Para compartir la experiencia, hemos reunido 10 películas rockeras que creemos que deberías ver (o volver a ver). ¿Nos falta alguna imprescindible? ¡No dejes de sumarla en los comentarios!

Singles (1992)

Singles – Trailer

Con una serie de historias entrelazadas, en las que un grupo de veinteañeros intenta encontrar el amor en el Seattle de principios de los 90s, Cameron Crowe creó una especie de cápsula del tiempo de la era del grunge, retratando a una ciudad y a un grupo de artistas a punto de convertirse en uno de los epicentros de la cultura musical de EEUU.

El ensamble de protagonistas se completa con una serie de cameos que van desde reconocidas figuras de la escena como Chris Cornell, Tad Doyle y Mark Arm hasta estrellas de Hollywood como Paul Giamatti o Tim Burton. Y el lado musical del film se subraya con escenas en conciertos de Soundgarden y Alice in Chains, pero sobre todo con Citizen Dick la banda ficticia del personaje de Matt Dillon que incluye a 3 miembros de Pearl Jam y que está a punto de lanzar su single debut, «Touch Me I’m Dick» (una clara referencia/parodia a uno de los hits de Mudhoney).

Con su amor por una ciudad en la que todo puede pasar y en la que diversas personas, aparentemente solas, encuentran un hogar y una familia en sus vecinos y colegas, Singles se ha convertido en una referencia indispensable de la cultura de su generación (con una banda sonora envidiable, claro). Además, como Crowe ha contado más de una vez, es posible que «Singles» haya sido la base para otra gran referencia de los 90s, la serie «Friends».

Heavy Metal (1981)

Heavy Metal

La revista Heavy Metal comenzó a publicarse en EEUU a finales de los 70s como una licencia de la Métal Hurlant francesa. Sus primeros números acercaban al público americano historias con sensibilidad europea en las que la fantasía, el erotismo y la ciencia ficción llegaban a universos mucho más ricos que los que podían encontrarse en el underground local y escapaban de los conservadores límites de la Comics Code Authority, que eran acatados por la mayoría de los cómics mainstream de la época.

Poco a poco, Heavy Metal fue sumando historias originales creadas por artistas americanos, logrando una identidad propia y sentando una base para un nuevo nicho que influyó a artistas de todos los medios.

Llevada a la gran pantalla por Leonard Mogel (el editor de la revista) junto a un Ivan Reitman que estaba en pleno ascenso, la versión cinematográfica de Heavy Metal es una antología desigual (en cuanto a estilo y en cuanto a efectividad) de historias que se publicaron en papel y otras originales, que mantenían el mismo espíritu.

El proyecto fue creada con la participación de diferentes estudios de animación, uniendo los segmentos a través de una vaga narración en la que el Loc-Nar, una fuerza maligna proveniente del espacio, le cuenta a una niña como ha influido en sociedades de diferentes tiempos y lugares del universo.

Esta desigualdad entre los segmentos y las flaquezas de la trama se compensan con la originalidad del proyecto y con una aplastante y constante banda sonora en la que el heavy metal y el hard rock se hacen presentes a través de diversos referentes de la época como Black Sabbath, Blue Öyster Cult, Sammy Hagar, Nazareth, Grand Funk Railroad o Journey.

This Is Spinal Tap (1984)

This Is Spinal Tap – Trailer – HQ

Intentando mantener la relevancia en una industria que cambia constantemente, Spinal Tap salieron de gira por Estados Unidos en 1982 para presentar su más reciente disco. Los acompañaba un cineasta decidido a conocer más a fondo a la banda, documentado sus altos y bajos y aprovechando el backstage para ahondar un poco en su historia: su transición de una banda hippie a una banda de metal, las excentricidades de la fama y lo complicado que es conseguir un nuevo baterista cada vez que se muere el anterior.

Con el volumen siempre en 11, Spinal Tap se convirtió en un ícono del metal de los 80s. Y ni siquiera es necesario que hayan sido una banda real.

Coescrita por sus protagonistas (Christopher Guest, Michael McKean y Harry Shearer) junto a Rob Reiner en su debut como director, This Is Spinal Tap retrata una realidad exagerada pero tan posible en su época que muchas personas pensaron que era un documental real.

El film se convirtió lentamente en un clásico de culto, referenciado y recomendado numerosas veces, lo que llevó a Spinal Tap a saltar de la ficción a ser una banda «semi real» que durante los años siguientes publicó 2 discos y varios singles y que fue parte de festivales y conciertos especiales.

High Fidelity (2000)

«High Fidelity (2000)» Theatrical Trailer

Basada en una novela del británico Nick Hornby, cuya obra siempre suele tener una gran influencia musical, High Fidelity es la historia de un melómano que parece entender todo sobre los discos que vende pero muy poco sobre las relaciones personales.

Cambiando Londres por Chicago, John Cusack protagoniza esta adaptación creando una memorable versión del Rob de Hornby. Rompiendo constantemente la cuarta pared, obsesionado con la cultura popular y haciendo un «top 5» de casi todo, Rob intenta entender los fallos en sus relaciones pasadas mientras lidia con los clientes que pasan por su tienda, siempre acompañado en sus análisis por sus empleados Dick (Todd Louiso) y Barry (Jack Black en un personaje casi tan memorable como el de Cusack).

Lo que realmente importa es qué te gusta, no cómo eres, decía el personaje de Cusack en un film que rescata el espíritu del coleccionismo y esa obsesión casi snob por ser un experto musical en una época en la que internet comenzaba a cambiar drásticamente la forma en la que consumíamos música. La banda sonora de High Fidelity encaja con ese concepto, funcionando como una de esas listas curadas por un experto en la que clásicos del rock se mezclan con otras canciones no tan conocidas pero igual de buenas (o mejores).

24 Hour Party People (2002)

24 Hour Party People Official Trailer #1 – Simon Pegg Movie (2002) HD

Una historia semibiográfica en la que acompañamos a Tony Wilson (un personaje inspirado por el Wilson real encarnado por Steve Coogan) a través de los cambios culturales alrededor de la música de Manchester entre finales de los 70s y principios de los 90s.

El film comienza con Wilson siendo un presentador de televisión que, al ver a los Sex Pistols en vivo por primera vez en 1976, se inspira para crear una serie semanal de conciertos punk en Manchester. Allí aparecen unos recién formados Joy Division, el puntapié para que Wilson inicie uno de los sellos emblemáticos de Manchester: Factory Records.

Sabemos que el tiempo de Joy Division fue corto, pero la reinvención de la banda como New Order y la aparición de los Happy Mondays permitieron a Wilson evolucionar y, al menos en su versión ficcionalizada, lograr mantenerse auténtico, convirtiéndose en un referente y en una suerte de mecenas de la movida local.

24 Hour Party People es un divertido recorte sobre el auge y la caída del madchester, un movimiento iniciado por esos punks y rockeros apáticos e indies de principios de los 80s que se afianzó hacia el final de la década con la influencia de los sintetizadores, la cultura rave y la psicodelia de los 60s.

Wayne’s World 2 (1993)

Wayne’s World 2

Si bien la primera parte es un clásico del cine adolescente de los 90s, la segunda lleva el fanatismo por el rock de los protagonistas a un nuevo extremo: tras un concierto de Aerosmith. Wayne tiene un sueño en el que Jim Morrison, acompañado por un silencioso indio semidesnudo, le indica que debe crear un festival de rock. Con la ayuda de su mejor amigo Garth y reclutando al antiguo roadie de Morrison, el excéntrico Del Preston, el dúo intentará organizar «Waynestock».

