Quizá haya un segundo álbum pero es una de esas cosas que… Fue hecho por amor al arte, se podría decir. Yo y Steven habíamos hablado de hacer música juntos porque habíamos trabajado juntos algunas veces – yo he estado en sus discos y él en nuestros discos pero nunca habíamos compuesto música juntos. Por eso existe Storm Corrosion – porque tanto él como yo queríamos componer juntos. Y fue realmente divertido; fue un disco divertido de hacer y fue tan “a tiempo real” que daba hasta miedo. Nos sentamos y yo saque algo y él sacó algo y lo grabamos, y eso era una canción. Se hizo así.

Sé que podría volver a hacerse. Solo que no es la prioridad. Es algo que hicimos por diversión y por el amor a la música. Así que si lo volvimos a hacer, será cuando estemos completamente… Cuando tengamos las agendas vacías y sin nada que hacer, teniendo mucho tiempo. Y sin tener miedo a fallar. Es decir, si lo intentamos y no funciona, no pasa nada.

En los inicios del proyecto se rumoreó que Mike Portnoy, ex-batería de Dream Theater, también iba a ser parte del mismo.

Mike y yo, también es buen amigo mío y hablamos algunas veces de hacer algo juntos. Y había oído de lo mío con Steven y me dijo, “Quiero tocar la batería” creyendo que iba a haber mucha batería. Pero lo que pasó es que no había batería. Hay algún ritmo por ahí, como un platillo. Y una canción, en lugar de batería, yo mantenía el ritmo con una cuerda de la guitarra – la última canción del álbum. Hay batería en una canción – hay algo de batería en algunas canciones – que tocó Gavin Harrison (Porcupine Tree). Pero Gavin vino como músico de sesión – vino pero no hubo conexión con el proyecto más allá de que le trajimos para que hiciera eso. Pero si traes a un tipo como Mike, se convierte en una banda y Mike también es un adicto al trabajo. Y no traes a Mike Portnoy a tocar un platillo. Es un batería genial y me encantaría hacer algo alguna vez con él pero no fue (ese) un disco de baterías así que seguramente le habría decepcionado si eso era todo lo que habría hecho.

Afortunadamente ello no significa que hayamos quedado huérfanos del talento del londinense y Wilson ya ha publicado cuatro discos en solitario en los que ha ampliado infinitamente su paleta sonora. Precisamente el nuevo disco, «Hand. Cannot. Erase», ha sido el que le ha traído de vuelta a España (por primera vez a Barcelona) y por ello hemos tenido la suerte de charlar con él sobre su público, su nuevo álbum, su visión del presente y futuro de la música o su sueño por cumplir.

¿Qué tal estás?

¡Muy bien, gracias! Es un día precioso.

¿Qué tal ayer en Madrid?

Muy bien, si…

De hecho era el segundo concierto de la gira…

La verdad es que ambos conciertos han sido fantásticos. Lo estoy disfrutando muchísimo.

¿Qué tal está reaccionando la gente a tu nuevo material?

Maravillosamente. El público en esta parte de Europa es, sin duda, diferente. Hay una pasión que no encuentro en países como Alemania o el Reino Unido, algo que realmente disfruto.

Una pregunta que siempre hacemos a las bandas que nos visitan es si realmente se nota a diferencia entre público dependiendo del país. ¿Es lo mismo el público español que el alemán o el de EEUU? ¿O incluso, en EEUU hay diferencias entre estados?

Sin duda. De alguna manera, y no creo que sea sorprendente que diga esto, hay similitudes entre aquí y Sudamérica en términos de entusiasmo, pasión y no solo en eso sino también en la demografía del público. Si hago un concierto en el Reino Unido el público que veo es algo mayor, más masculino… En sitios como Chile, México, España o Portugal diría que todo es mucho más 50/50 en cuanto a mujeres/hombres y mucha más gente joven. No sé exactamente el porqué… Diría que puede tener que ver con la cantidad de exposición ‘mainstream’ que tiene la música pero no creo que mi música tenga ninguna exposición ‘mainstream’ en España. No sé porqué, seguramente vosotros tendréis una mejor idea del porqué pero sin duda hay una diferencia de demografía y aspecto del público y esa es la razón por la que siento que hay más pasión: hay más chavales, más mezcla de mujeres y hombres. No son solo hombres serios ahí analizando todo lo que haces y eso crea también una atmosfera muy diferente.

¿Hace que tu también actúes de otra manera?

Por supuesto. Incluso cosas simples como que el público esté de pie o sentado crea una diferencia tremenda. Hago muchos conciertos en Europa y la mayoría de los que hice en EEUU en teatros y es mucho más difícil notar el público cuando está sentado. Así que he disfrutado muchísimo estas dos últimas noches porque ha habido una conexión. Sin duda hay ventajas cuando estás sentado siendo esta gira, como es, muy visual con vídeos y sonido cuadrafónico y a veces la gente quiere simplemente sentarse y disfrutarlo pero como consecuencia de ello el ambiente se resiente.

¿Adaptas el setlist en función del lugar donde actúas?

No, el concierto es el concierto. Si que podemos cambiar alguna canción aquí o allá pero no tantas como querríamos porque, en parte, el concierto es bastante complejo con las imágenes, los vídeos y las pantallas. Así que tiene que haber una forma fija de setlist en el que si puedes cambiar una o dos canciones pero no es que puedas decir, «Hey, hagamos hoy un concierto de rock porque el público lo pide» o «el público esá muy tranquilo, hagamos un concierto con muchos temas tranquilos y espaciales». No funciona así. El concierto es el concierto.

