ahora. Me interesó porque algunas de las bandas que representan, su público, podemos gustar a ese público bastante probablemente. Por eso me interesó trabajar con ellos, para aprovechar esa oportunidad. También tienen un pequeñísimo pie puesto en EEUU cosa que para mi es también muy interesante. Es un trabajo duro vender discos. Sabes, con «The Octopus» vendimos mucho pero lo hicimos desde el garaje de Matt. Y es imposible hacer más de lo que hicimos porque para eso necesitaríamos contratar a gente para que trabajara para nosotros y eso cuesta: tienes que pagar impuestos, seguro social y esa clase de cosas. Así que es mejor tener a alguien que haga eso por ti.

Pero el gran problema que surge siempre es que, tan pronto otro se encarga, da igual lo mucho que se esfuerce, nunca será tanto como te esforzarías tu.

pA: Claro, es tu bebé… Y para ellos es simplemente trabajo.

SB: Si, si, eso es.

pA: Me comentabas que te pareció interesante el hecho de que Kscope tuviera representación en EEUU; ¿habéis pensado en atacar aquel mercado?

SB: Si, tan pronto como sea posible y antes de que su economía se derrumbe (risas) Es difícil: no por la naturaleza de la música de Amplifier -porque eso no es para nada difícil- sino que económicamente es un pozo sin fondo: ya solo ir son como 30.000 euros. Hay que invertir mucho dinero; necesitas que alguien invierta por lo menos un cuarto de millón de euros entre marketing e ir allí a hacer una gira. Porque la verdad es que partes de cero, esa es la realidad. Por eso es interesante para mi que Kscope haga ese mercado para ir empezando. La única manera de llegar ahí que otro haga algo e ir pasito a pasito. A veces esas cosas pueden llevar cinco años, diez… No quiero esperar diez años (risas) Tendré setenta por lo menos (risas)

pA: ¿Y otros mercados? ¿Por ejemplo Sudamérica?

SB: No tenemos dinero. No hay dinero. El mundo está en recesión, la música es gratis… Es realmente difícil hacer algo más que… Si ciertamente, hay quien gasta fortunas haciendo marketing a escala Britney Spears pero… Creo que necesitamos centrarnos en India (risas)

pA: ¿Y Pakistán?

SB: China. China es un buen mercado.

pA: Déjame terminar con una pregunta ajena a Amplifier pero como fan reconocido de Soundgarden que eres, ¿qué te pareció «King Animal»?

SB: Genial. Brillante. Su tercer mejor álbum, el tercer mejor álbum de Soundgarden.

pA: ¿Y cuales serían tu primer y segundo disco favorito de ellos?

SB: Como mejor diría «Badmotorfinger» y para mi -sé que es diferente de mucha otra gente- pero probablemente «Louder Than Love». Pero pondría el nuevo por delante de «Superunkown». O al menos al mismo nivel. O depende del día por debajo. Pero muy bueno. Para una banda que llevaba tanto tiempo sin hacer nada me esperaba, sinceramente, una mierda. Y la verdad es que quedé feliz al oírlo.

pA: Muchas gracias por tu tiempo, Sel.

SB: Gracias a vosotros.

El trío lograba poner en la calle el pasado mes de marzo el álbum que titulaban como «1994» y en el que, empapados del rock alternativo de los 90, dan un viaje por los sonidos de bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden o incluso Nine Inch Nails, logrando un resultado de lo más convincente.

Desde pA hemos querido charlar con el grupo y amablemente, Nick Gray, el frontman de la banda de Florida, ha contestado a nuestras preguntas.

pA: Felicidades por «1994», un buen álbum y más para ser el primero. ¿Como ha sido la recepción hasta ahora? ¿Qué tal las críticas? ¿Positivas?

Nick Gray: ¡Gracias! La recepción ha sido abrumadora, como mínimo. Solo somos una banda joven que ha tratado de hacer un buen álbum de rock y creo que ha cierta sensación de sinceridad que la gente nota cuando lo oye. Oyen honestidad y quizá eso es lo que está conectando con aquellos que lo oyen.

pA: Seguramente es una pregunta a la que estáis hartos de contestar -y es una pregunta sencilla para quien no ha buscado mucha información sobre vosotros- pero, ¿por qué Noiseheads como nombre? ¿Tuvisteis otro en mente?