Mientras Wayne intenta lidiar con un productor discográfico que pretende robarle a su amada Cassandra y Garth está a punto de conocer el amor carnal, Waynestock avanza lentamente aunque nadie pueda aseegurar si finalmente el público o alguna de las bandas asistirá.

Aunque no es una obra maestra (y nadie lo esperaría), Wayne’s World 2 es una entretenida aventura sobre adolescentes rockeros de los 90s, con el humor vulgar pero sin maldad y muy basado en sketches de su era; llena de guiños, cameos y referencias musicales tanto a bandas de la época como a los rockeros clásicos que todo adolescente debería adorar en un mundo según Wayne.

SLC Punk (1998)

SLC Punk! [trailer] (1999 Sundance Film Festival)

A mediados de los 80s, Stevo y su amigo Heroin Bob son los únicos punks en la conservadora Salt Lake City de la era Reagan. Sin un objetivo concreto en sus vidas, recorren conciertos y fiestas, socializan con otros outsiders de diferentes tribus urbanas, pelean contra los rednecks locales y descansan (no mucho) en un destrozado apartamento.

Stevo adora a The Ramones, The Specials y a los Dead Kennedys. La anarquía es una suerte de religión, el sistema es el enemigo y el futuro es irrelevante. Pero su padre, un ex hippie, insiste en que su postura es sólo una suerte de transición e insiste en que siga sus pasos y estudie leyes en Harvard.

Una serie de cambios en su círculo y una tragedia comienzan a hacer que Stevo se cuestione sus principios y se vea obligado a plantearse si su forma de ver el mundo tiene sentido o si, de alguna manera, se ha convertido en un poser.

Con una banda sonora llena de clásicos del punk y una pequeña historia inspirada en su juventud, el director James Merendino explora algunas de las tragedias adolescentes sobre necesitar pertenecer a algo, a veces solo por oposición a otra cosa, y tener que enfrentarse a las contradicciones de ideales extremos en un mundo que sigue avanzando a su propio ritmo.

Quadrophenia (1979)

Quadrophenia – Official Trailer [HD]

En el Londres de 1964, Jimmy encuentra un escape de su aburrida rutina y del futuro poco prometedor que representan sus padres sumándose a los mods, una tribu urbana que disfruta de la música moderna, las fiestas y las anfetaminas, identificándose con sus elegantes trajes y recorriendo la ciudad en scooters. Sus rivales, los rockers prefieren las motocicletas, el cuero y el rock and roll clásico.

Un viaje de fin de semana a la costa de Brighton, dónde ambas tribus convergen en una gran pelea, hará que Jimmy comience a perder el control y la confianza, llevándolo a un extremo en el que deberá replantearse su vida, cuestionando el dilema de rebelarse y buscar la individualidad a través de una identidad grupal.

A mediados de los 60s, habiendo sumado el piano a su base para crear canciones, Pete Townshend comenzó una búsqueda para escapar del estándar de canción de 3 minutos, jugando con el concepto de ópera rock. Tras algunos experimentos, en 1968 The Who comenzó a grabar Tommy, un disco conceptual sobre un joven sordo, mudo y ciego que se convierte en un genio del pinball y en un líder religioso. El álbum polarizó a los críticos pero fue un éxito de ventas que, eventualmente, permitiría a la banda llevar su obra a nuevos medios.

Mientras tanto, Townshend planeaba subir la apuesta con Lifehouse, creando un proyecto multimedia con una idea futurista. Parte de su objetivo era que el público pudiese influir en la música durante las presentaciones de la banda. La complejidad para concretar sus ideas, diversos problemas en la grabación e internas en la banda hicieron que el proyecto fuese abandonado. El material existente fue reacomodado y editado como un disco tradicional, Who’s Next.

En 1972, Townshend dudaba sobre qué hacer a continuación. Decepcionado por no poder realizar todas sus ideas con Tommy y Lifehouse, comenzó a trabajar en Quadrophenia, un álbum que sería como una banda sonora para un film inexistente, lo que le permitió enfocarse en contar una historia desde un punto de vista más musical que visual y tomarse el tiempo para experimentar con nuevas tecnologías y métodos de grabación.

En 1975 Tommy finalmente se convirtió en una colorida y extravagante película musical, protagonizada por Roger Daltrey (acompañado por estrellas como Elton John, Eric Clapton y Tina Turner). El éxito de Tommy generó finalmente el interés por convertir a Quadrophenia en la película que nunca iba a ser, pero esta vez como una historia de ficción en la que quedó inmortalizada la historia de Jimmy the Mod junto a una buena parte de la visión popular sobre la cultura y los ideales adolescentes de la época.

Tenacious D in The Pick of Destiny (2006)

Tenacious D in «The Pick of Destiny» Trailer

Bendecido por un mensaje místico de Ronnie James Dio, un joven JB escapa de un hogar conservador y represivo en el medio oeste estadounidense y se dirige hacia Hollywood, con la misión de formar la banda de rock más genial del mundo. Allí conocerá a KG, un talentoso guitarrista que parece haber encontrado el éxito y que lo invitará a sumarse a su grupo. Pero KG resulta ser un vago al que nadie conoce y que vive de la ayuda de su madre y sólo la persistencia de JB animará al dúo a continuar en su búsqueda de la fama.

Una pista los hará iniciar una gran aventura que podría hacerles cumplir su destino: Encontrar una púa mágica, hecha a partir de un diente de Satán, que ha sido el mayor secreto de la historia del rock y que otorga a sus portadores un talento sobrenatural.

Formados como un dúo de rock cómico, Tenacious D siempre han mezclado lo visual y lo musical. Hacer una película rockera estaba en los planes desde el inicio de la banda y, con la popularidad cinematográfica de Jack Black, era sólo una cuestión de tiempo.

Después de varias revisiones en sus ideas para concretar un guión, en 2003 la banda logró cerrar unn trato con New Line Cinema y sumó al director Liam Lynch para redondear esta historia sobre el origen ficticio de la banda a través de la búsqueda de púa del destino, en un camino que se irá abriendo con la ayuda de muchos personajes con figuras tanto del mundo de Hollywood (Ben Stiller, Tim Robbins, John C. Reilly, Amy Poehler…) como del mundo del rock (Meat Loaf, Dio y un Satán interpretado por Dave Grohl).

Tenacious D in The Pick of Destiny no resultó muy interesante para la crítica pero los fans de la banda o de su estilo de comedia no podrán evitar volver a verla cada vez que se la crucen.

Almost Famous (2000)

Almost Famous Trailer

No podemos evitar cerrar la lista con otro film de Cameron Crowe, una memorable historia semibiográfica que explora el exorbitante mundo del rock de los 70s, contada desde el inocente punto de vista de un adolescente que se verá obligado a madurar a la fuerza.

William es un joven prodigio de 15 años que nunca ha logrado encajar del todo. Cuando descubre la colección de discos secreta de su hermana mayor, su mente y su universo comienzan a crecer más de lo que su hogar puede abarcar. Con el sueño de convertirse en periodista musical, el joven comienza a escribir para algunas publicaciones locales y pronto surge una oportunidad única: Mintiendo sobre su edad, William logra que la revista Rolling Stone lo contrate para escribir un artículo sumándose a la gira de una de las bandas del momento: Stillwater.