Hablemos de tu nuevo álbum, «Hand. Cannot. Erase», basado en una sorprendente historia que recogió un documental. ¿Surge el álbum después de ver el documental o tenías material y decidiste que encajaba en esa historia?

Pues mira, ninguna de las dos cosas. Te cuento: vi el documental y quedé conmocionado y conmovido. Y de alguna manera me fue persiguiendo, tenía esa historia dando vueltas por mi cabeza. Había empezado a componer un disco nuevo y, de hecho, era un disco completamente diferente, con una historia completamente diferente aunque aspectos de la historia se han mantenido en «Hand. Cannot. Erase» pero lo básico es una historia muy diferente. Me encontré escribiendo canciones dentro de ese personaje que estaba basado en Carol Joyce Vincent, que es la persona real del documental, sin ser consciente de ello. Eso suena muy pretencioso pero es verdad que no escribía de forma consciente, no había escogido escribir de ese personaje. Más bien parecía que el personaje me había escogido a mi. Y estaba escribiendo letras y una de las primeras canciones que escribí, «Happy Returns», está escrita en primera persona, desde la perspectiva de una joven escribiendo una carta a su familia, muy basado en la historia de Carol Joyce Vincent. Mientras más música componía y más letras escribía más me daba cuenta de que este personaje se estaba convirtiendo en central en todas las canciones que estaba escribiendo. En ese punto empecé a tratar de juntar todo para crear una especie de historia y es un proceso complejo porque… Obviamente, mucho de lo que escribo es autobiográfico. Incluso cuando tienes un personaje, un personaje imaginario, tienes que ponerle sentimientos reales, emociones reales, experiencias reales para hacerlo creíble. Así que muchas de las historias de mis personajes son mis historias pese a que en este caso es un personaje femenino y es una situación muy diferente pero hay mucho de mi en ese personaje. No sé si eso te responde la pregunta pero creo que fue un preoceso muy gradual del que no fui del todo consciente. Obviamente llegó un punto en el que si fui consciente y dije, «Vale, tenemos una historia». Ahí empecé a tratar de darle cierta estructura pero hasta entonces iba componiendo canciones en ese personaje sin darme cuenta realmente de ello.

¿Repites el modo en que compones un disco? Es decir, ¿ha sido la forma de componer este disco muy diferente al de los discos anteriores?

Intento cada vez hacer que sea una experiencia diferente para mi…

¿Pero como lo haces?

¡No lo sé! (risas) No es verdad. Vale: hay una manera sencilla de asegurarte que haces algo diferente y es ser muy consciente de lo que ya has hecho. Tomas la decisión negativa de decir, «No voy a volver a hacer eso». Eso no significa que no sea lo que vayas a hacer pero… Mira, cuando por ejemplo terminé «The Raven That Refuses To Sing», del que estoy muy orgulloso, dije, «Vale, ya he hecho esa clase de disco, un disco muy ‘old school’, muy rock progresivo de los 70, no quiero volver a hacer eso». Así que dije, «Vamos a hacer algo moderno ahora, algo más contemporáneo». Es casi como una reacción contra lo previo que has hecho. Esa puede ser una influencia muy fuerte.

¿Es muy diferente el modo de componer para tu trabajo en solitario que para otros proyectos como por ejemplo Porcupine Tree?

El hecho es que ya no compongo música para esos proyectos. De muchos modos, si cogemos Porcupine Tree como ejemplo, mi trabajo en solitario es una continuación de ello y ha tomado su sitio porque en Porcupine Tree componía casi toda la música, era el cantante y guitarrista, era el responsable de la dirección hacia la que se dirigía la banda… Así que si aún estuviera haciendo eso, no tendría sentido porque la respuesta a tu pregunta es que no hay diferencia. La única diferencia cuando compongo para mis discos en solitario es que estoy menos… Restringido por lo que sé que los otros chicos quieren tocar. Una de las cosas de estar en una banda es que puedes ser el compositor principal pero tienes que ser consciente de que a los otros chicos hay cosas que les gusta o no tocar. En una banda en la que hay democracia eso es un problema porque hay canciones que puedo componer pero sé que no querrían tocarlas. No tengo ese problema con mi banda en solitario. Puedo componer cualquier cosa, hacer cualquier estilo y esos tíos lo tocarán porque al final soy quien les paga. Pero aparte de eso no habría diferencia y por eso no tendría sentido para mi hacer mis cosas en solitario y seguir con Porcupine Tree. Otras cosas que hago que están más centradas en un aspecto musical específico -Bass Communion se basa más en música ‘drone’, ‘ambient’ y texturas puras- y eso es más un enfoque distinto, no son canciones, es más bien diseño sonoro. Pero ya no compongo mucho para otras cosas. Hoy día si compongo música y letras será para mi trabajo en solitario.

Llevas ya muchos años de relación artística con Lasse Hoile. ¿Como nació?

La relación empezó con un álbum titulado «In Absentia» de Porcupine Tree… La cosa es que yo siempre he visto la música pero no tengo ningún talento para las cosas visuales. Siempre me había frustrado tener la música y mentalmente saber el aspecto que tendría como película o como imagen de portada, tener una visión muy concreta de ello pero no tener ninguna clase de talento para hacerlo real. Así que tenía que apoyarme en quien encontrase: diseñadores, fotógrafos, directores y siempre era algo que no terminaba de ser exactamente satisfactorio con lo que yo imaginaba. Hasta que conocí a Lasse, que era fan de Porcupine Tree y tan pronto mandó su obra y la vi, pensé, «¡La música! Esa foto es la música y viceversa». Eso es muy raro de encontrar y muy importante. Y desde entonces es el hombre al que puedo decirle «Esto es lo que veo» y él va y lo hace. Y es perfecto.

