Para compartir la experiencia, hemos reunido 10 películas rockeras que creemos que deberías ver (o volver a ver). ¿Nos falta alguna imprescindible? ¡No dejes de sumarla en los comentarios!

Singles (1992)

Singles – Trailer

Con una serie de historias entrelazadas, en las que un grupo de veinteañeros intenta encontrar el amor en el Seattle de principios de los 90s, Cameron Crowe creó una especie de cápsula del tiempo de la era del grunge, retratando a una ciudad y a un grupo de artistas a punto de convertirse en uno de los epicentros de la cultura musical de EEUU.

El ensamble de protagonistas se completa con una serie de cameos que van desde reconocidas figuras de la escena como Chris Cornell, Tad Doyle y Mark Arm hasta estrellas de Hollywood como Paul Giamatti o Tim Burton. Y el lado musical del film se subraya con escenas en conciertos de Soundgarden y Alice in Chains, pero sobre todo con Citizen Dick la banda ficticia del personaje de Matt Dillon que incluye a 3 miembros de Pearl Jam y que está a punto de lanzar su single debut, «Touch Me I’m Dick» (una clara referencia/parodia a uno de los hits de Mudhoney).

Con su amor por una ciudad en la que todo puede pasar y en la que diversas personas, aparentemente solas, encuentran un hogar y una familia en sus vecinos y colegas, Singles se ha convertido en una referencia indispensable de la cultura de su generación (con una banda sonora envidiable, claro). Además, como Crowe ha contado más de una vez, es posible que «Singles» haya sido la base para otra gran referencia de los 90s, la serie «Friends».

Heavy Metal (1981)

Heavy Metal

La revista Heavy Metal comenzó a publicarse en EEUU a finales de los 70s como una licencia de la Métal Hurlant francesa. Sus primeros números acercaban al público americano historias con sensibilidad europea en las que la fantasía, el erotismo y la ciencia ficción llegaban a universos mucho más ricos que los que podían encontrarse en el underground local y escapaban de los conservadores límites de la Comics Code Authority, que eran acatados por la mayoría de los cómics mainstream de la época.

Poco a poco, Heavy Metal fue sumando historias originales creadas por artistas americanos, logrando una identidad propia y sentando una base para un nuevo nicho que influyó a artistas de todos los medios.

Llevada a la gran pantalla por Leonard Mogel (el editor de la revista) junto a un Ivan Reitman que estaba en pleno ascenso, la versión cinematográfica de Heavy Metal es una antología desigual (en cuanto a estilo y en cuanto a efectividad) de historias que se publicaron en papel y otras originales, que mantenían el mismo espíritu.

El proyecto fue creada con la participación de diferentes estudios de animación, uniendo los segmentos a través de una vaga narración en la que el Loc-Nar, una fuerza maligna proveniente del espacio, le cuenta a una niña como ha influido en sociedades de diferentes tiempos y lugares del universo.

Esta desigualdad entre los segmentos y las flaquezas de la trama se compensan con la originalidad del proyecto y con una aplastante y constante banda sonora en la que el heavy metal y el hard rock se hacen presentes a través de diversos referentes de la época como Black Sabbath, Blue Öyster Cult, Sammy Hagar, Nazareth, Grand Funk Railroad o Journey.

This Is Spinal Tap (1984)

This Is Spinal Tap – Trailer – HQ

Intentando mantener la relevancia en una industria que cambia constantemente, Spinal Tap salieron de gira por Estados Unidos en 1982 para presentar su más reciente disco. Los acompañaba un cineasta decidido a conocer más a fondo a la banda, documentado sus altos y bajos y aprovechando el backstage para ahondar un poco en su historia: su transición de una banda hippie a una banda de metal, las excentricidades de la fama y lo complicado que es conseguir un nuevo baterista cada vez que se muere el anterior.

Con el volumen siempre en 11, Spinal Tap se convirtió en un ícono del metal de los 80s. Y ni siquiera es necesario que hayan sido una banda real.

Coescrita por sus protagonistas (Christopher Guest, Michael McKean y Harry Shearer) junto a Rob Reiner en su debut como director, This Is Spinal Tap retrata una realidad exagerada pero tan posible en su época que muchas personas pensaron que era un documental real.

El film se convirtió lentamente en un clásico de culto, referenciado y recomendado numerosas veces, lo que llevó a Spinal Tap a saltar de la ficción a ser una banda «semi real» que durante los años siguientes publicó 2 discos y varios singles y que fue parte de festivales y conciertos especiales.

High Fidelity (2000)

«High Fidelity (2000)» Theatrical Trailer

Basada en una novela del británico Nick Hornby, cuya obra siempre suele tener una gran influencia musical, High Fidelity es la historia de un melómano que parece entender todo sobre los discos que vende pero muy poco sobre las relaciones personales.

Cambiando Londres por Chicago, John Cusack protagoniza esta adaptación creando una memorable versión del Rob de Hornby. Rompiendo constantemente la cuarta pared, obsesionado con la cultura popular y haciendo un «top 5» de casi todo, Rob intenta entender los fallos en sus relaciones pasadas mientras lidia con los clientes que pasan por su tienda, siempre acompañado en sus análisis por sus empleados Dick (Todd Louiso) y Barry (Jack Black en un personaje casi tan memorable como el de Cusack).

Lo que realmente importa es qué te gusta, no cómo eres, decía el personaje de Cusack en un film que rescata el espíritu del coleccionismo y esa obsesión casi snob por ser un experto musical en una época en la que internet comenzaba a cambiar drásticamente la forma en la que consumíamos música. La banda sonora de High Fidelity encaja con ese concepto, funcionando como una de esas listas curadas por un experto en la que clásicos del rock se mezclan con otras canciones no tan conocidas pero igual de buenas (o mejores).

24 Hour Party People (2002)

24 Hour Party People Official Trailer #1 – Simon Pegg Movie (2002) HD

Una historia semibiográfica en la que acompañamos a Tony Wilson (un personaje inspirado por el Wilson real encarnado por Steve Coogan) a través de los cambios culturales alrededor de la música de Manchester entre finales de los 70s y principios de los 90s.

El film comienza con Wilson siendo un presentador de televisión que, al ver a los Sex Pistols en vivo por primera vez en 1976, se inspira para crear una serie semanal de conciertos punk en Manchester. Allí aparecen unos recién formados Joy Division, el puntapié para que Wilson inicie uno de los sellos emblemáticos de Manchester: Factory Records.