La vida de gira tiene un poco del sueño que William esperaba pero también un poco de pesadilla. La fama repentina, el amor del público, las groupies, las drogas, las ambiciones, el cansancio de la carretera… Todo irá confluyendo en un viaje en el que ninguno de los protagonistas podrá volver atrás.

Mezclando algunas anécdotas y leyendas urbanas de la época con una realidad ficcionalizada, Crowe recrea cálidamente la era con una banda sonora que se reparte entre clásicos (como esa inolvidable escena en la que «Tiny Dancer» de Elton John reanima a todos en el autobús) y canciones originales para Stillwater, algunas compuestas por Crowe junto a su esposa de ese momento, Nancy Wilson de Heart, y otras creadas por Peter Frampton. Como curiosidad, las épicas guitarras del personaje Russell Hammond fueron grabadas por Mike McCready de Pearl Jam.

Eso es todo, por ahora. Si quieres sumarnos alguna idea, no dejes de hacerlo en los comentarios y si te quedas con ganas de más, revisa también las recomendaciones de documentales rockeros que venimos compartiendo (parte 1, parte 2 y parte 3).

Si no viste las entradas anteriores, revisa la primera parte, y la segunda parte. ¿Quieres recomendarnos otro documental que todavía no hayamos mencionado? ¡Dejanos un comentario!

Seven Ages of Rock

https://www.youtube.com/watch?v=KJTuSDyg1ME

Esta reconocida miniserie documental de la BBC (que luego fue adaptada y reproducida por VH1) explora la historia del rock, separándola en 7 episodios. Cada episodio explora una era o género, sumando entrevistas, conciertos y material de archivo de ese que sólo la BBC puede encontrar.

Como complemento, cada episodio tiene notas, videos y otros contenidos extra en el sitio oficial del programa.

Lemmy

Lemmy – Official Trailer

A los 65 años, Ian Kilmister –conocido en todo el mundo como Lemmy–, el líder de Motörhead, seguía siendo una máquina del rock, fumando 2 cajas de Marlboro y bebiendo una botella de Jack Daniel’s al día.

Los cineastas Greg Olliver y Wes Orshosk pasaron 3 años siguiendo a la leyenda para construir un retrato multifacético de un tipo remarcablemente auténtico. Por supuesto, las imágenes históricas y las entrevistas a diversos músicos influenciados por Lemmy y Motörhead completan un tributo a una leyenda del rock, que nos dejó 5 años después del estreno de este documental.

Dig!

https://youtu.be/2nVelpiI6wE

Durante 7 años la cineasta Ondi Timoner siguió los altos y bajos de la relación de amor/odio entre Courtney Taylor-Taylor y Anton Newcombe, fundadores de las bandas The Dandy Warhols y The Brian Jonestown Massacre.

Las ambiciones artísticas de ambas bandas y sus particulares visiones de cómo debe ser y cómo debe vivirse el rock, mezcladas con personalidades y egos muchas veces explosivos (sobre todo en el caso de Newcombe) crean un interesante retrato sobre la colisión entre el arte y el negocio, entre la locura y el éxito.

The Devil and Daniel Johnston

The Devil and Daniel Johnston (Trailer)

Jeff Feuerzeig nos cuenta historia del recientemente fallecido icono del indie Daniel Johnston. Diagnosticado con esquizofrenia y trastorno bipolar, Johnston encontró un canal para expresarse y se convirtió en un artista de culto, distribuyendo sus canciones en cassettes durante los 80s, mientras trabajaba en un McDonald’s de Austin, Texas. Un culto que se expandió cuando Kurt Cobain fue fotografiado con una camiseta de una de las obras de Johnston, su cassette «Hi, How Are You».

El documental captura la simplicidad y la genialidad de un ícono que podríamos habernos perdido, sin minimizar su convivencia con la depresión y su enfermedad, combinando entrevistas con material casero y performances de diversas épocas.

The Kids Are Alright

The Kids Are Alright trailer – The Who, Ringo Starr

En 1975, aunque no tenía ninguna experiencia, Jeff Stein convenció a sus admirados The Who de que le permitiesen crear un registro cinematográfico oficial de la banda, buscando dejar una referencia histórica para los fans. Pete Townshend no estaba convencido pero en esa época ya comenzaba a estar harto de vivir de gira, por lo que siguió el consejo de su manager de que un buen film de la banda «podía hacer la gira por ellos».

Con mucho amor y una admirable dedicación, Stein logró reunir material de canales de televisión y de fans de todo el mundo, y llenó lo que consideraba «huecos en el catálogo» filmando algunas actuaciones y momentos íntimos de la banda, registrando sin saberlo los últimos shows de Keith Moon, que falleció en 1978, durante la edición final del documental.

«The Kids Are Alright» logró finalmente documentar la evolución, la creatividad y el caos de The Who, una referencia fundamental de la historia del rock and roll.

Metal Evolution

Metal Evolution: Extreme Metal | OFFICIAL TRAILER

El antropólogo y cineasta Sam Dunn y su socio, Scot McFadyen, exploran la historia y del metal, siguiendo el «árbol familiar del heavy metal» planteado originalmente en su documental «Metal: A Headbanger’s Journey» (recomendado en la primera parte de este especial).

La detallada perspectiva de Dunn crea un hilo que nos permite recorrer la evolución del género, desde sus inicios ligados al rock’n’roll hasta el metal progresivo. La serie cuenta con 11 episodios y, gracias a una campaña de crowdfunding, sumó posteriormente un «episodio perdido» dedicado al metal extremo, explorando el fenómeno de géneros como el black metal y el grindcore.

The Wrecking Crew

The Wrecking Crew – Official Trailer

Imagina un mundo en el que todos los hits de las últimas décadas estuviesen tocados por la misma banda… Aunque suene raro, ese mundo no está tan lejos de la realidad: Entre finales de los 50s y principios de los 80s, una banda de sesionistas conocida como «The Wrecking Crew» trabajó en miles de grabaciones para músicos como Elvis, The Beach Boys, The Byrds, Tina Turner, The Mamas & the Papas o Frank Sinatra, convirtiéndose gracias a su habilidad y su profesionalidad en una referencia de la industria musical de Los Angeles.

Denny Tedesco, hijo del guitarrista Tommy Tedesco, logra reconstruir una historia que nos llega con décadas de atraso, llena de anécdotas y detalles sobre una parte fundamental pero rara vez vista de la industria.

MC5*: A True Testimonial

https://www.youtube.com/watch?v=qvFopfP3znU

Durante más de 7 años, la productora Laurel Legler y su esposo, el director David C. Thomas se dedicaron a reunir todo el material posible para contar la historia de una de las bandas más influyentes de su época, con un legado reconocido por muchos de sus pares aunque quizás no tanto por el público masivo.

MC5 tuvieron una carrera corta pero explosiva, entrelazando la música y el activismo, llena de anécdotas y momentos memorables que este documental nos permite revivir. «A True Testimonial» es un gran esfuerzo de recopilación (que hasta incluye material filmado por el FBI mientras investigaba a la banda) en el que se nota el amor por MC5 y se puede apreciar el inicio de un legado que no deja de crecer hasta el día de hoy.