No necesitas ni hablarle…

Si, eso si. Soy un friki del control (risas) Siempre digo «más de esto, menos de aquello» pero el resumen es que él lo pilla. Tenemos puntos de referencia muy parecidos cuando hablamos de películas, fotógrafos, pintores, música… Esas cosas son importantes también. Si le digo a Lasse, «Oye, Lasse, te acuerdas de esa escena en ‘Eraserhead’ o esa del ‘Solaris’ de Tarkovsky» y él enseguida me dice, «Si, sé a lo que te refieres». Y eso es importantísimo porque durante años cuando preguntaba «¿Te acuerdas de esa escena de ‘La naranaja mecánica'» y se quedaba en plan, «¿Eh?» ¡Eso es tan frustrante! Tener a alguien con quien compartes vocabulario visual y musical hace todo mucho más fácil. Sigo dirigiendo y teniendo una opinión muy fuerte pero me puedo relajar.

Siempre has sido muy contundente y claro con los aspectos malos de la evolución de la industria musical. Hiciste una curiosa campaña hace unos años en la que te dedicabas a destrozar iPods como símbolo de lo que no te gustaba de la dirección que había tomado la industria. ¿Qué opinión te merecen los servicios de música en ‘streaming’ como Spotify o Apple Music? ¿Crees que es algo que durará o será sustituido por algo nuevo en unos años?

Es una muy buena pregunta y una de las razones por las que es una muy buena pregunta es porque has mencionado lo de los iPods. Hice eso hace como siete años y ahora ya parece muy pasado de moda porque ya nadie tiene un iPod. Y eso, para mi, es extraordinario porque en su momento parecía que iba a quedarse para siempre. Y entonces aparecieron los servicios de ‘streaming’ y todo el panorama del consumo de música volvió a cambiar de nuevo. ¿Puede haber algo más allá del ‘streaming’? No lo creo, ¿no? Es lo definitivo, todo centralizado en una base de datos, no tienes contenido alguno en tu teléfono o en tu reproductor Pono… Yo creo que debe ser el final del proceso, sin duda. Para contestar a la primera parte de tu pregunta, qué pienso de ello, te diría que es feo. Toda la idea de la música ‘divorciada’ de un objeto físico es fea. Pero bueno, yo soy viejo, yo crecí con vinilos y CDs y a mi me encanta la idea de la música como una obra de arte. La mejor analogía que se me ocurre siempre es, ¿qué le pasaría al mundo del arte, de la pintura, si nadie fuese a un museo, si nadie mirásemos cuadros colgados en una pared y simplemente viéramos jpgs en ‘streaming’? Es una manera muy fea de experimentar un arte muy bonito. Y siento lo mismo al respecto de la música, tengo la sensación de que falta algo en el ‘streaming’. Es práctico, muchas veces no suena demasiado bien por estar comprimido…

Otro de los puntos negativos es que los servicios de ‘streaming’ hace que dependas de un servicio centralizado, de una empresa -o varias- que si decide un día que no va a tener disponible un álbum o la discografía de un grupo te quedarás sin poder escucharlo.

Correcto. Y además a sumar a todo esto que estamos diciendo, con el ‘streaming’ ya no tienes la idea de álbum porque, seamos sinceros, lo que alienta el ‘streaming’ es que se use como un ‘jukebox’ o se hagan ‘playlists’. Y tienes a gente como yo que tratamos de hacer álbumes que cuentan historias que compararía a los novelistas que escriben historias, cineastas que hacen películas que cuentan una historia y tu haces un álbum que cuenta una historia que se supone que debes escuchar de forma seguida. Desgraciadamente el ‘streaming’ alienta a la gente a hacer sus propios ‘playlists’, a escuchar solo el single… Y luego tienes anuncios también, ¿verdad? Todo eso es tan feo. Y no lo escuchas mientras estás viendo un bonito ‘artwork’. Mi opinión sincera es que es feo pero entiendo que es el futuro -y el presente- y entiendo que la practicidad siempre gana. La calidad y la experiencia siempre pierden contra la practicidad. Y ese es el error de la raza humana. Desgraciadamente siempre parece que elijamos la practicidad por encima de la calidad y la experiencia. No es solo en el mundo musical. También en la comida, por ejemplo. Comemos mierda porque es fácil comer mierda, ¿sabes? Esa es una buena analogía: el ‘streaming’ es como ir al McDonald’s, en lugar de cocinar en casa un plato delicioso con verduras frescas. Gana la facilidad y la practicidad.

Hace unas semanas leía la noticia de un nuevo producto, unos polvos que se mezclan con agua y suponen una comida completa con todos los nutrientes que necesita el cuerpo.

¿Pero la vida no es eso, verdad?

Por supuesto que no. Hay que disfrutarlo, hacerlo una experiencia, no algo aburrido, plano…

Para mi estar vivo son todas esas cosas táctiles: sal a tomar el sol, no te quedes en tu habitación con el ordenador, sal con tus amigos, habla, conversa, habla cara a cara, escucha música, busca discos, ves a ver películas en el cine, lee libros… Me parece que todo ese universo táctil está amenazado y es culpa nuestra como raza, somos demasiado pasivos. Me temo que si la tecnología nos da la oportunidad de ser pasivos y vagos, la acogemos.

Pero de por si la naturaleza humana es perezosa, ¿no?