Sabemos que el tiempo de Joy Division fue corto, pero la reinvención de la banda como New Order y la aparición de los Happy Mondays permitieron a Wilson evolucionar y, al menos en su versión ficcionalizada, lograr mantenerse auténtico, convirtiéndose en un referente y en una suerte de mecenas de la movida local.

24 Hour Party People es un divertido recorte sobre el auge y la caída del madchester, un movimiento iniciado por esos punks y rockeros apáticos e indies de principios de los 80s que se afianzó hacia el final de la década con la influencia de los sintetizadores, la cultura rave y la psicodelia de los 60s.

Wayne’s World 2 (1993)

Wayne’s World 2

Si bien la primera parte es un clásico del cine adolescente de los 90s, la segunda lleva el fanatismo por el rock de los protagonistas a un nuevo extremo: tras un concierto de Aerosmith. Wayne tiene un sueño en el que Jim Morrison, acompañado por un silencioso indio semidesnudo, le indica que debe crear un festival de rock. Con la ayuda de su mejor amigo Garth y reclutando al antiguo roadie de Morrison, el excéntrico Del Preston, el dúo intentará organizar «Waynestock».

Mientras Wayne intenta lidiar con un productor discográfico que pretende robarle a su amada Cassandra y Garth está a punto de conocer el amor carnal, Waynestock avanza lentamente aunque nadie pueda aseegurar si finalmente el público o alguna de las bandas asistirá.

Aunque no es una obra maestra (y nadie lo esperaría), Wayne’s World 2 es una entretenida aventura sobre adolescentes rockeros de los 90s, con el humor vulgar pero sin maldad y muy basado en sketches de su era; llena de guiños, cameos y referencias musicales tanto a bandas de la época como a los rockeros clásicos que todo adolescente debería adorar en un mundo según Wayne.

SLC Punk (1998)

SLC Punk! [trailer] (1999 Sundance Film Festival)

A mediados de los 80s, Stevo y su amigo Heroin Bob son los únicos punks en la conservadora Salt Lake City de la era Reagan. Sin un objetivo concreto en sus vidas, recorren conciertos y fiestas, socializan con otros outsiders de diferentes tribus urbanas, pelean contra los rednecks locales y descansan (no mucho) en un destrozado apartamento.

Stevo adora a The Ramones, The Specials y a los Dead Kennedys. La anarquía es una suerte de religión, el sistema es el enemigo y el futuro es irrelevante. Pero su padre, un ex hippie, insiste en que su postura es sólo una suerte de transición e insiste en que siga sus pasos y estudie leyes en Harvard.

Una serie de cambios en su círculo y una tragedia comienzan a hacer que Stevo se cuestione sus principios y se vea obligado a plantearse si su forma de ver el mundo tiene sentido o si, de alguna manera, se ha convertido en un poser.

Con una banda sonora llena de clásicos del punk y una pequeña historia inspirada en su juventud, el director James Merendino explora algunas de las tragedias adolescentes sobre necesitar pertenecer a algo, a veces solo por oposición a otra cosa, y tener que enfrentarse a las contradicciones de ideales extremos en un mundo que sigue avanzando a su propio ritmo.

Quadrophenia (1979)

Quadrophenia – Official Trailer [HD]

En el Londres de 1964, Jimmy encuentra un escape de su aburrida rutina y del futuro poco prometedor que representan sus padres sumándose a los mods, una tribu urbana que disfruta de la música moderna, las fiestas y las anfetaminas, identificándose con sus elegantes trajes y recorriendo la ciudad en scooters. Sus rivales, los rockers prefieren las motocicletas, el cuero y el rock and roll clásico.

Un viaje de fin de semana a la costa de Brighton, dónde ambas tribus convergen en una gran pelea, hará que Jimmy comience a perder el control y la confianza, llevándolo a un extremo en el que deberá replantearse su vida, cuestionando el dilema de rebelarse y buscar la individualidad a través de una identidad grupal.

A mediados de los 60s, habiendo sumado el piano a su base para crear canciones, Pete Townshend comenzó una búsqueda para escapar del estándar de canción de 3 minutos, jugando con el concepto de ópera rock. Tras algunos experimentos, en 1968 The Who comenzó a grabar Tommy, un disco conceptual sobre un joven sordo, mudo y ciego que se convierte en un genio del pinball y en un líder religioso. El álbum polarizó a los críticos pero fue un éxito de ventas que, eventualmente, permitiría a la banda llevar su obra a nuevos medios.

Mientras tanto, Townshend planeaba subir la apuesta con Lifehouse, creando un proyecto multimedia con una idea futurista. Parte de su objetivo era que el público pudiese influir en la música durante las presentaciones de la banda. La complejidad para concretar sus ideas, diversos problemas en la grabación e internas en la banda hicieron que el proyecto fuese abandonado. El material existente fue reacomodado y editado como un disco tradicional, Who’s Next.

En 1972, Townshend dudaba sobre qué hacer a continuación. Decepcionado por no poder realizar todas sus ideas con Tommy y Lifehouse, comenzó a trabajar en Quadrophenia, un álbum que sería como una banda sonora para un film inexistente, lo que le permitió enfocarse en contar una historia desde un punto de vista más musical que visual y tomarse el tiempo para experimentar con nuevas tecnologías y métodos de grabación.

En 1975 Tommy finalmente se convirtió en una colorida y extravagante película musical, protagonizada por Roger Daltrey (acompañado por estrellas como Elton John, Eric Clapton y Tina Turner). El éxito de Tommy generó finalmente el interés por convertir a Quadrophenia en la película que nunca iba a ser, pero esta vez como una historia de ficción en la que quedó inmortalizada la historia de Jimmy the Mod junto a una buena parte de la visión popular sobre la cultura y los ideales adolescentes de la época.

Tenacious D in The Pick of Destiny (2006)

Tenacious D in «The Pick of Destiny» Trailer

Bendecido por un mensaje místico de Ronnie James Dio, un joven JB escapa de un hogar conservador y represivo en el medio oeste estadounidense y se dirige hacia Hollywood, con la misión de formar la banda de rock más genial del mundo. Allí conocerá a KG, un talentoso guitarrista que parece haber encontrado el éxito y que lo invitará a sumarse a su grupo. Pero KG resulta ser un vago al que nadie conoce y que vive de la ayuda de su madre y sólo la persistencia de JB animará al dúo a continuar en su búsqueda de la fama.