The Song Remains the Same

The Song Remains the Same – Original Theatrical Trailer

Durante 3 noches de 1973, Led Zeppelin rockearon el Madison Square Garden de New York y dejaron un documento visual con algunas de las canciones más populares de la banda.

Además de lo musical (y de algunas fantasías cinematográficas de sus integrantes), «The Song Remains the Same» también documenta el detrás de escena de esos conciertos y nos permite un vistazo a la logística y los excesos de uno de los tours más grandes de su época.

A pesar de haber sido creado con un proceso un poco improvisado, que resultó en una crítica no tan favorable tras el estreno del film, el documental se volvió un éxito de culto entre los fans de la banda, siendo durante décadas el único documento oficial del vivo de Led Zeppelin, filmado en un momento en el que Page, Plant, Jones y Bonham estaban en la cima de sus carreras.

Searching for Sugar Man

SEARCHING FOR SUGAR MAN – Official UK Trailer – An Award-Winning Documentary

A principios de los 70s, después de un tiempo de tocar en bares, cantando sobre la vida de las clases bajas de su Detroit natal, Sixto Rodriguez fue descubierto por una discográfica y logró grabar algunas de sus canciones. Las repercusiones no fueron suficientes y pronto Rodriguez se vio obligado a volver al anonimato.

Sin que él supiese nada al respecto, una serie de casualidades hicieron que sus grabaciones llegasen algunos círculos musicales de Sudáfrica, desde dónde fueron compartidas y popularizadas hasta convertir a Rodriguez en un éxito nacional que duró años. El culto a su música estaba atado al misterio sobre su persona, con rumores que hablaban de una estrella torturada que se había muerto hacía años. Suicidio, sobredosis… en una época en la que el acceso a la información era extremadamente limitado, no era muy fácil averiguar algo sobre un hombre que no existía para los medios y que hacía tiempo había vuelto a su vida de obrero en la otra esquina del mundo.

Muchos años después, dos fans sudafricanos se decidieron a documentar una búsqueda en la que intentan conectar todos los puntos y averiguar la verdad sobre Rodriguez, creando una historia única sobre un héroe del rock indie que nunca fue pero que está a punto de tener una segunda oportunidad.

Si quieres más recomendaciones de documentales rockeros, revisa el resto de esta colección:

• Documentales rockeros, Parte 1
• Documentales rockeros, Parte 2
• Documentales rockeros, Parte 3 (viendo ahora)

Hype!

Hype Trailer 1997

Comenzando tímidamente en garages locales, con conciertos sin mucha promoción y grabaciones caseras, la escena de Seattle explotó a principios de los 90s con un movimiento que la prensa y los medios agruparon bajo la etiqueta grunge.

«Hype!» explora como una corriente artística local se convirtió en un fenómeno social y cultural, que tuvo un impacto impensable en la cultura norteamericana.

American Hardcore

American Hardcore | Official Trailer (2006)

Inspirado por el libro de Steven Blush, «American Hardcore: A Tribal History«, Paul Rachman trabajó durante 5 años en este documental que retrata el nacimiento y la evolución del hardcore entre finales de los 70s y mediado de los 80s.

Con material exclusivo de la escena, filmado por Rachman y por las mismas bandas, sumado testimonios de los protagonistas del movimiento, Rachman consiguió un excelente retrato de una subcultura que, originada en el punk, fue una de las mayores influencias en el crecimiento de los sellos independientes y del movimiento DIY («do it yourself», «hazlo tú mismo»), lo que abrió el camino a muchos artistas, movimientos culturales y géneros musicales alternativos en las décadas siguientes.

Woodstock

Woodstock – Original Theatrical Trailer

Una crónica imperdible del mítico festival Woodstock de 1969. Además de las presentaciones en vivo de artistas, entre los que se encuentran The Who, Joe Cocker, Jefferson Airplane, Santana y Jimi Hendrix, el documental nos permite vivir el fenómeno de un festival en el que, durante unos días, la música, el amor y el desorden reinaron en una granja del estado de New York por la que pasaron más de 400.000 personas.

Last Days Here

Last Days Here Official Trailer – HD Movie (2012)

Bobby Liebling es uno de los pioneros del heavy metal y una de las mayores influencias de lo que hoy conocemos como doom metal. Su banda, Pentagram, fue un éxito en el under de los 70s y se mantuvo activa esporádicamente en las siguientes décadas.

Ya pasando los 50, Bobby vive casi aislado en el sótano de sus padres, perdido entre sus adicciones y sus demonios personales. Cuando una nueva generación descubre la música de Pentagram, Bobby encuentra una oportunidad de intentar reencaminar su vida y de volver a los escenarios.

1991: The Year Punk Broke

Sonic Youth – 1991: The Year Punk Broke

Quizás el mejor documental musical sobre la «Generación X», el proyecto se inició como una idea de Sonic Youth al invitar al director Dave Markey a seguirlos en su gira por Europa en 1991. Y aunque el film gira principalmente alrededor de la banda de Thurston Moore, Kim Gordon, Lee Ranaldo y Steve Shelley, hace también un excelente retrato de las bandas que los acompañaban en esa gira, por la que pasaron varios de los protagonistas de una escena alternativa que estaba a punto de explotar.

Antes del grunge y del que el rock alternativo llegase al mainstream, «1991: The Year Punk Broke» nos permite disfrutar del backstage y de unas cuantas presentaciones en vivo de Sonic Youth, Nirvana, Dinosaur Jr, Babes in Toyland, Gumball y The Ramones.

Sympathy for the Devil

Trailer Godard-Stones ‘Sympathy For The Devil’

El francés Jean-Luc Godard decidió retratar a los míticos The Rolling Stones en la intimidad durante la grabación de su disco «Sympathy for the Devil», creando luego este original relato dónde la mística stone se intercala con la cultura, la estética y los movimientos sociales de finales de los 60s.

The Punk Singer

The Punk Singer Official Trailer 1 (2013) – Documentary HD

En una industria (¿un mundo?) en el que predomina el machismo, Kathleen Hanna ha logrado inspirar a gran parte de una generación. «The Punk Singer» explora la vida y la carrera de Hanna: desde su época de fanzines y Bikini Kill en los 90s hasta su proyecto de «punk-pop», Le Tigre, y su reciente lucha contra la enfermedad de Lyme.

Poeta, feminista, activista, impulsora del movimiento riot grrrl, creadora de la frase «smells like teen spirit»… Kathleen Hanna es un ícono cultural con una carrera para explorar.

End of the Century

End Of The Century: The Story Of The Ramones (2003) – Trailer

A mediados de los 70s, The Ramones cambiaron la música para siempre. No sólo crearon la base del punk rock, sino que se convirtieron en una reconocida influencia para músicos de varios géneros y generaciones.

«End of the Century» nos mete en la historia de este cuarteto de colegas de Queens, que se hermanaron con un apellido en común y explotaron un estilo musical simple, fuerte y directo, iniciando una carrera de más de 20 años en la que recorrieron el mundo, inspirando a incontables adolescentes marginados a encontrar una identidad o a buscar en la música un medio para expresarse.

Rush: Beyond the Lighted Stage

Rush Beyond The Lighted Stage Trailer (HD)

Más allá de las luces del escenario, después de más de 40 años en carrera, Rush se han ganado el reconocimiento de generaciones de fans, músicos y productores… aunque no tanto el de la crítica. Geddy Lee, Alex Lifeson y Neil Peart no parecen estar muy preocupados por eso y han logrado consolidar una audiencia que los adora sin tener que comprometer su autenticidad.