Ese es el problema. No sé el futuro… Tengo la sensación que por primera en la historia la raza humana está involucionando, está dando pasos atrás. Hemos tenido dos millones de años de evolución, de expander nuestro intelecto, de expander el entendimiento del mundo en que vivimos, de expander nuestra experiencia… Ahora por primera vez tenemos involución. Mira la TV, lo que sale en la tele, con los ‘reality shows’ donde la gente más estúpida posible se convierte en famosa, la música pop comercial se hace cada vez más formulaica, cada vez más procesada, compuesta por ordenadores. Y todo eso es bastante deprimente. Pero al mismo tiempo un aspecto positivo de eso es que hay una especie de rebelión contra eso entre las generaciones más jóvenes. Por ejemplo veo a muchos chavales trayéndome vinilos. Chavales adolescentes que me traen vinilos. Es extraño pero es genial. No tienen ese apego nostálgico que tengo yo, lo compran porque les encanta y piensan, «Esto es genial, es algo que puedo apreciar, querer, tener en mis manos y que le dice al mundo que me encanta esta música y me encanta esta banda». Eso para mi es positivo.

¿Crees que hay algo positivo en los mp3s?

Lo hay, si. Y esa es una de las ironías porque hablando de mi, sin internet, sin el intercambio de archivos no creo que estuviera sentado hoy aquí porque mi música no sale nunca en la radio, no la verás en la TV, no la oirás en las radios de música pop así que sin los mp3s e internet y los intercambios de archivos no creo que tuviera un público. Así que debo estar contento por ello pero siempre hay esa contradicción, ese paso adelante y paso atrás. Para mi Facebook por ejemplo, es maravilloso. Tengo como un cuarto de millón de gente en mi Facebook y puedo dar una noticia a un cuarto de millón de personas así (chasquea los dedos). Cuando yo empecé en la industria musical si hubiera querido informar a un cuarto de millón de personas de que sacaba un nuevo disco, habría tenido que meter un cuarto de millón de cartas en un cuarto de millón de sobres, pegarles un cuarto de millón de sellos y mandarlo. Nunca lo hice pero ya entiendes lo que quiero decir. Y habría costado una fortuna. Desde ese punto de vista hay cosas de internet que son fantásticas y ha hecho las cosas muchísimo mejores. Pero siempre hay la otra cara de la moneda. Pros y contras.

¿Hay alguna idea -alocada o no- que aún no hayas podido realizar y que te encantaría poder hacer?

Si, hacer una película.

¿Toda tu?

No, no, probablemente con Lasse. Escribiría la película, compondría la música y estaría involucrado en la producción pero dejaría que alguien como Lasse la dirigiera. Yo no podría. Como ya te expliqué antes, no podría. Pero tengo ideas… Como por ejemplo, hemos estado hablando muy por encima de que «Hand. Cannot. Erase» podría ser un proyecto de película bastante interesante. Sería pequeña, con un presupuesto muy reducido porque básicamente solo hay un personaje. Es algo que podríamos hacer de tener el guión adecuado. Mi ambición incumplida número uno es estar de alguna manera involucrado en la creación de una película.

¿Es más cuestión de dinero, de tiempo, de todo?

No es tanto de dinero porque con la calidad de las cámaras de hoy día no te hace falta mucho, Lasse está dispuesto así que es más cuestión de…. Bueno, son dos cosas: la primera es tener el guión adecuado y la historia correcta y la segunda es que tu puedes hacer una película, pero quién va a verla si no tienes distribución. Así que creo que es más bien cuestión de convencer a algún distribuidor que mostrara la película una vez grabada. Esos son los dos máximos obstáculos.

¿Crees que veremos más material de Storm Corrosion?

Espero que si. Estoy muy orgulloso de ese disco y Mikael también. Cada vez que nos vemos siempre nos decimos, «¡Qué gran disco hicimos!». Me sorprendería si no nos metiéramos en una habitación juntos y viéramos a ver qué pasa. Pero sin ninguna presión, si termina siendo una cosa excepcional, única y perfecta, lo haríamos. No queremos forzarnos. Pero somos muy buenos amigos y cada vez que nos juntamos acabamos haciendo algo musical, ya sea música suya o…

Has trabajado con un puñado de músicos legendarios y extraordinarios. ¿Cual dirías que es la mejor cualidad de alguien como Robert Fripp?

Robert es un ejemplo extraordinario. No hay ningún músico como él. La mejor cualidad de… La característica que más define a Robert es… A ver como lo digo… La forma en la que piensa en la música es una forma en la que nadie más piensa. Tiene una perspectiva única y tiene muy poco que ver con ninguna otra música, tiene mucho que ver con otras cosas: matemáticas, política, la vida… Y tiene muy poco que ver con otra música y como consecuencia de ello su vocabulario musical es increíblemente distinto y no tiene nada que ver con el de nadie. Sabes, de la mayoría de gente, de músicos -y me incluyo- puedes oír su música y oyes claramente sus influencias. Clarísimas. Con Robert es un poco más difícil. Y creo que tiene que ver con que es muy excéntrico y la música está muy abajo de su lista de intereses. Y eso hace que su música sea tan rara para el mundo.

¿Cual dirías que es la mejor cualidad de Mikael Akerfeldt?