NG: Nadie sabrá realmente la verdadera razón de como surgió el nombre pero creo que encaja perfectamente. Simplemente encajó.

pA: ¿Qué hay de los inicios de la banda? ¿Recordáis las primeras horas como banda?

NG: La banda empezó conmigo haciendo demos al estilo Dave Grohl, tocando todos los instrumentos. Un sello indie me fichó como artista en solitario teniendo yo 18 años antes de haber escrito más de 5 canciones. Querían que me diera prisa por sacar otras seis canciones que sonaban exactamente igual, básicamente querían un artista de rock para radiofórmulas cortado por el mismo patrón. Eso no es lo que quería. Quería algo real, algo orgánico. No hace falta que diga que eso no se concretó y Noiseheads nació de alguna manera como una represalia a lo que es considerado ‘mainstream’ hoy día.

Noiseheads – Expectations (Official Video)

pA: ¿Recuerdas qué estabas haciendo en 1994? ¿Cual será tu álbum favorito de aquel año?

NG: Tengo 23 años ahora lo que significa que tenía 4 en 1994. Recuerdo la película «Forrest Gump» y las canciones que salían en la radio en ese tiempo. El «Superunkown» de Soundgarden fue una gran influencia para mi y es una gran influencia en este álbum. «1994» salió el día en que salió el «Superunknown», el 8 de marzo.

pA: ¿Qué pasó ese año para elegirlo como título del disco?

NG: Si escuchas el álbum con detenimiento, verás porqué se llama «1994».

pA: ¿Es obvio que el rock de los 90 es una gran influencia en vuestro sonido; ¿hay una banda que dirías que es una influencia en vuestro sonido pero que no sea tan evidente?

NG: Tenemos montones de influencias. De todo desde Beatles hasta Seal. Soy un gran fan de Michael Jackson. También soy fan del jazz contemporáneo, Gretchen Parlato, Esperanza Spalding, Avashai Cohen Trio. Cualquier cosa que sea honesta y real, y creo que es por eso que como banda de rock nos atraiga la música de los 90 porque fue la última revolución real del rock que hizo que creyeras en él. Eddie Vedder escribiendo «Aborto si» en el brazo, Kurt Cobain escribiendo éxitos para la radio llamados «Rape Me» (Violame), esto no lo ves hoy día.

Noiseheads – This Kind of Life (2011 Demo)

pA: Habiendo hecho esto más o menos todo por vuestra cuenta, ¿podemos preguntarte si es muy caro hacer algo como «1994»? ¿Os ha llevado mucho tiempo hacerlo?

NG: Aparte de nuestra Tascam 688, no usamos nada molón. Solo nuestros oídos. Nos llevó algo de tiempo hacerlo porque todos tenemos trabajos, el batería y yo vamos a clase a tiempo completo en la universidad local y fue algo difícil. Pero logramos que saliera y con suerte la próxima vez podremos centrarnos solo en componer y grabar el próximo álbum.

pA: ¿Como sueles componer? ¿Primero música y luego letra? ¿Donde buscas inspiración para las letras?

NG: Siempre llega primero la música, melodía y luego la letra. La música dicta de qué será la canción y el significado de la canción puede cambiar con el tiempo. Lo que significa algo para mi, puedo significar algo diferente a otra persona y así es como me gusta.

pA: ¿Qué hay de la portada? ¿Qué significado tiene?

NG: Quería capturar la sensación del álbum, la sensación de nuestra generación. Creo que hay gente ahí fuera que busca algo nuevo en lo que creer y lo que oye en la radio o lo que ve en la TV, los medios generalistas con los que no están de acuerdo. Yo sé que no estoy de acuerdo y me sorprende que no hayan más artistas haciendo nada al respecto.

pA: ¿Qué le dirías a una banda que empieza ahora? ¿Se puede vivir haciendo música en estos tiempos?

NG: Diría que lo hiciera porque nada se lo impide. Tocar música para vivir de ello… Depende de lo cómodo que quieras vivir.

pA: Los tiempos han cambiado de un tiempo a esta parte siendo internet el puntal que ha provocado esos cambios. ¿Cuales crees que son los pros y contras de la red de redes?

NG: El efecto positivo más obvio es lo que estamos haciendo ahora: la comunicación entre el mundo nunca había sido tan fácil. Hay muchos aspectos negativos pero creo que en general, lo bueno sobrepasa lo malo.

pA: Es difícil de predecir pero, ¿como ves el futuro de la industria musical? ¿Como es posible para una banda como vosotros seguir en esto? ¿Qué papel tiene en ello algo como, por ejemplo, Spotify?