Una pista los hará iniciar una gran aventura que podría hacerles cumplir su destino: Encontrar una púa mágica, hecha a partir de un diente de Satán, que ha sido el mayor secreto de la historia del rock y que otorga a sus portadores un talento sobrenatural.

Formados como un dúo de rock cómico, Tenacious D siempre han mezclado lo visual y lo musical. Hacer una película rockera estaba en los planes desde el inicio de la banda y, con la popularidad cinematográfica de Jack Black, era sólo una cuestión de tiempo.

Después de varias revisiones en sus ideas para concretar un guión, en 2003 la banda logró cerrar unn trato con New Line Cinema y sumó al director Liam Lynch para redondear esta historia sobre el origen ficticio de la banda a través de la búsqueda de púa del destino, en un camino que se irá abriendo con la ayuda de muchos personajes con figuras tanto del mundo de Hollywood (Ben Stiller, Tim Robbins, John C. Reilly, Amy Poehler…) como del mundo del rock (Meat Loaf, Dio y un Satán interpretado por Dave Grohl).

Tenacious D in The Pick of Destiny no resultó muy interesante para la crítica pero los fans de la banda o de su estilo de comedia no podrán evitar volver a verla cada vez que se la crucen.

Almost Famous (2000)

Almost Famous Trailer

No podemos evitar cerrar la lista con otro film de Cameron Crowe, una memorable historia semibiográfica que explora el exorbitante mundo del rock de los 70s, contada desde el inocente punto de vista de un adolescente que se verá obligado a madurar a la fuerza.

William es un joven prodigio de 15 años que nunca ha logrado encajar del todo. Cuando descubre la colección de discos secreta de su hermana mayor, su mente y su universo comienzan a crecer más de lo que su hogar puede abarcar. Con el sueño de convertirse en periodista musical, el joven comienza a escribir para algunas publicaciones locales y pronto surge una oportunidad única: Mintiendo sobre su edad, William logra que la revista Rolling Stone lo contrate para escribir un artículo sumándose a la gira de una de las bandas del momento: Stillwater.

La vida de gira tiene un poco del sueño que William esperaba pero también un poco de pesadilla. La fama repentina, el amor del público, las groupies, las drogas, las ambiciones, el cansancio de la carretera… Todo irá confluyendo en un viaje en el que ninguno de los protagonistas podrá volver atrás.

Mezclando algunas anécdotas y leyendas urbanas de la época con una realidad ficcionalizada, Crowe recrea cálidamente la era con una banda sonora que se reparte entre clásicos (como esa inolvidable escena en la que «Tiny Dancer» de Elton John reanima a todos en el autobús) y canciones originales para Stillwater, algunas compuestas por Crowe junto a su esposa de ese momento, Nancy Wilson de Heart, y otras creadas por Peter Frampton. Como curiosidad, las épicas guitarras del personaje Russell Hammond fueron grabadas por Mike McCready de Pearl Jam.

Eso es todo, por ahora. Si quieres sumarnos alguna idea, no dejes de hacerlo en los comentarios y si te quedas con ganas de más, revisa también las recomendaciones de documentales rockeros que venimos compartiendo (parte 1, parte 2 y parte 3).

Alain Johannes y Nikka Costa versionaron el «Disappearing One» de Chris Cornell

Foo Fighters tocaron el «Everlong» además de hacer un cover del «No Attention» de Soundgarden, otro del «Girl U Want» (que es a su vez un cover de Devo) y otro del «Earache My Eye» (que a su vez es también un cover de Cheech & Chong).

Josh Homme (Queens Of The Stone Age) hizo un cover de la versión del «Rusty Cage» que hizo Johnny Cash, con una intro de parte de John Carter Cash.

Adam Levine y Jesse Carmichael de Maroon 5, junto a Stone Gossard (Pearl Jam) versionaron el «Seasons» de Cornell.

Melvins hicieron un cover del «Spoonman» de Soundgarden, además de tocar algunos otros temas propios.

Miley Cyrus también participó e hizo una versión del «As Hope And Promise Fade» de Cornell.

Ryan Adams versionó el «Dead Wishes» de Cornell y el «Fell On Black Days» de Soundgarden.

Rita Wilson hizo lo propio con «The Promise» de Cornell.

Metallica se marcaron una versión del «All Your Lies» y «Head Injury» de Soundgarden además de tocar el «For Whom The Bell Tolls» y «Master Of Puppets».

Toni Cornell, acompañada de Ziggy Marley, tocó el «Redemption Song» de Bob Marley

Chris Cornell Tribute Part 2

Hubo espacio también para que Audioslave se subieran al escenario acompañados de diversos vocalistas y músicos:

• «Cochise», con Perry Farrell (Jane’s Addiction y Geezer Butler (Black Sabbath)
• «Be Yourself», con Juliette Lewis y Geezer Butler
• «Set It Off», con Tim McIlrath (Rise Against), Sam Harris (X-Ambassadors) y Chris Cheney (Jane’s Addiction)
• «Like A Stone», con Brandi Carlile y Chris Cheney
• «Show Me How To Live», con Dave Grohl (Foo Fighters) y Robert Trujillo (Metallica)

Temple Of The Dog también estuvieron con la compañía de Nikka Costa, Brendan O’Brien, Jerry Cantrell y William DuVall (Alice In Chains), Fiona Apple, Miguel, Miley Cyrus, Brandi Carlile, Chris Stapleton y Alain Johannes. Repasaron «Preaching The End Of The World» y «Can’t Change Me», el «Hunted Down» de Soundgarden (con DuVall), «All Night Thing» (con Apple), «Reach Down» (con Miguel), «Say Hello 2 Heaven» (con Miley Cyrus) y «Hunger Strike» (con Carlile y Stapleton).