La curiosidad. Igual que yo. La razón por la que nos parecemos tanto es que sentimos curiosidad por lo que está muy en la periferia del mundo musical. No tiene fronteras: puede venir y decirme, «mira he descubierto este extraordinario músico peruano del siglo XIX». Estoy exagerando. O música de 200 kazoos y una flauta nasal (risas) Y yo soy igual. Nunca estuve interesado en ser un músico encasillado en un género. Mira, incluso cuando era niño me emocionaba tanto Abba como música clásica avantgarde alemana del siglo XX. No lo hacía por esnobismo, yo no hacía distinciones y no entendía porqué la gente era tan esnob al respecto: «No puedes escuchar a Abba, solo puedes escuchar heavy metal, solo puedes escuchar rock progresivo». Y creo que Mikael es exactamente igual. No se reirá de mi si le digo, «Escucha este disco de The Carpenters o aquel de Bee Gees». O decirle, «Echa un vistazo a este músico avantgarde italiano…» Y esa, para mi, es una cualidad extraordinaria.

Para finalizar, que se nos termina el tiempo, ¿hemos entendido bien y Porcupine Tree es un capítulo cerrado en tu vida?

Así parece (aunque) yo mismo no lo reconozco ya que voy año a año y hago lo que quiero. Eso no quiere decir que eso no pueda cambiar…

Muchas gracias por tu tiempo y amabilidad.

Ha sido un placer.

Texto y preguntas Rob Merino – Fotos: Nuria Ocaña
Agradecimientos: Lorenzo Sanz (Top Artist Promotion)

De la grabación:

Fue en los Rockfield Studios. Es un buen estudio. Tiene una bonita consola Neve cosa por la que fuimos ahí. Había dos estudios y optamos por el que tenía la consola Neve. Tenía una bonita habitación y era un estudio realmente bueno con un ingeniero de la hostia, Tom Dalgety. Pero es el sitio – está perdido de la mano de dios. Tienes campos, ovejas y caballos y vacas por ahí. Hay un pueblecito a 20 minutos andando donde hay pequeños pubs, algunos restaurantes y cosas así. El escenario ahí y la localización creo que fue lo mejor del estudio. El propio estudio es un estudio realmente bueno como muchos otros de todo el mundo.

Es un estudio analógico pero no grabamos en analógico. Grabamos en ProTools pero en la consola. Aún tienen máquinas con cinta que raramente se usan. Creo que podríamos haber usado cintas. He grabado muchos discos en cinta y aunque me encanta el sonido, lleva tanto tiempo. No teníamos tiempo pero de hecho grabamos mucho más rápido que nunca. Solo nos llevó 13 días grabar este álbum. Eso es muy raro para nosotros. Cuando hemos grabado en cinta, aún habiendo ensayado y reensayado, nos pasamos un mes o seis semanas. Era algo que no queríamos ahora. Quería que fuese rápido, espontáneo y divertido.

Del sonido del disco, alejado del típico del metal de estos días:

Creo que este nuevo álbum sigue resonando al sonido de los años 70, que es un sonido cálido, natural pero con tecnología actual y más avanzado. Así que suena a los 70 pero mejor, ¿sabes a lo que me refiero? Supongo que es lo que queríamos. No me gusta el sonido moderno de los discos de heavy. Creo que muchos de ellos no suenan humanos. Te cansas y tus oídos se cansan de oír a nuevos discos de metal mientras que otros discos antiguos siguen sonando frescos y nunca suenan viejos.

Creo que muchos de estos discos (modernos) – y ya ni siquiera hablo de la música sino del sonido – se beneficiarían de tener un sonido ‘old school’. Los propios músicos creo que se beneficiarían porque al haber menos trucos te haría mejorar como músico.

Muchos de estos discos de metal, los escuchas y no es mejor que las baterías electrónicas. Está todo cuantificado y arreglado y todo suena a una máquina de escribir con un bajo. El bombo suena a una máquina de escribir – clack clack clack – y se le añade bajo. Todo se supone que tiene que ser claramente audible cosa que no es el caso con los discos de verdad o los sonidos de verdad. Tienes que jugar en equipo y quizá un golpe de batería no estará ahí en la mezcla si sabes a lo que me refiero.

Contra eso está luchando el mundo del metal y es que esté todo ahí y en el proceso algo se ha perdido. Y esa es la humanidad del sonido porque hemos hecho eso también y queríamos volver a la realidad.

Akerfeldt se reconoce culpable de hacer un disco así:

Sin duda. Oh si. «Ghost Reveries» fue uno de esos discos, todo era tan perfecto. Podrías separar cada canal de «Ghost Reveries» y no encontrarías ni un error. No encontrarías ni un error y hasta cierto punto lo mismo pasó con «Watershed». Y supongo que los discos antes de ese también. Pero si separas las pistas (de audio) de «Heritage» sonarán como «ese tío no sabe tocar» pero en contexto con la banda suena genial y suena real y humano porque al final, somos todos humanos.

No son las bandas las únicas culpables:

Sellos discográficos, ingenieros e ingenieros de masterizado, son todos responsables. A nosotros nos dijeron que teníamos que masterizar un disco a mucho volumen porque sino sonaría a mierda en un CD recopilatorio. Y se supone que debe ser un Mesa Boogie Triple Rectifier porque es lo que suena bien y eso es lo que le gusta a la gente. Pero quizá en su día recibí un mal consejo y mi mentalidad es, «A la mierda. Si nos gusta a nosotros, ya tenemos suficiente.»

De la posibilidad de publicar un disco en solitario:

No hay necesidad de hacer eso porque estoy realmente cómodo componiendo para Opeth. Puedo meter casi cualquier cosa en Opeth y no hay necesidad de crear alguna clase de proyecto en solitario para cumplir mis sueños como músico porque lo meto todo en Opeth. Dije eso (del disco en solitario) hace unos años porque estaba interesado en hacer un disco de cantante/compositor porque me gustaba mucho eso. Eso obviamente requiere de una banda completa. Pero también era algo que quería hacer para ver si podía componer un disco de cero en mi propio estudio. Era un poco de experimento y para serte sincero, no era algo que me muriese por hacer. Se me calentó la boca y la gente pensó que eso iba a ocurrir. «Cuando llegará» y yo decía, «Bueno, es cháchara. Simple cháchara». ¿Pero quien sabe? Si doy con un puñado de canciones quizá lo saque.