NG: Sinceramente no sé qué nos deparará el futuro de la industria musical. Creo que estamos experimentando el futuro ahora mismo y estamos al borde de un gran cambio en el modo en que se habla, escucha y consume la música. Como Spotify, por ejemplo.

Siempre he creído que si quieres algo con la fuerza suficiente lo acabas teniendo. Así que mientras queramos seguir siendo una banda, seremos una banda sin que importe lo que diga la gente.

Noiseheads – Nowhere Somewhere (Official Video)

pA: Con vuestro primer álbum recién salido sería demasiado pronto hablar de nuevo material pero, ¿tenéis ya nuevo material en preparación?

Se compusieron unas 18 canciones para «1994» así que quizá las que no entraron en el álbum, estarán en el próximo porque son canciones realmente buenas. Y siempre hay millones de ideas de canciones que me rondan la cabeza.

pA: Si el genio de la botella de Cristina Aguilera te da la opción de:

a) Montar el cartel de un festival con la posibilidad de escoger grupos de toda la historia, ¿qué cinco bandas elegirías?

NG: Beatles, Mozart, Nirvana, Michael Jackson y el mejor guitarrista que conozco, mi tío.

b) Componer una canción con cuatro músicos (vivos o muertos), ¿con quien te gustaría hacerlo?

NG: John Lennon, Miles Davis, Dave Grohl y Jon Bonham.

pA: Bueno, terminemos, ¿algunas palabras a nuestros lectores?

NG:¡Muchas gracias a todos los fans de todo el mundo y esperamos veros a todos muy pronto!

De su presente, pasado y futuro dentro del mundo de la música y de algunas cosas más nos habló en los minutos que nos dedicó el artista de Toronto.

pA: Tienes muchos proyectos ahora mismo: eres músico, escribes una columna para algunas revistas, tienes un podcast, acabas de sacar un libro… ¿de dónde sacas tiempo para todo esto?

Danko Jones: Realmente es fácil. Tienes que administrarte el tiempo. No me gusta mucho ver la televisión o películas, estoy más interesado en hacer un podcast, escribir columnas o escuchar música.

pA: ¿Cómo te llegan estos proyectos? La columna por ejemplo, ¿alguien de una revista te llama y te lo propone?

DJ: Sí y no. En 2004 saqué un disco hablado y cuando el editor de la revista Rock Hard de Alemania lo escuchó me ofreció una columna, esa fue la primera vez que empecé a escribir, eso fue en 2005, cuando se publicó la primera columna. Eso luego se publicó en la Rock Hard, en la Mute Mgazine noruega, Close-Up de Suecia, una revista para guitarristas de Hungria, la Rock Zone en España, la Rockstar en Suiza y ahora en el Huffington Post, que es una columna semanal. Es fácil de hacer porque durante las giras hay mucho tiempo de descanso, que estás por ahí tirado y hay gente que prefiere beber o drogarse o cualquier mierda así pero yo prefiero sentarme y escribir una columna.

pA: ¿Y el podcast?

DJ: Yo escucho podcasts y pensé que era una manera bastante simple de ser escuchado directamente, porque eres tú, no hay nadie más filtrando tu voz. Solo soy yo y alguno de mis amigos de allí por casa o gente muy conocida que son amigos, o gente muy conocida que admiro. Ese es el criterio del podcast. No es «vale, tengo que entrevistar a este tío ahora» es más «quiero conocer a esta persona o quiero pasar el rato con esta persona».

pA: Y hablar de lo que sea…

DJ: Sí, es gente que admiro y/o de la que soy amigo, así que la conversación siempre fluirá porque hay interés por al menos una de las partes.

El podcast es algo que quería hacer. Sabes, a otra gente le gusta pintar o hacer esquí acuático o escalar, a mí me gusta hacer un podcast. Me permite conocer a mucha gente que nunca hubiera conocido si no hiciera el podcast. Ha sido alucinante. Subimos el podcast número 46 ayer, con Tad Doyle del grupo Tad. Ya he editado otros 3 podcasts más y tengo otros 3 más cuando vuelva a casa, así llegaré a los 50 en los próximos meses. ¡Son 50 podcasts! He conocido a mucha gente.

pA: ¿Cómo lo haces cuando estás de gira?