Finalmente Soundgarden tocaron:

• «Rusty Cage», con Taylor Momsen (The Pretty Reckless)
• «Flower», con Marcus Durant (ex-Zen Guerilla)
• «Outshined», con Durant y Stone Gossard
• «Drawing Flies», con Momsen y otros
• «Loud Love», con Momsen, Wayne Kramer (MC5) y Tom Morello
• «I Awake» y «The Day I Tried To Live», con Buzz Osborne (Melvins) y Taylor Hawkins (Foo Fighters) a la voz
• «Black Hole Sun», con Brandi Carlile, Peter Frampton y Tim y Phil Hanseroth

Chris Cornell Tribute Part 3

El evento, que duró unas 5 horas, fue conducido por Jimmy Kimmel y contó también, por supuesto, con la participación de la familia de Cornell en diversas intervenciones. Las ganancias del concierto serán para la Epidermolysis Bullosa Medical Research Foundation.

El setlist de su último concierto fue:

1. Black Sabbath
2. Fairies Wear Boots
3. Under the Sun/Every Day Comes and Goes
4. After Forever
5. Into the Void
6. Snowblind
7. War Pigs
8. Behind the Wall of Sleep
9. N.I.B.
10. Hand of Doom
11. Supernaut / Sabbath Bloody Sabbath / Megalomania (Instrumental medley)
12. Rat Salad
13. Iron Man
14. Dirty Women
15. Children of the Grave
16. Paranoid (bis)

BLACK SABBATH – Paranoid – FINAL SHOW , FINAL SONG -Birmingham -04/02/17

https://youtu.be/OVNZSFlr_mw

Black sabbath iron man 4th February 2017

Aún así, por motivos que van desde las diferencias musicales hasta una tragedia, muchas bandas han tenido que enfrentarse a esta situación, han reclutado a un nuevo frontman y han conseguido mantenerse y continuar su carrera… ¿o no?

Estas son nuestras 10 bandas favoritas que han cambiado de cantante y han seguido adelante. Como siempre, centramos nuestra lista en bandas de rock alternativo, metal y otros géneros afines a los del sitio. ¿Crees que alguna banda merecía estar también en la lista? ¡Te invitamos a que nos cuentes su caso en los comentarios!

AC/DC

A principios de los 70s, AC/DC inició su andadura en Australia haciendo una serie de conciertos locales y con ganas de comerse el mundo. Cuando la banda de los hermanos Young quiso ponerse seria, el reconocido Bon Scott reemplazó al vocalista original, Dave Evans, iniciando una etapa que los posicionaría como una de las mayores influencias del hard rock.

Pero en febrero de 1980, tras una noche de juerga, Scott fue encontrado muerto en el coche de un amigo. Un coma etílico se había llevado al vocalista y la banda consideró disolverse, pero el apoyo de sus amigos y de la familia de Scott los llevó a seguir adelante. Al poco tiempo sumaron a Brian Johnson, cuyo estilo y personalidad permitió a la banda un retorno contundente y aclamado y una carrera con muchos años de éxitos.

Lamentablemente, el futuro de Johnson en la banda es incierto. Tras su alejamiento de AC/DC por problemas de salud, la banda buscó un reemplazo para poder completar su gira, sumando (al menos temporalmente) a otro mítico vocalista a la historia de AC/DC: Axl Rose.

AC/DC con Bon Scott: «Highway to Hell»

AC/DC – Highway to Hell (Official Video)

AC/DC con Brian Johnson: «Thunderstruck»

AC/DC – Thunderstruck (Official Video)

Bonus: AC/DC con Axl Rose: «Thunderstruck» (en vivo)

https://www.youtube.com/watch?v=Lb54wxS5ACk

Black Sabbath

En 1968, Black Sabbath inició su vida con otro de los vocalistas más influyentes del género, Ozzy Osbourne. Durante casi 10 años, la banda se dedicó a grabar discos memborables y a ser una parte clave de la fundación del heavy metal. Pero en 1977, Ozzy dejó la banda repentinamente, lo que inició una larga lista de cambios, salidas y entradas de miembros de la banda.

Por Black Sabbath pasaron varios vocalistas: Dave Walker (que sólo llegó a tocar con la banda una vez), Ian Gillan (que ya había sido el reemplazo de Rod Evans en Deep Purple), David Donato, Glenn Hughes (que también pasó alguna vez por Deep Purple), Tony Martin… Pero el más mítico de ellos fue, por supuesto, Ronnie James Dio.

Dio se sumó por primera vez a Black Sabbath en 1979, luego de salir de Rainbow. Se mantuvo en Sabbath hasta que en 1982 dejó la banda por las famosas «diferencias creativas», buscando hacer algo propio. En 1992, el vocalista volvió brevemente a Black Sabbath para grabar «Dehumanizer» pero, al poco tiempo, sus dificultades para trabajar con Tony Iommi y Geezer Butler lo hicieron volver a buscar otros caminos.

En 2006, Rhino Records editó con relativo éxito un «grandes éxitos» de los años de Dio en Black Sabbath. Aunque para esa época Ozzy estaba de vuelta oficialmente en la banda, Iommi y Butler quisieron aprovechar el momento. Para evitar confusiones, crearon la banda paralela Heaven & Hell, con la que salieron de gira junto a Dio, grabando luego un álbum, «The Devil You Know», que se convertiría en el último disco de estudio en el que participó Ronnie James Dio antes de su muerte, en mayo de 2010.

Desde ese entonces, no sin unas cuantas idas y vueltas, Black Sabbath ha continuado su carrera con Ozzy como frontman, y se encuentra actualmente en la que se supone será su última gira.

Black Sabbath con Ozzy Osbourne: «War Pigs» (en vivo en 1970)

BLACK SABBATH – «War Pigs» (Live Video)

Black Sabbath con Ronnie James Dio: «Heaven And Hell» (en vivo en 1980)

Black Sabbath – Heaven And Hell (Live)

Iron Maiden

Fundada por el bajista Steve Harris, Iron Maiden es parte de la identidad del heavy metal, siendo su frontman, el multidisciplinario Bruce Dickinson , una de las voces más reconocidas del género.

Sin embargo, la banda inició su carrera en 1975 con el vocalista Paul Day, que sólo duró un año en Iron Maiden. Tras varios cambios en la formación, la banda sumó la voz de Paul Di’Anno, que fue parte de los primeros discos de la banda («Iron Maiden» y «Killers»). Pero al mismo tiempo que la popularidad de Iron Maiden comenzaba a despegar, Di’Anno entró en una espiral descendente debido a sus adicciones y, en 1981, fue despedido. Ese mismo año Bruce Dickinson se unió a la formación y, tras algunos conciertos, la banda grabó «The Number of the Beast», un disco aclamado por la crítica y los fans que logró la consagración de Iron Maiden.