¿Y qué hay de un nuevo disco de Storm Corrosion, el proyecto con Steven Wilson?

Espero que si. Hablamos de ello porque estuve ahí en su casa para la mezcla del (nuevo) disco (de Opeth) y hablamos mucho de ello. Tanto yo como Steve estamos realmente felices con ese disco de Storm Corrosion y creo que los dos estuvimos de acuerdo en que fue alguna de la música más interesante con la que nunca hayamos estado involucrados. Pero al final la cose se resume en si podemos dar con algo interesante.

No quieres repetir lo que hiciste en el primer álbum y creo que queremos hacer algo. En broma dije que quizá deberíamos hacer un disco de solo batería. Pero no estoy seguro de qué haremos. Somos amigos y de tanto en cuanto quedamos y tomamos un vino y salimos a comprar algunos discos. Y en lo que coincidimos en que deberíamos hacer un disco de Storm Corrosion del mismo modo en que hicimos el primero – saliendo por ahí como amigos porque así pasó. Estábamos bebiendo vino y decidimos grabar una canción y esa fue «Drag Ropes», la primera canción del álbum.

En lo que respecta a estar en una banda o ir en solitario, una es colaborativa y la otra no. Pero en general, cuando voy en solitario, yo soy el jefe. La gente puede contribuir con ideas pero yo soy el jefe. Cuando colaboras, te comprometes y buscas un punto en común. Dos o tres personas buscan un terreno común y una dirección a la que quieren ir juntos. Esta fue una oportunidad de juntar todos los hilos de mis intereses musicales, potencialmente, en un solo proyecto. Por primera vez, podía levantarme y decir, «Sabes qué, este soy yo. Has visto aspectos míos en Porcupine Tree y Storm Corrosion pero por primera vez, este es el que soy cuando voy a la mía».

Las reacciones al nuevo trabajo han sido como siempre: diversas.

Hay gente que dice que es parte de una obra ya que les gusta todo lo que hago y esto es parte de ese trabajo. Otra gente dice que es lo mejor que he hecho nunca mientras otros piensan, «Guau, esto no me gusta nada, vuelve a hacer otras cosas». Inevitablemente cuando llegas a este punto en el que estoy, habiendo hecho 50 álbumes en 20 años con varios proyectos, cualquier cosa que hagas dividirá a tu audiencia.

Precisamente otro proyecto que causó división fue Storm Corrosion, en el que compartía esfuerzos con Mikael Akerfeldt de Opeth.

Tuvimos una extrema reacción con Storm Corrosion. Estamos orgullosos de ello pero dividió a la audiencia. Los fans del metal se dividieron. Algunos lo acogieron. Otros lo odiaron ya que no era el grupo de metal progresivo que esperaban.

En cuanto a lo que esperan los fans de su trabajo, surge la eterna paradoja de un artista.

Es la gran paradoja de ser un artista. Ser un artista que sigue produciendo obras, tienes que vivir de ello y por ello, tienes que tener fans. La definición de un artista para mi es la de alguien bastante egoísta de su creatividad. Si quieres ser un «entretenedor», quieres complacer a tus fans y normalmente trabajar en diferentes áreas del espectáculo. Al final, los artistas reales es gente que no tiene en cuenta a su público y son casi incapaces de tener en cuenta a su público. Pueden hacer lo que hacen y ellos mismos se animan.

Yo soy uno de esos… Pero tengo la fortuna de encontrar público. Si lo haces de un modo inmoderado y egoísta, juegas con tu sustento. La señal de un buen artista es el que puede andar por la precaria línea y no permite que el trabajo se convierte en producto o parte de una máquina de salchichas que lo va sacando.

Sobre sus otros intereses:

Mis proyectos son pomposos proyectos multimedia (risas) «The Raven That Refused to Sing» tiene un libro de narraciones cortas que empecé escribiendo historias de fantasmas y sobrenaturales y usándolas como base para las letras. Hay artwork, película y animaciones para promocionar el disco y el directo. Puedes ver que mis intereses van más allá de la música viendo el directo, las proyecciones de pelícilas y el libro que trae la edición especial del disco. Hay inspiraciones literarias y el directo ahonda en el mundo del cine. Si no fuese músico, estaría trabajando en algún medio.

Preguntado por su artista favorito:

Me gustan los peces fuera del agua, cosa que se aplica a Frank Zappa, Thom Yorke de Radiohead – me encanta como condujeron su carrera de forma tozuda. David Lynch, Stanley Kubrick, Orson Welles – son todo gente que fue contra el sistema y la manera en que se supone que deberías llevar tu carrera. Crearon sus propios universos y esos tíos me han servido de gran inspiración, dándome, de alguna manera, fuerzas.

Realmente se trata de hallar tu sitio, expresarte. Admiro a gente que no hace cosas. Radiohead es un gran ejemplo. Tras «OK Computer» podrían haber sido los próximos U2 pero no quisieron. El siguiente disco fue bizarro, experimental, electrónico y fue un un shock. Dieron la espalda a heredar la corona de U2 y me encantan por ello.

Repasando los comentarios aportados por nuestros usuarios, hemos reducido la lista de candidatos a disco del año a ocho. Habrá quien eche de menos algunos y quien considere que alguno sobra, pero ya no hay vuelta atrás así que queda en manos de todos vosotros escoger entre lo seleccionado.