«Beyond the Lighted Stage» explora la carrera de Rush y sus influencias en la música popular, permitiéndonos conocer la historia y la intimidad de la banda de culto más grande del mundo.

Joe Strummer: The Future Is Unwritten

Joe Strummer, The Clash – The Future Is Unwritten (Trailer) (Trailer)

Desde su salto a la fama con The Clash, Joe Strummer se ha convertido en un ícono no sólo de la música, sino de la comunicación. Julien Temple logra en «The Future Is Unwritten» mostrarnos lo que hay detrás del ídolo, contando la historia de Strummer a través de una cuidadosa selección de material de archivo, clips de sus días de radio y anécdotas de sus amigos más íntimos.

Si quieres más recomendaciones de documentales rockeros, revisa el resto de esta colección:

• Documentales rockeros, Parte 1
• Documentales rockeros, Parte 2 (viendo ahora)
• Documentales rockeros, Parte 3

«Sgt. Pepper’s» fue un éxito comercial y de crítica en su lanzamiento y, para muchos, también se convirtió en un hito que inició el futuro de la música. The Beatles se alejaron de los conciertos masivos y decidieron enfocarse en crear música de otra forma, tomándose un tiempo inusual en ese momento para crear un disco, innovando en la producción y en la forma de escribir sus canciones; trabajando el diseño y en el concepto de un álbum de una forma nueva, experimentando, mezclando y jugando con elementos que, eventualmente, dieron vida a una experiencia única.

Parte del reconocimiento de «Sgt. Pepper’s» se debe sin duda a su influencia en el crecimiento de la popularidad de los LPs con respecto a los singles, cambiando la visión popular sobre un disco como un medio de distribución para que comience a ser considerado como un medio de creación y expresión de un artista.

Es imposible escuchar el disco hoy de la misma forma que podríamos haberlo escuchado en 1967. Muchas de sus influencias e innovaciones se han vuelto tan comunes en la industria que no es fácil reconocerlas o verlas de una forma objetiva. Sin embargo, estamos convencidos de que Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band ha influenciando a muchísimos géneros musicales que eran alternativos en su momento, popularizando en la música elementos como el uso de alter egos, la mezcla de elementos de otros géneros sin prejuicios y la apertura a canciones alejadas del «single radiable».

Quizás podríamos considerar que el mayor aporte del «Sgt. Pepper’s» ha sido legitimizar (o, al menos, terminar de legitimizar) el concepto de música pop, replanteando los límites e inspirando a miles de artistas a buscar nuevas formas de hacer y compartir su música.

Como celebración, la banda ha publicado esta semana una reedición «deluxe» del disco, mezclado por Giles Martin, hijo del memorable Sir George Martin. Entre las varias versiones en las que se ha puesto a la venta se incluyen como extras tomas inéditas y alternativas, junto a un libro, posters, un documental sobre la creación del disco y videos de las sesiones de grabación.

The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band – Anniversary Edition Trailer

Estos son 10 documentales rockeros (sin ningún orden especial) que no puedes dejar de ver. Como siempre, centramos nuestra lista alrededor de bandas de rock, punk, metal y otros géneros afines a los del sitio.

Además, como somos fans del género, al armar este post se nos han venido a la cabeza unos cuantos documentales extra, por lo que en cualquier momento haremos una continuación con otros 10 documentales para recomendar. ¡Se aceptan sugerencias para sumar a nuestra lista!

Metallica: Some Kind of Monster

Metallica: Some Kind of Monster (DVD Trailer)

Poco después de la salida de Jason Newsted, Metallica se encontraba en uno de sus peores momentos: Tensiones internas, años de frustraciones no resueltas, problemas de adicciones… Para intentar que la banda logre salir adelante, su management decidió contratar a un coach que los ayude a trabajar en su relación de amigos, compañeros y personas.

Some Kind of Monster nos abre las puertas a la intimidad de Metallica entre 2001 y 2003, en una suerte de terapia grupal en el estudio en la que podemos ser testigos de sus disputas, la lucha de poder entre James Hetfield y Lars Ulrich, la búsqueda de un nuevo bajista y, finalmente, el proceso de recomponer una banda a través del trabajo en canciones que, eventualmente, se convertirían en «St. Anger».

Anvil: The Story of Anvil

Tráiler película ANVIL (Subtitulado al Español)

En el verano de 1984, Anvil salió de gira con los grupos más grandes del momento. Todos llegaron a vender millones de discos y a alcanzar la fama mundial… todos menos Anvil. ¿Por qué las promesas del metal canadiense no lograron el éxito?

El documental retoma las vidas del guitarrista Steve «Lips» Kudlow y el baterista Robb Reiner en 2005. Ambos sobreviven con trabajos aburridos y con el dinero justo, pero todavía no han renunciado a Anvil. El esfuerzo y el talento de ambos, unidos a una inigualable persistencia, logran repentinamente abrir una serie de oportunidades que podrían ser el camino para que Anvil alcance el lugar que merece.

The Decline of Western Civilization

The Decline Of Western Civilization Official Trailer #1 (1981)

The Decline of Western Civilization se inició como un documental que revisaba la escena punk de Los Ángeles entre 1979 y 1980, y se convirtió en una trilogía en la que Penelope Spheeris exploró también la escena del metal de finales de los 80s y, en una tercera parte, la vida de un grupo de jóvenes punks que viven fuera de la sociedad pero rodeados por ella.

La crónica de Spheeris de la vida de los outsiders de Los Ángeles, de sus bandas favoritas y de los fenómenos culturales que los rodean se ha convertido en una referencia esencial sobre la desolación y la alienación de la adolescencia, retratando algunos de los problemas del «sueño americano» y la creatividad musical que surgió como parte de la identidad de varias generaciones.

Sound City

Sound City Official Trailer

El estudio Sound City, con su consola analógica hecha a medida, fue testigo de la grabación de algunos de los artistas más populares del siglo XX. Cuando en 2011 cerraba sus puertas definitivamente, Dave Grohl decidió comprar esa mítica consola y crear un documental contando la historia del Sound City junto a las personas que pasaron por él, logrando un debut cinematográfico aclamado por la crítica.

Durante el proceso, varios de los músicos entrevistados en el documental se fueron sumando a Grohl y amigos para grabar por última vez un disco en el estudio, colaborando entre sí en canciones creadas especialmente para la ocasión, logrando una banda sonora única que se convirtió en un éxito por si sola.

Jason Becker: Not Dead Yet

‘Jason Becker: Not Dead Yet’ [Film Trailer]

Jason Becker era uno de los guitarristas más virtuosos de su generación pero cuando a los 19 años fue diagnosticado con esclerosis lateral amiotrófica y comenzó a perder la movilidad en su cuerpo, se vio obligado a dejar de tocar y su fama comenzó a desvanecerse lentamente. Sin embargo, aunque su esperanza de vida era de no más de 5 años, con ayuda de su familia Jason logró mantenerse en activo, encontró la forma de seguir creando música y de poder contar al mundo su historia.

Ya habíamos recomendado este documental hace un tiempo, pero volvemos a insistir: Jason Becker todavía no está muerto y vale la pena descubrir su historia.