Tras más de una década de éxitos, en 1993, Dickinson dejó Iron Maiden buscando iniciar su carrera como solista. Después de un par de años en suspenso, la banda volvió a la carga reclutando al vocalista Blaze Bayley, con quién grabaron dos discos que no obtuvieron grandes ventas («The X Factor» y «Virtual XI»). Finalmente, en 1999 Bayley fue despedido de la banda por «problemas en su performance vocal» y, tras varias conversaciones, Dickinson fue invitado a volver a Iron Maiden, retomando un lugar que mantiene hasta el día de hoy.

Iron Maiden con Paul Di’Anno: «Wrathchild» (en vivo en 1981)

Iron Maiden – Wrathchild (Live At The Rainbow)

Iron Maiden con Bruce Dickinson: «Fear Of The Dark» (en vivo en 1992)

Iron Maiden – Fear Of The Dark (Live At Donington Park)

Faith No More

Después de dejar atrás al «man» con el que formaban Faith No Man, Roddy Bottum, Billy Gould y Mike Bordin se convirtieron en Faith No More. Tras una serie de vocalistas itinerantes (entre los que se incluyó Courtney Love), la banda sumó a Chuck Mosley, quien aportó su voz a la banda durante 5 años y dos discos, hasta que fue despedido por su comportamiento errático y peleas con sus compañeros.

Luego de escuchar un demo de Mr. Bungle, el guitarrista Jim Martin sugirió sumar al ecléctico y versátil Mike Patton a la banda. Patton se unió a Faith No More en enero de 1989 y en dos semanas escribió las letras de del disco en el que el grupo llevaba un tiempo trabajando, «The Real Thing», que se convirtió en un éxito de crítica y audiencia.

Faith No More no llegó a la masividad de otras bandas de la época (salvo por algunos de sus singles), pero logró ser una de las bandas más reconocidas por sus pares y por la crítica durante la década del 90. Incluso, en muchos casos, se los considera creadores del «metal alternativo».

A pesar de sus incontables proyectos y experimentos paralelos, y de una disolución de la banda entre 1998 y 2009, Mike Patton continúa siendo el frontman de Faith No More y, con el paso de los años, se ha convertido en uno de los vocalistas más reconocidos de la industria, tanto por su rango como por su variedad de técnicas y experimentos vocales.

Faith No More con Chuck Mosley: «We Care a Lot»

Faith No More – We Care a Lot (Official Music Video)

Faith No More con Mike Patton: «Everything’s Ruined»

Faith No More – Everything’s Ruined (Official Music Video)

Alice In Chains

Alice In Chains es uno de los pilares indiscutibles del rock alternativo de los 90s, siendo la inconfundible voz de Layne Staley (tanto en solitario como sonando en armonía con la de Jerry Cantrell) una parte clave del original sonido que llevó a la banda de Seattle al éxito.

Durante la primera mitad de los 90s, Layne exploró su rango vocal en Alice In Chains, pasando desde canciones que bordeaban el sludge hasta otras totalmente acústicas y relajadas. De a poco, también comenzó a participar más de la composición. Sus letras solían hablar de sus demonios personales, soledad, adicción, depresión… una situación que lo afectaba cada vez más en su vida diaria y que, para la segunda mitad de los 90s, llevó a la banda a tener que cancelar conciertos y giras.

En 1996 Alice In Chains logró uno de sus momentos más altos al participar en un «Unplugged» de MTV. Layne llevaba ya años batallando con sus adicciones y, tras la muerte de su ex-prometida, entró en un pozo depresivo y se convirtió en un recluso, apareciendo rara vez en público y obligando a Alice In Chains a cesar toda actividad, aunque la banda nunca se separó oficialmente.

Cantrell se mantuvo entretenido trabajando en su proyecto solista, y solía declarar que tenía esperanzas de retomar Alice In Chains, pero no fue posible: en 2002 Layne fue encontrado muerto por sobredosis en su apartamento. Su aislamiento había llegado a tal extremo que su cuerpo fue descubierto 2 semanas después de haber fallecido.

La banda quedó definitivamente frenada hasta que en 2005 aceptó participar en un concierto a beneficio en el que contó con una serie de invitados a la voz. Eso fue el puntapié para permitirse intentar algo similar en 2006, en un homenaje del canal VH1 a Heart con presentaciones de artistas influidos por la banda de las hermanas Wilson. Uno de los vocalistas que se sumó a la presentación de Alice In Chains en el evento fue William DuVall, de Comes with the Fall.

Las ganas de seguir adelante que tuvo la banda y la química con DuVall hicieron que Alice In Chains decidiese iniciar una nueva etapa en su carrera, dando el primer paso con una serie de conciertos y luego acomodándose lentamente a crear material nuevo, que se convirtió en el primer disco de estudio de la banda en casi 15 años, «Black Gives Way to Blue».

Al día de hoy, William DuVall lleva 2 discos e innumerables conciertos con Alice In Chains, y la banda no tiene planes de dejar de crear nuevo material y seguir en carrera.

Alice In Chains con Layne Staley: «Man In The Box»

Alice In Chains – Man in the Box (Official Video)

Alice In Chains con William DuVall: «Stone»

Alice In Chains – Stone

Stone Temple Pilots

Stone Temple Pilots es otra de las bandas que alcanzó el éxito masivo en los 90s, de la mano de un frontman con una voz y una presencia inolvidables: Scott Weiland.

Comenzando su andadura a mediados de los 80s, la formación definitiva de Stone Temple Pilots se consolidó a principios de los 90s. En 1992 lograron un contrato discográfico y lanzaron su primer disco, «Core», que contenía un grupo de canciones que encajaban perfectamente con el espíritu de la época. Los STP recibieron algunas críticas por «imitar» el sonido del grunge, pero el público los adoraba y su éxito en la era de MTV fue enorme.