El voto es importante pero también, si lo deseáis, podéis argumentar en los comentarios vuestra decisión o reflexionar sobre las ausencias de esta última criba. En cualquier caso, os agradecemos anticipadamente la colaboración.

¡A votar!

Sobre los candidatos

Deftones – Koi No Yokan

Dos años después de su primer álbum post-Chi Cheng, la banda de Sacramento volvió a contar con Nick Raskulinecz (Foo Fighters, Stone Sour) como productor para dar forma a un disco cuyo título japonés viene a significar algo así como «premonición de amor».

InMe – The Pride

El cuarteto editaba en febrero vía Pledge Music (esto es, con la financiación de los fans) una nueva muestra de su excelente rock/metal alternativo que, pese a la incuestionable calidad, sigue sin lograr la repercusión que merece.

Muse – The 2nd Law

La banda británica nos servía en septiembre un álbum algo más experimental, un disco en el que hacen un repaso por varios géneros e influencias. El resultado es una gran colección de hits en un todo muy heterogéneo, que hasta incluye dos canciones compuestas y cantadas por el bajista, Christopher Wolstenholme.

Stone Sour – House Of Gold And Bones

El primero de dos discos que la banda de Corey Taylor y Jim Root de Slipknot prometieron aparecía el pasado mes de noviembre, persiguiendo la idea del álbum conceptual. En este caso es el de cualquier persona que se encuentra a mitad de su vida y debe escoger si seguir siendo un joven irresponsable o madurar. Taylor definió el sonido del álbum como una mezcla del «Dirt» de Alice In Chains con Pink Floyd.

Storm Corrosion – Storm Corrosion

Lo que tenía que ser un proyecto integrado por Mike Portnoy (ex-Dream Theater), Mikael Akerfeldt (Opeth) y Steven Wilson (Porcupine Tree) finalmente cristalizó con la baja del primero. El resultado es un inquietante álbum que alcanza cotas de inigualable belleza sin recurrir a guitarrazo alguno.

Soundgarden – King Animal

Nada menos que 15 años han pasado desde que Chris Cornell, Kim Thayil, Ben Shepherd y Matt Cameron nos ofrecieron su último álbum de estudio. Su regreso, gestado entre febrero de 2011 y agosto de 2012 aprovechando los huecos libres que iban encontrando entre sus otros compromisos, es producido por un habitual de la escena de Seattle, Adam Kasper.

The Hives – Lex Hives

Los suecos, libres de ataduras discográficas, grababan a caballo de Suecia y Los Angeles un álbum que ellos mismos producían, obteniendo, nuevamente, un excelente resultado.

Tremonti – All I Was

El debut en solitario de Mark Tremonti, guitarrista de Creed y Alter Bridge, es un canto a sus influencias metaleras, sin perder nunca de vista el sonido que ha caracterizado a Alter Bridge. Con la ayuda de Eric Friedman (guitarra) y Garret Whitlock (batería), Tremonti se atreve a tomar la voz cantante con resultados más que convincentes.

ASG han terminado de grabar su nuevo disco que planean editar en primavera de 2013. El álbum ha sido producido por Matt Hyde (Pearl Jam, Mastodon).

A continuación podéis ver a Mikael Akerfeldtcharlando con Jess Cope, animador y autor del vídeo del tema “Drag Ropes” de Storm Corrosion.

Mikael Akerfeldt & Jess Cope talk about the making of Storm Corrosion’s official video for ‘Drag Ropes’…

Rise Records editará este verano en vinilo, CD o formato digital dos álbumes de Poison The Well: “The Opposite Of December” y “Tear From The Red”.

El guitarrista Jim Root y el vocalista Corey Taylor han anunciado la salida de Stone Sour del bajista Shawn Economaki. Ya cuentan con sustituto aunque no dan su identidad.

Nos cuenta Footos que el día 30 de mayo se pondrá a la venta un DVD de Danko Jones con un documental, un concierto y diverso material en directo. Aquí podéis ver los distintos formatos en los que aparecerá.

Danko Jones – Bring On The Mountain (DVD), Trailer

“Nunca fue nuestra intención hacer algo que sonara como una mezcla (de Opeth y Porcupine Tree). De hecho creo que tratamos de evitarlo. Creo que habría sido mucho más sencillo mentalizarnos para hacer un disco de rock. De la noche a la mañana estamos haciendo algo que suena exactamente a una mezcla entre nuestras respectivas bandas pero eso no es interesante – al menos no para mi. Así que más o menos tratamos de evitar eso. De alguna manera gravitamos hacia la clase de bandas y el tipo de influencias que nunca hemos podido usar demasiado en nuestras otras bandas, lo que hace que suene algo diferente. Me gusta que no se pueda categorizar este disco. No es un disco de rock pero tiene influencias de la música rock. Me gusta pensar que es un sonido bastante nuevo.”

En los primeros pasos del proyecto Mike Portnoy, ex-batería de Dream Theater, iba a ser miembro del proyecto lo cual no deja de ser curioso teniendo en cuenta que el disco no tiene batería. “La primera canción que compusimos fue ‘Drag Ropes’. Tratamos de meterle algo de batería pero no sonaba bien. La ausencia de batería nos ayudó a sacar esta clase de música. La ausencia de batería hizo que se convirtiera en un disco un poco más único. Normalmente tanto yo como Steven pensamos en la batería en todo lo que hacemos – es la columna vertebral de las canciones. Pero fue de alguna manera liberador quitar un instrumento y concentrarte en las otras cosas. Aún así podríamos haber llamado a Mike para que tocara la batería pero creo que Mike es un tío muy activo. No creo que le hubiera gustado participar porque cualquiera puede tocar el platillo. Así que es algo contradictorio ser un batería como Mike Portnoy y solo tocar el hi-hat, sabes. Hay algo de batería (en el disco) pero es solo un efecto.”