Pearl Jam Twenty

Pearl Jam – Pearl Jam Twenty (Trailer) (Video)

A 20 años de iniciar su carrera, Pearl Jam se mantienen activos y relevantes, siguen girando por el mundo y llenando estadios, siguen creando y, sobre todo, siguen manejándose con sus propias reglas.

Combinando unas cuantas joyas inéditas con entrevistas y material propio, Cameron Crowe nos permite explorar en detalle cómo es para una banda tan grande como Pearl Jam seguir adelante a pesar de los años, de las tragedias, de las frustraciones… a pesar de todo.

The Other F Word

The Other F Word Official Theatrical Trailer (HD) – Oscilloscope Laboratories

Ser un héroe del punk rock, no tener responsabilidades, no respetar reglas ni autoridades, se vuelve un poco más complicado cuando la paternidad («fatherhood«, la otra palabra con F) se vuelve una parte importante de tu vida.

Este original documental nos muestra cómo es la vida entre los escenarios y las responsabilidades de ser padre, siguiendo a Jim Lindberg de Pennywise y a otros ídolos del punk rock y géneros afines.

A Band Called Death

A Band Called Death Official Trailer 1 (2013) – Documentary HD

Antes de que existiera el punk, existía una banda llamada Death. Tres hermanos negros, hijos de un pastor, nacidos en los 50s en Detroit, decidieron formar una banda de rock en el auge de la Motown. Su sonido, su raza, el nombre de su banda… nada de lo que hacían los hermanos Hackney encajaba con lo que el público esperaba de ellos, por lo que conseguir un contrato discográfico y una carrera en la música les resultaba imposible.

Muchos años después, tras una vida dedicada a otros menesteres, el demo de Death comenzó a circular entre una audiencia más preparada y se volvió un artículo de culto, logrando finalmente el reconocimiento de la banda. A Band Called Death es un homenaje a la carrera y al vínculo de estos hermanos, que desafiaron todo lo que se esperaba de ellos para convertirse en pioneros de un género que estaba lejos de ser aceptado por el mainstream.

Kurt Cobain: Montage of Heck

https://www.youtube.com/watch?v=eJ5gh0saodk

Brett Morgen nos muestra, gracias a un acceso a material inédito y personal del líder de Nirvana, un lado inusual e íntimo de la vida de Kurt Cobain, desde su infancia en Aberdeen hasta su suicidio en 1994.

A pesar de algunas voces en contra, que generalmente consideran que el material proporcionado por Courtney Love pinta una realidad falsa sobre Cobain, el film ha sido recibido con excelentes críticas y es considerado uno de los mejores retratos de una celebridad que llegó a ser la cara de una generación, sin dejar de ser una persona con sus inseguridades y conflictos, un marido y un padre.

Metal: A Headbanger’s Journey

Metal: A Headbanger’s Journey | OFFICIAL TRAILER

Una visión antropológica sobre el metal, en la que Sam Dunn recorre el mundo para analizar la identidad del género, investigando sus orígenes, su cultura y sus controversias, logrando en el proceso una serie de entrevistas relajadas y sinceras con algunas de las más grandes figuras de la música y, por supuesto, con algunos de los fans más fieles del mundo.

Si quieres más recomendaciones de documentales rockeros, revisa el resto de esta colección:

• Documentales rockeros, Parte 1 (viendo ahora)
• Documentales rockeros, Parte 2
• Documentales rockeros, Parte 3

Esto nos ha llevado a pensar en esta propuesta: Queremos saber cuáles son los mejores supergrupos que se les ocurren a nuestros usuarios, combinando los músicos que sean, vivos o muertos, de la forma que les parezca. Por ejemplo: ¿Qué tal sonaría una banda integrada por Mike Patton como vocalista, Tosin Abasi a la guitarra, Les Claypool al bajo y Brann Dailor a la batería?

En fin… ¿Cuál creen que sería el supergrupo definitivo y por qué?

¡Esperamos tu opinión en los comentarios!

Aún así, por motivos que van desde las diferencias musicales hasta una tragedia, muchas bandas han tenido que enfrentarse a esta situación, han reclutado a un nuevo frontman y han conseguido mantenerse y continuar su carrera… ¿o no?

Estas son nuestras 10 bandas favoritas que han cambiado de cantante y han seguido adelante. Como siempre, centramos nuestra lista en bandas de rock alternativo, metal y otros géneros afines a los del sitio. ¿Crees que alguna banda merecía estar también en la lista? ¡Te invitamos a que nos cuentes su caso en los comentarios!

AC/DC

A principios de los 70s, AC/DC inició su andadura en Australia haciendo una serie de conciertos locales y con ganas de comerse el mundo. Cuando la banda de los hermanos Young quiso ponerse seria, el reconocido Bon Scott reemplazó al vocalista original, Dave Evans, iniciando una etapa que los posicionaría como una de las mayores influencias del hard rock.

Pero en febrero de 1980, tras una noche de juerga, Scott fue encontrado muerto en el coche de un amigo. Un coma etílico se había llevado al vocalista y la banda consideró disolverse, pero el apoyo de sus amigos y de la familia de Scott los llevó a seguir adelante. Al poco tiempo sumaron a Brian Johnson, cuyo estilo y personalidad permitió a la banda un retorno contundente y aclamado y una carrera con muchos años de éxitos.

Lamentablemente, el futuro de Johnson en la banda es incierto. Tras su alejamiento de AC/DC por problemas de salud, la banda buscó un reemplazo para poder completar su gira, sumando (al menos temporalmente) a otro mítico vocalista a la historia de AC/DC: Axl Rose.

AC/DC con Bon Scott: «Highway to Hell»

AC/DC – Highway to Hell (Official Video)

AC/DC con Brian Johnson: «Thunderstruck»

AC/DC – Thunderstruck (Official Video)

Bonus: AC/DC con Axl Rose: «Thunderstruck» (en vivo)

https://www.youtube.com/watch?v=Lb54wxS5ACk

Black Sabbath

En 1968, Black Sabbath inició su vida con otro de los vocalistas más influyentes del género, Ozzy Osbourne. Durante casi 10 años, la banda se dedicó a grabar discos memborables y a ser una parte clave de la fundación del heavy metal. Pero en 1977, Ozzy dejó la banda repentinamente, lo que inició una larga lista de cambios, salidas y entradas de miembros de la banda.

Por Black Sabbath pasaron varios vocalistas: Dave Walker (que sólo llegó a tocar con la banda una vez), Ian Gillan (que ya había sido el reemplazo de Rod Evans en Deep Purple), David Donato, Glenn Hughes (que también pasó alguna vez por Deep Purple), Tony Martin… Pero el más mítico de ellos fue, por supuesto, Ronnie James Dio.

Dio se sumó por primera vez a Black Sabbath en 1979, luego de salir de Rainbow. Se mantuvo en Sabbath hasta que en 1982 dejó la banda por las famosas «diferencias creativas», buscando hacer algo propio. En 1992, el vocalista volvió brevemente a Black Sabbath para grabar «Dehumanizer» pero, al poco tiempo, sus dificultades para trabajar con Tony Iommi y Geezer Butler lo hicieron volver a buscar otros caminos.

En 2006, Rhino Records editó con relativo éxito un «grandes éxitos» de los años de Dio en Black Sabbath. Aunque para esa época Ozzy estaba de vuelta oficialmente en la banda, Iommi y Butler quisieron aprovechar el momento. Para evitar confusiones, crearon la banda paralela Heaven & Hell, con la que salieron de gira junto a Dio, grabando luego un álbum, «The Devil You Know», que se convertiría en el último disco de estudio en el que participó Ronnie James Dio antes de su muerte, en mayo de 2010.