La banda grabó un segundo disco en 1994, «Purple», que mantuvo el nivel de éxito de su predecesor. Pero un año después publicaron un disco que implicaba un cambio drástico en el sonido que los había hecho populares. «Tiny Music…» recibió buenas críticas, pero no fue tan aceptado por el público. En paralelo, Weiland había comenzado a ser una constante de las noticias amarillistas, con un comportamiento que complicaba la relación con sus compañeros de banda y la posibilidad de cumplir con sus compromisos.

Stone Temple Pilots decidió entonces tomarse un descanso, en el que Weiland se dedicó a trabajar en su primer disco solista, mientras que sus compañeros decidieron reclutar a un nuevo vocalista para trabajar en canciones nuevas. Así, Dave Coutts fue, de alguna forma, un reemplazo de Scott Weiland en STP, sumándose a un disco junto a los hermanos DeLeo y Eric Kretz bajo el nombre «Talk Show».

A pesar de todo, la banda tenía esperanzas de reunirse, algo que lograron en 1999 y que resultó en «No. 4», un disco que volvió a poner a Stone Temple Pilots en las primeras posiciones de los rankings. Pero su siguiente intento volvería a crear la sombra de la duda: «Shangri-La Dee Da», editado en 2001, no recibió el apoyo esperado, generando una decepción en la banda que volvió a transformarse en un paréntesis indefinido.

Weiland seguía teniendo problemas con sus adicciones, pero nunca dejó de estar en activo, participando en varios proyectos musicales de los cuáles el más recordado es probablemente Velvet Revolver.

En 2007 los miembros de Stone Temple Pilots comenzaron a hablar de una nueva reunión. Al mismo tiempo, en Velvet Revolver comenzaban a cansarse de los crecientes problemas de Weiland y terminaron por despedirlo a principios de 2008. Sólo un mes después, Stone Temple Pilots anunció su regreso y pasó los siguientes años repartiendo pequeñas giras y conciertos.

En 2013 las tensiones internas y los problemas de Weiland habían llegado nuevamente a un límite intolerable para la banda, por lo que el vocalista fue despedido. Esta vez la banda siguió adelante sumando rápidamente a Chester Bennington de Linkin Park a la voz, justo a tiempo para poder dar una serie de presentaciones.

Al poco tiempo, la banda editó el single «Out of Time», su primera canción nueva con la voz de Bennington y, luego de un pequeño tour, decidieron meterse en el estudio para trabajar en más canciones, lo que se convirtió en el EP «High Rise», que fue editado bajo el nombre «Stone Temple Pilots with Chester Bennington«.

La etapa con Chester no duró mucho ya que, a fines de 2015, el vocalista anunció que dejaba Stone Temple Pilots en buenos términos, buscando enfocarse más en su familia y en Linkin Park.

Muy poco después, en diciembre de 2015, cualquier posibilidad de una nueva reunión de la formación original de Stone Temple Pilots quedó descartada cuando Scott Weiland fue hallado muerto en el bus de gira de su proyecto solista.

A pesar de todo, los miembros de Stone Temple Pilots siguen con ganas de hacer música juntos, anunciando (un tiempo prudencial después de la muerte de Weiland) que están en la búsqueda de un nuevo vocalista, abriendo incluso las audiciones a los fans a través de internet. Veremos entonces si en algún momento nos toca actualizar esta entrada con la historia de un nuevo frontman de Stone Temple Pilots.

Actualización: Ha pasado tiempo desde esta entrada, Chester Bennington también nos ha dejado y, luego de una larga búsqueda, Stone Temple Pilots han seguido adelante una vez más, esta vez con Jeff Gutt como vocalista.

Stone Temple Pilots con Scott Weiland: «Plush» (acústico)

Stone Temple Pilots – Plush (Acoustic)

Stone Temple Pilots con Chester Bennington: «Black Heart» (acústico)

Stone Temple Pilots With Chester Bennington «Black Heart» (Acoustic)

Stone Temple Pilots con Jeff Gutt: «Meadow»

Stone Temple Pilots – Meadow (Official Audio)

Bonus: Stone Temple Pilots – Scott Weiland + Dave Coutts: «Hello Hello»

Talk Show – Hello Hello (official videoclip)

Pantera

Pantera es una de las bandas más influyentes en el metal «pesado» moderno. Tomando elementos del thrash metal para tocarlos en tempos más lentos, sumando el visceral estilo de cantar de Phil Anselmo a la virtuosidad en la guitarra de «Dimebag» Darrell Abbott, Pantera se convirtieron en pioneros del estilo que hoy suele denominarse groove metal.

Sin embargo, en sus inicios a principios de los 80s, la banda de los hermanos Abbott tenía un estilo más cercano al glam y al heavy metal clásico. Su primer vocalista era Terry Glaze y junto a él la banda logró cierto éxito en el under local, girando por su nativa Texas y estados cercanos, llegando a telonear a bandas como Stryper, Dokken y Quiet Riot.

Pantera grabó 3 discos con Terry Glaze de forma independiente. En cada uno de ellos su sonido fue haciéndose un poco más pesado y la prensa comenzó a prestarles cada vez más atención, a pesar de que aún no llegaban a alcanzar al público masivo.

Para el momento de grabar su cuarto disco, el thrash metal comenzó a hacerse más popular, influyendo a los integrantes de Pantera en su búsqueda de un sonido más pesado. Sin embargo, el estilo de Terry Glaze no encajaba con la dirección que la banda pretendía, por lo que Glaze terminó dejando Pantera.

La banda probó a algunos vocalistas hasta que conocieron a Phil Anselmo a finales de 1986, con quién tuvieron una química instantánea. Para 1988 Pantera publicó un nuevo disco, «Power Metal», en el que el estilo musical de la banda era más agresivo y el enfoque en su carrera era mucho más serio.

Consiguiendo un mánager y una discográfica, Pantera publicó en 1990 su primer disco con distribución masiva, «Cowboys from Hell», en el que el sonido y el estilo de Anselmo y del resto de la banda comenzaron a consolidarse, siendo su siguiente álbum, «Vulgar Display of Power», el que los posicionó como una de las bandas más populares e influyentes del metal.

Su siguiente disco, «Far Beyond Driven», mantuvo la buena acogida de público y crítica pero, para este momento, Phil Anselmo comenzó a tener una serie de exhabruptos y encontronazos con la ley, sumados a una adicción que comenzó a salirse de control, lo que generó tensiones con sus compañeros de banda.