DJ: Algunos los hago durante la gira otros cuando estoy en casa. Cuando estoy en casa los hago con mi amigo Nick (Flanangan) que estuvo en una banda punk llamada Brutal Knights, giraron por Europa y sacaron 3 discos. Cuando estoy en la carretera solo soy yo y se trata de aprovechar con quien me cruzo. Como cuando estuve en Seattle lo hice con Tad, cuando estuve en Australia lo hice con Duff (McKagan) de Guns N’ Roses porque tocábamos juntos. Cuando estuve en Nueva York lo hice con Lydia Criss, la esposa de Peter Criss (batería de Kiss), que básicamente es «Beth». Así que depende de donde esté.

pA: Empezaste hace unos años, has visto como la industria de la música cambiaba. Hace años uno tenía que ir a un estudio a grabar, ahora te lo puedes hacer en casa con un ordenador. ¿Cuál es el gran cambio que has en la industria musical en estos años?

DJ: Más o menos lo que has comentado. Hay muchas bandas ahora grabando donde ensayan, no sé si eso produce un disco mejor o una mejor grabación pero en algunos aspectos es más barato. Ahorran dinero en la grabación porque todo el mundo descarga el disco y tampoco recuperan todo el dinero invertido. Es dar y recibir. Es un equilibrio. Somos una banda a la que nunca le afectó la venta de discos porque nunca tuvimos un disco de oro ni nada parecido, nadie se compraba nuestros discos. Así que el hecho de que ya nadie compre discos no afecta a nuestro balance. No importa.

pA: Empezasteis haciendo solamente conciertos…

DJ: Sí, pero aún cuando empezamos a sacar discos nadie los compraba a un nivel en el que las descargas de la gente afectara a nuestro balance financiero o al mundo que hemos construido a nuestro alrededor o nuestro séquito. Nunca vendimos muchos discos.

pA: ¿Es fácil vivir de esta manera?

DJ: Sí, claro. Todo el mundo quiere vender un millón de copias de cada álbum que saca. Millones y millones de copias porque es más fácil de esa manera. La música no tiene necesariamente que mejorar pero del mismo modo, nadie quiere vivir como si estuvieran en un campamento toda su vida. Tirados en los suelos de la gente. En cierto modo, las cosas han mejorado, viajamos en un bus, tenemos habitaciones individuales cuando tenemos un día libre. Ya no vamos de sofá en sofá de la gente. Ha mejorado en ese sentido, pero al mismo tiempo no somos cabezas de cartel en un estadio en Barcelona. Estamos en un feliz término medio. Todos quieren llegar más alto pero estoy feliz de donde estamos. Podría ser peor. Estoy agradecido de donde estamos ahora.

pA: ¿Tú sueño es llegar a ser más grande?

DJ: El sueño de todo el mundo es ser más grande. Si alguien dice que no, es un jodido mentiroso. Todos quieren ser más grandes. Todos quieren ser tan grandes como Metallica o U2. Nadie quiere tocar en frente de 200 personas que conoces. Es una pose, es falso.

pA: ¿Recuerdas la primera vez que la música hizo un impacto en ti?

DJ: Sí, soy muy impresionable. Kiss, Metallica, Black Flag, Voivod,… Todas esas bandas me impresionaron de cierta manera. Misfits…

pA: ¿Y la primera vez que tocaste una guitarra?

DJ: Sí, una guitarra eléctrica cuando tenía 14 años. Empecé a dar clases cuando tenía 13. Tampoco son momentos legendarios. No me flipo mucho con los equipos o los pedales. Esos momentos llegan cuando escucho grupos que me gustan.

pA: Muchas bandas americanas y canadienses olvidan España en sus giras, pero tú siempre vienes…

DJ: ¿Lo hacen?

pA: Sí.

DJ: ¿Por qué?

pA: El precio de las entradas, la cultura musical,…

DJ: ¿Sí? Había oído que en Madrid especialmente había una gran escena de rock. Llaman a Madrid, «Madrid Rock City». Económicamente sé que España no está en su mejor momento pero creo que meteremos unos cuantos cientos de personas en la sala.

pA: ¿Qué recuerdos tienes de España?