Desde ese entonces, no sin unas cuantas idas y vueltas, Black Sabbath ha continuado su carrera con Ozzy como frontman, y se encuentra actualmente en la que se supone será su última gira.

Black Sabbath con Ozzy Osbourne: «War Pigs» (en vivo en 1970)

BLACK SABBATH – «War Pigs» (Live Video)

Black Sabbath con Ronnie James Dio: «Heaven And Hell» (en vivo en 1980)

Black Sabbath – Heaven And Hell (Live)

Iron Maiden

Fundada por el bajista Steve Harris, Iron Maiden es parte de la identidad del heavy metal, siendo su frontman, el multidisciplinario Bruce Dickinson , una de las voces más reconocidas del género.

Sin embargo, la banda inició su carrera en 1975 con el vocalista Paul Day, que sólo duró un año en Iron Maiden. Tras varios cambios en la formación, la banda sumó la voz de Paul Di’Anno, que fue parte de los primeros discos de la banda («Iron Maiden» y «Killers»). Pero al mismo tiempo que la popularidad de Iron Maiden comenzaba a despegar, Di’Anno entró en una espiral descendente debido a sus adicciones y, en 1981, fue despedido. Ese mismo año Bruce Dickinson se unió a la formación y, tras algunos conciertos, la banda grabó «The Number of the Beast», un disco aclamado por la crítica y los fans que logró la consagración de Iron Maiden.

Tras más de una década de éxitos, en 1993, Dickinson dejó Iron Maiden buscando iniciar su carrera como solista. Después de un par de años en suspenso, la banda volvió a la carga reclutando al vocalista Blaze Bayley, con quién grabaron dos discos que no obtuvieron grandes ventas («The X Factor» y «Virtual XI»). Finalmente, en 1999 Bayley fue despedido de la banda por «problemas en su performance vocal» y, tras varias conversaciones, Dickinson fue invitado a volver a Iron Maiden, retomando un lugar que mantiene hasta el día de hoy.

Iron Maiden con Paul Di’Anno: «Wrathchild» (en vivo en 1981)

Iron Maiden – Wrathchild (Live At The Rainbow)

Iron Maiden con Bruce Dickinson: «Fear Of The Dark» (en vivo en 1992)

Iron Maiden – Fear Of The Dark (Live At Donington Park)

Faith No More

Después de dejar atrás al «man» con el que formaban Faith No Man, Roddy Bottum, Billy Gould y Mike Bordin se convirtieron en Faith No More. Tras una serie de vocalistas itinerantes (entre los que se incluyó Courtney Love), la banda sumó a Chuck Mosley, quien aportó su voz a la banda durante 5 años y dos discos, hasta que fue despedido por su comportamiento errático y peleas con sus compañeros.

Luego de escuchar un demo de Mr. Bungle, el guitarrista Jim Martin sugirió sumar al ecléctico y versátil Mike Patton a la banda. Patton se unió a Faith No More en enero de 1989 y en dos semanas escribió las letras de del disco en el que el grupo llevaba un tiempo trabajando, «The Real Thing», que se convirtió en un éxito de crítica y audiencia.

Faith No More no llegó a la masividad de otras bandas de la época (salvo por algunos de sus singles), pero logró ser una de las bandas más reconocidas por sus pares y por la crítica durante la década del 90. Incluso, en muchos casos, se los considera creadores del «metal alternativo».

A pesar de sus incontables proyectos y experimentos paralelos, y de una disolución de la banda entre 1998 y 2009, Mike Patton continúa siendo el frontman de Faith No More y, con el paso de los años, se ha convertido en uno de los vocalistas más reconocidos de la industria, tanto por su rango como por su variedad de técnicas y experimentos vocales.

Faith No More con Chuck Mosley: «We Care a Lot»

Faith No More – We Care a Lot (Official Music Video)

Faith No More con Mike Patton: «Everything’s Ruined»

Faith No More – Everything’s Ruined (Official Music Video)

Alice In Chains

Alice In Chains es uno de los pilares indiscutibles del rock alternativo de los 90s, siendo la inconfundible voz de Layne Staley (tanto en solitario como sonando en armonía con la de Jerry Cantrell) una parte clave del original sonido que llevó a la banda de Seattle al éxito.

Durante la primera mitad de los 90s, Layne exploró su rango vocal en Alice In Chains, pasando desde canciones que bordeaban el sludge hasta otras totalmente acústicas y relajadas. De a poco, también comenzó a participar más de la composición. Sus letras solían hablar de sus demonios personales, soledad, adicción, depresión… una situación que lo afectaba cada vez más en su vida diaria y que, para la segunda mitad de los 90s, llevó a la banda a tener que cancelar conciertos y giras.

En 1996 Alice In Chains logró uno de sus momentos más altos al participar en un «Unplugged» de MTV. Layne llevaba ya años batallando con sus adicciones y, tras la muerte de su ex-prometida, entró en un pozo depresivo y se convirtió en un recluso, apareciendo rara vez en público y obligando a Alice In Chains a cesar toda actividad, aunque la banda nunca se separó oficialmente.

Cantrell se mantuvo entretenido trabajando en su proyecto solista, y solía declarar que tenía esperanzas de retomar Alice In Chains, pero no fue posible: en 2002 Layne fue encontrado muerto por sobredosis en su apartamento. Su aislamiento había llegado a tal extremo que su cuerpo fue descubierto 2 semanas después de haber fallecido.

La banda quedó definitivamente frenada hasta que en 2005 aceptó participar en un concierto a beneficio en el que contó con una serie de invitados a la voz. Eso fue el puntapié para permitirse intentar algo similar en 2006, en un homenaje del canal VH1 a Heart con presentaciones de artistas influidos por la banda de las hermanas Wilson. Uno de los vocalistas que se sumó a la presentación de Alice In Chains en el evento fue William DuVall, de Comes with the Fall.

Las ganas de seguir adelante que tuvo la banda y la química con DuVall hicieron que Alice In Chains decidiese iniciar una nueva etapa en su carrera, dando el primer paso con una serie de conciertos y luego acomodándose lentamente a crear material nuevo, que se convirtió en el primer disco de estudio de la banda en casi 15 años, «Black Gives Way to Blue».

Al día de hoy, William DuVall lleva 2 discos e innumerables conciertos con Alice In Chains, y la banda no tiene planes de dejar de crear nuevo material y seguir en carrera.

Alice In Chains con Layne Staley: «Man In The Box»

Alice In Chains – Man in the Box (Official Video)

Alice In Chains con William DuVall: «Stone»

Alice In Chains – Stone

Stone Temple Pilots

Stone Temple Pilots es otra de las bandas que alcanzó el éxito masivo en los 90s, de la mano de un frontman con una voz y una presencia inolvidables: Scott Weiland.

Comenzando su andadura a mediados de los 80s, la formación definitiva de Stone Temple Pilots se consolidó a principios de los 90s. En 1992 lograron un contrato discográfico y lanzaron su primer disco, «Core», que contenía un grupo de canciones que encajaban perfectamente con el espíritu de la época. Los STP recibieron algunas críticas por «imitar» el sonido del grunge, pero el público los adoraba y su éxito en la era de MTV fue enorme.