Estas tensiones llevaron a que el siguiente disco de Pantera, «The Great Southern Trendkill», fuese grabado en 2 estados diferentes: Anselmo grabó las voces en New Orleans, mientras que el resto de la banda grabó sus partes en Texas.

Anselmo también comenzó a trabajar en diversos proyectos paralelos, lo que inicialmente no evitó que Pantera siga adelante. Pero eventualmente los problemas internos y los tiempos dedicados a otros proyectos crearon una distancia entre los miembros de la banda, lo que terminó con un anuncio de Vinnie y Dimebag en 2003, en el que daban por terminada la banda, declarando que Anselmo la había abandonado.

La separación no fue muy amigable y las declaraciones de uno y otro bando aumentaron la distancia entre los miembros de la banda, lo que (a pesar de los deseos de los fans), hacía muy difícil cualquier tipo de reunión. Y cualquier pequeña posibilidad que quedase se esfumó cuando, en 2004, Dimebag Darrell fue asesinado sin motivo aparente durante un concierto de su nuevo proyecto, Damageplan.

A pesar de que durante los años siguientes los miembros de Pantera han opinado varias veces sobre una posible reunión (sumando a algún guitarrista invitado), el tiempo no ha mejorado del todo su relación. La postura de Anselmo se ha ablandado un poco y, al parecer, ha tratado de mejorar su relación con «Vinnie» Paul Abbott (sin éxito hasta ahora), pero el baterista no ha cambiado su opinión de que una reunión sin su hermano es imposible.

Pantera con Terry Glaze: «All Over Tonight»

PanterA – All Over Tonight music video 84/85

Pantera con Phil Anselmo: «Walk»

Pantera – Walk (Official Music Video)

The Dillinger Escape Plan

Con un género difícil de definir, los miembros de The Dillinger Escape Plan provenían de la escena del hardcore/punk y eran reconocidos por la intensidad de sus recitales y una exploración técnica y creativa que fue dotando a la banda de un sonido cada vez más original.

Su primer vocalista, Dimitri Minakakis, sólo formó parte del disco debut de la banda, «Calculating Infinity». El disco fue bien recibido por la crítica y los fans, lo que permitió a la banda llegar a más escenarios, aumentando la intensidad de sus presentaciones con efectos, fuego y toda la energía que sus integrantes pudiesen soltar en vivo. Eventualmente el ritmo de las giras hizo que Minakakis decidiese dar un paso al costado, por lo que la banda se vio en la búsqueda de un nuevo vocalista.

Aún sin reemplazo para Minakakis, The Dillinger Escape Plan seguían trabajando en nuevas canciones y decidieronn registrar algo del material que tenían en un EP. Mike Patton, amigo de la banda, se ofreció a ayudarlos en la grabación, sumando su voz a este proyecto, «Irony Is a Dead Scene». Pero mientras la banda terminaba con los detalles, encontraron a un nuevo vocalista que podría sumarse a tiempo completo: Greg Puciato.

Puciato se unió oficialmente a la banda en 2001, participando en la grabación de tributos a Black Flag y Guns N’ Roses y en una canción para la banda sonora de Underworld. Su voz, su energía y su carácter encajaban perfectamente con la búsqueda musical y con la mística de la banda. Puciato dejaba todo en vivo, llegando en 2002 a crear una popular controversia luego de defecar en vivo en el Reading Festival y tirar una parte del resultado a la audiencia.

Greg Puciato ha grabado 5 discos con The Dillinger Escape Plan. Su versatilidad vocal, sus declaraciones sin rodeos y su actitud sobre los escenarios le han ganado el reconocimiento de la crítica y de muchos seguidores, abriéndole la puerta a numerosos proyectos paralelos.

The Dillinger Escape Plan se encuentran actualmente en una gira para presentar su último disco, «Dissociation», que será su despedida como banda.

The Dillinger Escape Plan con Dimitri Minakakis: «43% Burnt» (en vivo)

the dillinger escape plan – 43% burnt (live)

The Dillinger Escape Plan con Greg Puciato: «Milk Lizard» (en vivo)

The Dillinger Escape Plan «Milk Lizard» Live at ArcTangent (Small Pond Recordings)

Bonus track: The Dillinger Escape Plan con con Mike Patton: «Like I Love You» (cover de Justin Timberlake, en vivo)

DILLINGER ESCAPE PLAN «Like I Love You» w Mike Patton, SF 12/31/02

Blind Melon

Con su toque psicodélico, su sonido sin excesivos detalles de producción y la voz de Shannon Hoon, Blind Melon irrumpió en la escena del rock de los 90s para posicionarse inmediatamente como una de las bandas del momento cuando el mundo descubrió su canción «No Rain».

Hoon había llegado a Los Angeles desde Indiana y, una vez en la ciudad, trabó amistad con un viejo compañero de su hermana: Axl Rose. Mientras Blind Melon comenzaba a trabajar en material, Hoon tuvo su primera participación en un disco aportando voces para el célebre «Use Your Illusion» de Guns N’ Roses. La amistad de Hoon con Axl logró atención para Blind Melon dentro de la industria y la banda consiguió editar su primer LP en 1992. El disco autotitulado no logró grandes ventas ni llamó demasiado la atención… hasta que MTV comenzó a emitir el famoso video de la incomprendida niña vestida de abeja.

«No Rain» disparó la carrera de Blind Melon, los llevó a ganar 4 discos de platino y a girar por los festivales más populares de EE.UU. y Europa. Mientras tanto, Hoon comenzó a tener problemas ligados a sus adicciones, iniciando una serie de entradas y salidas de rehabilitación.

La banda editó su segundo disco, «Soup», en 1995 y, contra las indicaciones del profesional que atendía a Hoon, Blind Melon salió de gira para promocionarlo. Unas semanas después, el 21 de octubre de 1995, Shannon Hoon fue encontrado muerto en el bus de la banda. La causa de su fallecimiento fue un paro cardíaco por sobredosis de cocaína.

Luego de un tiempo de luto, la banda decidió continuar adelante intentando sumar un nuevo vocalista. Pero encontrar un reemplazo de Shannon Hoon no resultó fácil y en 1999 Blind Melon comunicó oficialmente su disolución.