DJ: Cuando tocamos en Barcelona siempre tenemos buenos conciertos. Venir aquí con los Backyard Babies y tocar en Razzmatazz fue memorable. Hay muchos tipos de recuerdos con el paso de los años. Hemos tocado un par de veces en el Azkena.

pA: Descubrir la horchata quizás…

DJ: Hay una versión de la horchata en América también, de México.

pA: Pero creo que no es exactamente igual…

DJ: No, pero es muy parecida. Cuando vengo aquí me encanta esa bebida.

pA: Parece que siempre estás de buen humor…

DJ: No realmente, pero sigue…

pA: Al menos cuando estás en el escenario.

DJ: Sí, claro. Totalmente. Estás ahí para eso.

pA: ¿Cómo lo haces cuando tienes un mal día o estás cansado?

DJ: Depende del mal día que sea. Si es una riña por alguna tontería, lo puedes dejar de lado y salir al escenario. Cuando es algo duro, especialmente algo que haya pasado en casa, y es cuando tienes que separar al artista de quien hace esto solo como hobby. Simplemente tienes que subir al escenario y… tocar. Es duro.

pA: Es como ser un actor.

DJ: Es lo más cercano a la actuación. Cuando hay algo en mi cabeza o estoy enfermo. Pero aparte de eso, si no estoy enfermo o nada serio está pasando, entonces es real, paso un buen rato en el escenario. Es genuino. Creo que por eso viene la gente a nuestros conciertos. El público puede sentirlo. Es real, no es actuación. Pero cuando tienes 40º de fiebre, tienes gripe y acabas de vomitar antes de subir al escenario, entonces sí que tienes que actuar. Tienes que fingirlo, pero eso pasa una vez cada cinco o diez años.

pA: Incluyendo caras B y grandes éxitos ya tenéis 8 discos, ¿te sientes apreciado en lo que haces?

DJ: No, nunca lo he creído. Solo eres tan bueno como tu último disco. Como he dicho, nunca hemos vendido un millón de copias, así que nunca ha habido un disco que cimentara nuestra reputación a un público masivo pudiendo siempre apoyarte en ese álbum, que es lo que muchas bandas hacen. Siempre enfoco el hacer un disco como si empezáramos de cero. Solo eres tan bueno como el disco que acabas de sacar. Si a la gente no le gusta el disco que acabas de sacar, te arriesgas a perder a tu público, porque quizá no esté ahí para el siguiente. Hay muchas bandas ahí afuera. Hay mucha gente haciéndolo. La gente no necesita esperar a que vuelvas otra vez. Así que para mí es una presión constante mejorar el último disco, pero habiendo dicho esto, para empezar, lo primero que quiero es que las canciones sean la hostia. Estoy contento con eso, me puedo ir a la cama por la noche aunque a la gente no le guste. Hay una tendencia en los grupos: «Nosotros os complacemos, es por eso por lo que tocamos». Porque quieren que la gente sepa que son de verdad, pero a la vez, a menos que sean ricos, necesitan complacer a un público y yo quiero complacer al público, porque si al público le gusta tu anterior disco eso significa que tenemos el mismo gusto para la música porque yo estaría comprando nuestro disco si no estuviera en este grupo. En cierta manera, quiero complacerlos porque he hecho un disco que me gusta. No toco en este grupo porque me gusta el country, toco en este grupo porque me gusta la música que hacemos. Esta es la música que quiero hacer y que quiero seguir haciendo, para hacer eso necesitamos un público que nos siga álbum tras álbum.

pA: ¿Te ves haciendo esto en 10 años?

DJ: Con suerte sí. Ha cambiado en los últimos 10-15 años, en como giramos o como lo hago para prepararlo. Pero también te vas haciendo mayor mientras tanto, pero sí, espero poder seguir haciendo esto al menos otros 10 años. En 10 años podemos sacar 5-6-7 discos, no son muchos. Hay bandas que tienen 20 discos y nosotros tenemos 6 discos de estudio.

pA: Espero que podamos verlo.

DJ: ¡Sí!

pA: Ha sido un placer, Danko.

DJ: Gracias.

Texto: Elías Huerta
Preguntas y traducción: Elías Huerta & Rob Merino

La banda, que en su anterior visita a la península lo hizo bajo su alter ego Mariachi El Bronx, celebraba en 2012 su décimo aniversario como banda algo que, según nos confesaba el guitarrista Joby J. Ford, era muchísimo más de lo que hubiera soñado en su sueño más salvaje.

pA: ¿Cómo está yendo la gira hasta ahora?