Aunque el disco se pone a la venta el 8 de mayo ya circula con gracejo por la red. Por cierto, a continuación podéis ver el vídeo que han grabado precisamente para “Drag Ropes”, el primer tema que grabaron.

Storm Corrosion – Drag Ropes [OFFICIAL VIDEO]

El proyecto en solitario de Jacob Bannon (Converge), Wear Your Wounds, publicará un split junto a Revelator, el alias de Ben Chisholm (Chelsea Wolfe), leemos en Theprp.

Los suizos 69 Chambers han subido a la red un nuevo vídeo del ‘making of’ de “Torque”, su segundo álbum. El disco estará en las tiendas el próximo 27 de abril.

69 CHAMBERS -The Doom Of Her Power Recording Clip

Mikael Akerfeldt: ¿Qué fueron, dos semanas?

Steven Wilson: Si, un par de semanas. Fue muy divertido. Mikael, el guitarrista de entonces Peter (Lindgren) trajabamos en ello. Me quedé en el apartamento de un amigo tuyo. Vimos películas, escuchamos mucha música… Me pusiste mucho metal porque yo no sabía nada de metal. Me pusiste Bathory y mierda de esa (risas) ¿Cuanto más malvado puede ser?

MA: Y tu me pusiste Throbbing Whistle…

SW: Si, cosas más industriales… En plan, 'Eso no es malvado, esto es malvado'. Estábamos en Gotemburgo, Suecia.

MA: Estuvimos ahí cosa de un mes antes de que Steven viniera con la batería, el bajo y la guitarra rítmica. Fue una bonita grabación. La banda se llevaba bien y yo estaba muy emocionado porque viniera Steven a grabar con nosotros. No sabía qué esperar pero fue tan sencillo. No recuerdo haber tenido ninguna clase de problema, nos llevamos bien desde el primer día. No recuerdo si le mandé demos pero espero no haberlo hecho porque eran horribles (risas)

SW: No lo hiciste.

MA: ¡Genial!

SW: Con el siguiente lo hiciste.

MA: Trabajamos mucho, si. Largos días y el resto del tiempo estábamos en ese apartamento…

SW: Algunas salidas a comprar discos…

MA: Si, si…

SW: Vimos películas, escuchamos música… Vi por primera vez «El sexto sentido».

MA: Tampoco fue una locura. Solo una noche salimos a beber (risas) Estábamos ahí haciendo un trabajo y, de alguna manera, conociéndonos mejor. Trabajar musicalmente con Steve es una experiencia que se disfruta y por eso he terminado haciendo más trabajos con él.

SW: Creo que fue fácil porque Mike quería que hiciera lo que hago normalmente. Por aquel entonces no tenía mucha experiencia como productor, solo había trabajado con un par de artistas. Pero es mucho más cómodo cuando alguien quiere que hagas lo que haces normalmente, sin reducirse a escuchar una pieza musical y pensar, 'Si esto fuera mi música, ¿qué haría?' Y con suerte, las ideas que tendría le gustarían a Mike y diría, 'Vale, genial, hagamos eso'. Fue algo muy natural y eso se ha transmitido también en Storm Corrosion: no hay nada de lo que uno u el otro diga de hacer que haga que el otro diga, 'No podemos hacer eso, es ridículo'. Es más bien al contrario. Todo ese proceso empezó el primer día en que nos pusimos a trabajar en 'Blackwater Park'.

MA: Pregúntale por el efecto de voz telefónica, que era algo que quería, ya sabes, ese efecto que hace que parece que hablas a través de un teléfono.

SW: Si, ese era uno de mis gags. Todo lo que quería eran cosas que sabías que yo ya había hecho. Fue fácil.

MA: Sabes, yo no tengo ni idea de los aspectos técnicos de grabar un disco, soy un inútil total. No sé como poner un micro, no sé como funciona el ordenador… Lo único que sé es tocar la guitarra y así. Así que era tan guay que se me pudiera ocurrir cualquier locura en plan, 'Quiero que esto suene así' y él decía, 'Ah, algo como lo de…' y ponía como referencia otro disco y lo montaba en unos segundos. (Steven) era como un juguete nuevo (risas)

SW: Dale cuerda y que funcione.

MA: Exacto (risas) Fue genial.

SW: La mayoría de referencias sonoras de Mike eran los mismos discos con los que yo crecí. No quería afrontar el disco como un disco de metal y querías que yo aportara ese aspecto progresivo.

MA: No, no le traje para hacernos más metal.

SW: Creo que lo mejor de 'Blackwater Park' es… Si lo miras, en algunos sentidos es un disco revolucionario para el metal porque creo que es la primera vez que un disco de metal extremo sin capas en la producción. No es el disco de metal progresivo -o como se pueda llamar- normal con capas (de pistas sonoras) en la producción y eso es lo bonito de la colaboración.

MA: Me gusta pensar que ya estábamos diferenciados en la escena metal antes de trabajar con Steven pero cuando salió 'Blackwater Park' no había nada así, con esa clase de profundidad. Esto era el 2000 y explotó la escena metal escandinava y esa clase de cosas. Y ninguna banda, al menos en el lado extremo, estaba haciendo algo así, trabajando tanto en el aspecto de la producción.