En 2006, tras varios años de inactividad, Blind Melon anunció su reunión, sumando la voz de Travis Warren a su formación. La banda declaró que una de las claves era que la voz de Warren es lo suficientemente similar a la de Hoon como para poder tocar sus canciones clásicas y, al mismo tiempo, lo suficientemente diferente como para ayudarlos a forjar un nuevo camino para su música. Eventualmente, tras 12 años sin publicar un disco de estudio, la banda editó «For My Friends» y volvió a los escenarios.

Blind Melon no ha vuelto a alcanzar el éxito de su primera época, pero ha logrado continuar adelante con buenas críticas y el apoyo de sus fans, llegando a girar por diversos países e incluso invitando a la hija de Shannon Hoon, Nico Blue, a subirse a un escenario con ellos en 2015.

Blind Melon con Shannon Hoon: «Change»

Blind Melon – Change

Blind Melon con Travis Warren: «Wishing Well»

Blind Melon – «Wishing Well» Adrenaline Music

Audioslave

Lo sabemos, esta inclusión es polémica: Audioslave como tal nunca tuvo otro vocalista… pero su origen es el de una banda que perdió a su cantante y decidió seguir adelante con un reemplazo.

A finales del año 2000, el frontman de Rage Against the Machine, Zack de la Rocha, anunció que iba a dejar la banda citando que el proceso para tomar decisiones estaba fallando.

Los miembros restantes de RATM querían seguir adelante con y, eventualmente, comenzaron a hacer pruebas con diversos vocalistas, entre las que estuvo B-Real de Cypress Hill. Eventualmente la banda descubrió que no quería a otro «rapero» o a alguien que sonara a Zack de la Rocha. El productor y amigo Rick Rubin les sugirió entonces probar a Chris Cornell, comentando que con su voz Rage Against the Machine tenía el potencial de convertirse en una mejor banda.

La química entre Tom Morello, Tim Commerford, Brad Wilk y Cornell fue buena desde el principio, y la banda comenzó a ensayar y a crear música.

Con una actuación agendada para el Ozzfest 2002 y unos cuantos detalles legales y de management por resolver, la banda casi se separa antes de la edición de su primer disco. Morello declaró que lo que habían logrado en el estudio era «innovador y fantástico», pero que definitivamente lo que cantaba Cornell no era Rage Against the Machine, pero habían decidido publicar igualmente el material que habían creado juntos con un nuevo nombre.

Cuando la burocracia de su management se resolvió y los planetas se alinearon, el «supergrupo» siguió oficialmente adelante. Su primer nombre tentativo era «Civilian», pero cómo ya existía una banda con ese nombre, tuvieron que buscar una alternativa. «Audioslave» le llegó a Chris Cornell en una visión. Aparentemente su idea tampoco fue muy original, pero los Audioslave de Liverpool que habían registrado el nombre años atrás llegaron a un acuerdo con los americanos: $30.000 por permitirles compartir el nombre.

Los ex Rage Against the Machine y el ex vocalista de Soundgarden iniciaron con Audioslave una carrera que nos dejó 3 discos y que sirvió a varios de sus miembros para superar momentos difíciles de su vida. Finalmente, en 2007, Cornell anunció que dejaba la banda por conflictos personales y diferencias creativas (aunque luego vimos que las diferencias parecen haber sido más que nada monetarias).

Eventualmente, Rage Against the Machine volvió a reunir a su formación original, mientras Cornell continuó su carrera solista y también se reunió con Soundgarden. Con el paso del tiempo, los ex Audioslave han hablado de la posibilidad de reunirse, aunque de momento no hay planes concretos de hacerlo.

Como cierre (sin posibilidad de hacer una comparación), dejamos esta presentación de Audioslave haciendo el clásico de Rage Against The Machine, «Killing in the Name».

Audioslave – Killing In The Name Of (Live 8 2005)

Osbourne responde sobre si está triste de que llegue el final del grupo:

La verdad es que no. Ahora mismo lo estoy pasando de fábula. Supongo que pensaré de otro modo cuando hagamos el último concierto. Estoy triste porque Bill no volviera.

Pese a la añoranza, tampoco parece tener intención de convencerle para que vuelva:

No lo sé. Cada vez que contacto con Bill me caen gritos por algo. Si se puede solucionar algo, genial. Tommy (Clufetos) está haciendo un gran trabajo.

El propio Ward ha querido explicarse vía Facebook:

Ozzy nunca se ha puesto en contacto conmigo desde el 26/27 de enero de 2012 cuando llamó para ver si iría al Reino Unido para unirse a los ensayos del CD «13». Desde esa última llamada, nunca me ha vuelto a contactar ni yo a él.

Ozzy estoy triste porque Bill no volviera. Ozzy tiene que mirar a los que me pararon de volver. El contrato era imposible de firmar; la retórica del grupo de 2012, 2013 y así, criticando, condenando y con multitud de evaluaciones deshonestas hacia mi como persona, incluyendo los calificados como problemas de salud. De haber firmado el contrato, supongo que habrían dicho que tenía mala salud o todas esas referencias moralistas.

Como recordatorio, en septiembre de 2015, preguntamos a un representante de Sabbath si habría alguna posibilidad de tocar con la banda de nuevo. Su representante contestó «no». Es difícil volver cuando te dicen «no».

Amo a todos nuestros fans de Sabbath en todo el mundo, y lanzar ideas por ahí de que quizá toque en los conciertos de Birmingham es descorazonador y malicioso. Creo que los fans de Sabbath que han amado la banda original han pasado por suficientes decepciones y tristeza. Para mi, tocar solo en Brimingham sería discriminatorio y elitista hacia nuestros otros fans del resto del mundo. Yo nunca podría ser discriminatorio o elitista con nuestros fans.

Ha sido suficientemente descorazonador no grabar ni salir de gira y será descorazonador no tocar para los fans de Birmingham. Debéis saber que las circunstancias no son obra mía. Esto no es lo que habría querido o lo que haya escogido. De haber tenido cualquiera de vosotros que firmar un contrato que os socavara y subestimara, creo que la mayoría de vosotros con algo de dignidad y respeto por uno mismo lo habrías rechazado también.

Mi ausencia en los actuales conciertos y los próximos conciertos de Birmingham refleja una desgracia innegable e inédita que mis acusadores no soportarán. Se llama egoísmo y egocentrismo; falsedad y deslealtad. Son los culpables de la defunción de la formación original de Sabbath.

-Bill.