Joby J. Ford: Bastante bien, todo va pasando bastante deprisa. Mañana tendremos nuestro primer día libre en 10 días y estoy bastante emocionado al respecto.

pA: ¿Se puede decir que 2012 has sido vuestro año sueco? Estáis ahora con The Hives, habéis hecho un par de conciertos con Refused y estamos seguros de que habréis pasado por IKEA a comprar algo (risas)

JJF: No lo sé, no lo había pensado. Creo que es bueno porque llevamos girando como banda mariachi durante bastante tiempo. Hicimos un nuevo disco de The Bronx y creo que está bien que hayamos hecho otro este año porque no estaba seguro de que fuera a pasar. Pero decidimos hacerlo y estamos muy contentos con el nuevo álbum que saldrá en febrero. Creo que nos vuelve a poner en el camino de ser una banda de punk-rock.

pA: ¿Ha sido diferente la forma de componer este disco respecto a los anteriores?

JJF: Creo que sí. Hemos hecho una cosa interesante que no habíamos hecho antes: hemos dividido el álbum en dos secciones con un grupo de canciones y después hicimos esas y volvimos a componer otra vez sabiendo hacia donde queríamos llevar el disco y después volvimos e hicimos la segunda ronda de grabación. No lo sé, es algo que no habíamos hecho antes, pero me gusta como salió. Parece que aligera el trabajo cuando sabes lo que quieres hacer.

pA: ¿Cómo trabajáis normalmente? ¿Cada uno hace su parte y las juntáis o las hacéis como una banda?

JJF: En The Bronx yo compongo algo de música y se la mando a Matt (Caughthran, voz) y nos vamos intercambiando ideas y opiniones y cuando tenemos algo, le añadimos el resto de la música. En Mariachi El Bronx normalmente funciona de esa manera, pero hay ocho personas en esa banda y a veces está bien que otra gente traiga canciones también (risas).

pA: ¿Habéis pensando en hacer otros géneros de música? Cómo la polka por ejemplo…

JJF: (risas) No lo creo. Creo que sería raro… De hecho todavía se me hace raro tocar música latina porque soy blanco pero es algo que siempre estuvo rondándonos. Probablemente me siento más cercano a esa clase de música que a la polka o cualquier otra cosa. Creo que ya es suficientemente raro tocar este material, si empezara con otro género sería demasiado raro.

pA: He visto que para el nuevo disco habéis sacado una caja de comida china para llevar, ¿cómo surgió esta idea? ¿Fue tuya?

JJF: Sí, lo fue. Recibimos una llamada de la compañía discográfica que necesitábamos un ‘marketing ingenioso’ o algo así (risas) Y yo estaba comiendo comida china y fue como, ‘Pongamos una canción en una galleta de la fortuna y en una caja de comida para llevar’. ‘Vale’. Lo siento. Me hubiera gustado que fuera algo más grande pero… Siempre intentamos hacer cosas coincidiendo con la publicación de nuestros discos que sean algo poco visto. Con nuestro primer disco de Mariachi El Bronx sacamos una colonia. Colonia ‘El barrio sweat’. Fue ridículo. ¿Qué hicimos en el último disco? Ah si, creo que hebillas para el cinturón. Hicimos tableros de ouija para nuestro segundo disco.

pA: ¿Es una manera de intentar vender más discos?

JJF: Creo que una de las cosas más atractivas del rock and roll es hacer estupideces o cosas indebidas. Creo que es una continuación del proceso de pensar, que empieza con una terrible idea y ver si funciona. Creo que es así como empiezan todas las bandas, para ser honesto (risas)

pA: Este año es el décimo aniversario del grupo.

JJF: Sí, vamos a sacar un libro. Un coffee table book de 170 páginas con fotos de todos los años. Creo que saldrá quizá en marzo. Es divertido mirarlo. Hay un montón de recuerdos en diez años. No puedo creer que seamos amigos y que todavía nos llevemos bien. Nunca pensé que estaría en un grupo durante diez años. Jamás.

pA: Era la próxima pregunta…

JJF: Pensé que no estaría ni diez minutos.

pA: ¿Te ves de aquí a diez años en The Bronx o quizás en otra banda?

JJF: No tengo ni idea. No soy un tipo que planee las cosas. No sé si seguiremos juntos. Creo que mientras todos nos sintamos bien haciendo música y nos emocione tocar y crear seguiremos. Si se termina convirtiendo en algo parecido a un trabajo o algo así, entonces nos iremos a hacer otra cosa.

pA: Salir de gira debe ser cansado e imagino que mientras más mayor se hace uno, lo debe ser más…

JJF: Para mi lo es. Tengo dos hijos. De uno y cinco años. Y probablemente lo más duro de estar de gira es estar lejos de mis hijos y mi mujer. Es duro para ellos y es duro para mi. Físicamente es duro pero puedo llevar el tema físico. Pero gracias a Dios por Skype y FaceTime (risas) No puedo imaginarme hacerlo sin eso.

pA: “Ribcage” es el single presentación de vuestro nuevo disco, ¿es representativo del resto del disco?

JJF: Nunca habíamos compuesto una canción como esta que tiene ese ritmo punk acelerado. Es interesante que preguntes por ella porque era algo de lo que siempre nos alejábamos. Hicimos cambios a esa canción y realmente nos gusta. Creo que es una nueva toma de una vieja fórmula. Sin duda el álbum entra en un nuevo territorio. Es más simple de lo que hemos hecho antes. Es muy básico. Lo hicimos en nuestro propio estudio. Es simple, no hay muchas complicaciones. En esta ocasión nos concentramos en componer canciones en lugar de meterle kilos de guitarra. Realmente me gusta.

pA: ¿Cómo soléis escribir las letras?

JJF: Matt lo hace (risas)

pA: O sea, que no tienes voz en eso…

JJF: No realmente. Hay cosas que se podrían afinar, que no funcionan, pero yo también las tengo. Matt y yo tenemos… A nadie le gusta decirle a alguien lo que hacer o ser un gilipollas con él pero si algo es una mierda y no lo sé, me lo dice y yo le creo. Me gusta pensar que tenemos la misma relación, ‘Eso no va a funcionar’, ‘Vale’.

pA: ¿Qué hay sobre el título de los discos? ¿Habéis pensando alguna vez en ponerle nombre?

JJF: ¿Sabes? (risas) Es como que nos cavamos esa tumba y ahí nos tenemos que tumbar, ¿sabes? Lo cual es bueno porque es una cosa menos en que pensar. No sé, creo que si intentáramos titular un álbum tardaríamos dos o tres semanas en decidirlo. Todo el mundo se volvería loco y uno diría una cosa, otro otra. De hecho, nunca hemos intentado hacerlo. Me alegro.

pA: Déjame preguntarte sobre The Drips. ¿Hay planeado sacar más material?

JJF: Creo que sí. Realmente me gustaría. No mucha gente llegó a ver esa banda. Hablamos mucho sobre ello. Todos están muy ocupados. Dave (David Hidalgo, Jr.) está en Social Distortion ahora, Vince (Vincent Hidalgo) toca el guitarrón en Mariachi El Bronx, ni siquiera sé en que anda Tony (Bevilaqua), hace un par de años que no lo veo. Pero siempre hay planes de hacer otro disco. De vez en cuando, una canción de The Drips llega un e-mail en cadena que alguien escribió.

pA: Sigue ahí… Todavía podéis hacer algo.

JJF: Sí, eso creo. Realmente quiero. Me gusta esa banda. Espero hacer otro disco.

pA: Ya que hablamos de The Drips, ¿de qué trata la canción “16, 16, Six”?

JJF: Es sobre una juventud desencaminada. Ser un chico confundido.

pA: Déjame preguntarte por el primer bajista de The Bronx…

JJF: Oh, Tweedy.

pA: Que se fue sin dar explicación, al menos a la prensa. ¿Hubo explicación para vosotros?

JJF: (risas) Si la hubo, si. James no era el tío adecuado. Creo que vocación en la vida no era estar en un grupo. Ha pasado página. Creo ha vuelto a vivir en Canadá. Seguimos siendo amigos, viene a los conciertos. Creo que su cerebro está más dirigido a un trabajo en oficinas. Cuando intentas imponer un trabajo de oficina a un músico de rock and roll… (risas). Las cosas están bien. No me gusta hablar sobre cosas personales con la prensa, por eso no hubo explicación. Eso quedó entre nosotros y él. No fue fácil. Está mejor fuera y nosotros también estamos mejor.

pA: Hace unos años hicisteis una versión de Charles Manson. ¿Es verdad que llegásteis a concerlo o es un ‘hoax’ que circula por ahí?

JJF: Yo nunca lo conocí. Creo que puedes ir a conocerle o visitarle a la cárcel. Fue muy interesante cuando lo hicimos. Charles Manson fue un personaje fascinante. Echa por tierra cualquier cosa que supieras sobre composición musical, tocar la guitarra y cantar porque lo hace de una forma extrañísima. Lo que me gustaba de eso era oír como cambiaba de persona con canciones de más de diez minutos y él aullando. No creo que nadie salvo la gente que hace música pueda disfrutar de Charles Manson. Es una de esas cosas que sólo si sabes música te das cuenta de que este tipo está haciendo todo al revés. Hubo mucha crítica por esa canción, si te soy sincero. Era más como ‘¡Tíos, deberíamos versionar esta canción!’ No lo pensamos demasiado, me gustaba la melodía. No lo pensamos mucho cuando lo hicimos y resultó que hubo mucha gente enfadada por hacerla. Aunque también hubo gente que flipó. Obviamente no intentábamos respaldar a una persona tan horrible. Éramos críos cuando hicimos eso, quizás ahora lo pensaría más.

pA: Era por la música, no por quién era o por el mensaje.

JJF: Exacto. Nosotros éramos los únicos que lo sabíamos, el resto estaba en plan: ‘¡Oh, tíos! Os gusta Charles Manson’. No. Sus canciones molan. Además, es una cara B, ¿a quién coño le importa? (risas).

pA: Hace unos años produjiste un disco a un grupo español: This Drama. ¿Cómo recuerdas esas sesiones?

JJF: Mi español es muy malo y su inglés es muy malo. Los vi anoche, vinieron a Madrid, y de hecho ya hace casi tres años de aquello. Fue interesante porque llegaron al estudio y toda su música era en inglés y no era bueno. Les dije, ‘Tíos, tenéis que cantar en castellano’. Y me dijeron, ‘No queremos ser una banda española, nos gusta la música americana’ y yo, ‘No, vosotros sois una banda española’ (risas) ‘Tenéis que cantar en castellano’. Les dije que no tenían el suficiente conocimiento de inglés. Y eso no les gustó demasiado. Pero me dieron las gracias al terminarlo. Hago muchos álbumes, disfruto haciéndolo. Al final del día quiero que la banda esté realmente contenta, ‘vosotros me contratáis para un trabajo y no digo que sepa más de música que vosotros pero esto es lo que hago’. Quedaron muy contentos o al menos fue lo que me dijeron. Pero estuvo bien. Les encantaba la salsa barbacoa. Recuerdo que mi ingeniero de sonido y yo nos reíamos: les llenamos la nevera de la cocina para comer en el estudio y le ponían salsa barbacoa en todo. La salsa barbacoa es asquerosa. Pero ellos decían, ‘Oh, es buenísima’. Y nosotros nos reíamos de ellos y ellos probablemente de nosotros.

pA: ¿Hay alguna historia que le contarías a tus nietos sobre estar de gira o haber grabado con alguien?

JJF: Probablemente diría, que disfruté cada momento de estar en una banda y de hacer música. La música para mí es libertad porque es lo que siempre quise hacer. Siempre tuve trabajos y no podía hacer música para ganarme la vida. Ahora puedo y eso significa para mí ser libre de tener que escuchar que alguien te diga lo que tienes que hacer en un límite de tiempo. Seguramente trabaje más duro que gente que tiene un empleo con los viajes y todo eso. Les diría que disfrutaran cada minuto porque todo se puede acabar. Me ha pasado montando el libro, en plan, ‘Tío, ¿te acuerdas de esa foto?’

pA: ¿El libro tendrá solo fotos o también habrá texto con las fotos?

JJF: Un redactor del LA Times, Kevin Bronson, nos entrevistó por separado y escribió un montón de texto, que recorre varias cosas a lo largo de diez años. Es muy guay. Me muero de ganas de verlo.

pA: Bueno Joby, muchísimas gracias por tu tiempo.

JJF: Gracias a vosotros.

Texto: Rob Merino
Preguntas: Rob Merino / Elías Huerta / Checa
Fotos: Nuria Ocaña
Transcripción: Elías Huerta – Rob Merino
Agradecimientos: Lindsay Brown / Swax McIver