La banda grabó un segundo disco en 1994, «Purple», que mantuvo el nivel de éxito de su predecesor. Pero un año después publicaron un disco que implicaba un cambio drástico en el sonido que los había hecho populares. «Tiny Music…» recibió buenas críticas, pero no fue tan aceptado por el público. En paralelo, Weiland había comenzado a ser una constante de las noticias amarillistas, con un comportamiento que complicaba la relación con sus compañeros de banda y la posibilidad de cumplir con sus compromisos.

Stone Temple Pilots decidió entonces tomarse un descanso, en el que Weiland se dedicó a trabajar en su primer disco solista, mientras que sus compañeros decidieron reclutar a un nuevo vocalista para trabajar en canciones nuevas. Así, Dave Coutts fue, de alguna forma, un reemplazo de Scott Weiland en STP, sumándose a un disco junto a los hermanos DeLeo y Eric Kretz bajo el nombre «Talk Show».

A pesar de todo, la banda tenía esperanzas de reunirse, algo que lograron en 1999 y que resultó en «No. 4», un disco que volvió a poner a Stone Temple Pilots en las primeras posiciones de los rankings. Pero su siguiente intento volvería a crear la sombra de la duda: «Shangri-La Dee Da», editado en 2001, no recibió el apoyo esperado, generando una decepción en la banda que volvió a transformarse en un paréntesis indefinido.

Weiland seguía teniendo problemas con sus adicciones, pero nunca dejó de estar en activo, participando en varios proyectos musicales de los cuáles el más recordado es probablemente Velvet Revolver.

En 2007 los miembros de Stone Temple Pilots comenzaron a hablar de una nueva reunión. Al mismo tiempo, en Velvet Revolver comenzaban a cansarse de los crecientes problemas de Weiland y terminaron por despedirlo a principios de 2008. Sólo un mes después, Stone Temple Pilots anunció su regreso y pasó los siguientes años repartiendo pequeñas giras y conciertos.

En 2013 las tensiones internas y los problemas de Weiland habían llegado nuevamente a un límite intolerable para la banda, por lo que el vocalista fue despedido. Esta vez la banda siguió adelante sumando rápidamente a Chester Bennington de Linkin Park a la voz, justo a tiempo para poder dar una serie de presentaciones.

Al poco tiempo, la banda editó el single «Out of Time», su primera canción nueva con la voz de Bennington y, luego de un pequeño tour, decidieron meterse en el estudio para trabajar en más canciones, lo que se convirtió en el EP «High Rise», que fue editado bajo el nombre «Stone Temple Pilots with Chester Bennington«.

La etapa con Chester no duró mucho ya que, a fines de 2015, el vocalista anunció que dejaba Stone Temple Pilots en buenos términos, buscando enfocarse más en su familia y en Linkin Park.

Muy poco después, en diciembre de 2015, cualquier posibilidad de una nueva reunión de la formación original de Stone Temple Pilots quedó descartada cuando Scott Weiland fue hallado muerto en el bus de gira de su proyecto solista.

A pesar de todo, los miembros de Stone Temple Pilots siguen con ganas de hacer música juntos, anunciando (un tiempo prudencial después de la muerte de Weiland) que están en la búsqueda de un nuevo vocalista, abriendo incluso las audiciones a los fans a través de internet. Veremos entonces si en algún momento nos toca actualizar esta entrada con la historia de un nuevo frontman de Stone Temple Pilots.

Actualización: Ha pasado tiempo desde esta entrada, Chester Bennington también nos ha dejado y, luego de una larga búsqueda, Stone Temple Pilots han seguido adelante una vez más, esta vez con Jeff Gutt como vocalista.

Stone Temple Pilots con Scott Weiland: «Plush» (acústico)

Stone Temple Pilots – Plush (Acoustic)

Stone Temple Pilots con Chester Bennington: «Black Heart» (acústico)

Stone Temple Pilots With Chester Bennington «Black Heart» (Acoustic)

Stone Temple Pilots con Jeff Gutt: «Meadow»

Stone Temple Pilots – Meadow (Official Audio)

Bonus: Stone Temple Pilots – Scott Weiland + Dave Coutts: «Hello Hello»

Talk Show – Hello Hello (official videoclip)

Pantera

Pantera es una de las bandas más influyentes en el metal «pesado» moderno. Tomando elementos del thrash metal para tocarlos en tempos más lentos, sumando el visceral estilo de cantar de Phil Anselmo a la virtuosidad en la guitarra de «Dimebag» Darrell Abbott, Pantera se convirtieron en pioneros del estilo que hoy suele denominarse groove metal.

Sin embargo, en sus inicios a principios de los 80s, la banda de los hermanos Abbott tenía un estilo más cercano al glam y al heavy metal clásico. Su primer vocalista era Terry Glaze y junto a él la banda logró cierto éxito en el under local, girando por su nativa Texas y estados cercanos, llegando a telonear a bandas como Stryper, Dokken y Quiet Riot.

Pantera grabó 3 discos con Terry Glaze de forma independiente. En cada uno de ellos su sonido fue haciéndose un poco más pesado y la prensa comenzó a prestarles cada vez más atención, a pesar de que aún no llegaban a alcanzar al público masivo.

Para el momento de grabar su cuarto disco, el thrash metal comenzó a hacerse más popular, influyendo a los integrantes de Pantera en su búsqueda de un sonido más pesado. Sin embargo, el estilo de Terry Glaze no encajaba con la dirección que la banda pretendía, por lo que Glaze terminó dejando Pantera.

La banda probó a algunos vocalistas hasta que conocieron a Phil Anselmo a finales de 1986, con quién tuvieron una química instantánea. Para 1988 Pantera publicó un nuevo disco, «Power Metal», en el que el estilo musical de la banda era más agresivo y el enfoque en su carrera era mucho más serio.

Consiguiendo un mánager y una discográfica, Pantera publicó en 1990 su primer disco con distribución masiva, «Cowboys from Hell», en el que el sonido y el estilo de Anselmo y del resto de la banda comenzaron a consolidarse, siendo su siguiente álbum, «Vulgar Display of Power», el que los posicionó como una de las bandas más populares e influyentes del metal.

Su siguiente disco, «Far Beyond Driven», mantuvo la buena acogida de público y crítica pero, para este momento, Phil Anselmo comenzó a tener una serie de exhabruptos y encontronazos con la ley, sumados a una adicción que comenzó a salirse de control, lo que generó tensiones con sus compañeros de banda.

Estas tensiones llevaron a que el siguiente disco de Pantera, «The Great Southern Trendkill», fuese grabado en 2 estados diferentes: Anselmo grabó las voces en New Orleans, mientras que el resto de la banda grabó sus partes en Texas.

Anselmo también comenzó a trabajar en diversos proyectos paralelos, lo que inicialmente no evitó que Pantera siga adelante. Pero eventualmente los problemas internos y los tiempos dedicados a otros proyectos crearon una distancia entre los miembros de la banda, lo que terminó con un anuncio de Vinnie y Dimebag en 2003, en el que daban por terminada la banda, declarando que Anselmo la había abandonado.

La separación no fue muy amigable y las declaraciones de uno y otro bando aumentaron la distancia entre los miembros de la banda, lo que (a pesar de los deseos de los fans), hacía muy difícil cualquier tipo de reunión. Y cualquier pequeña posibilidad que quedase se esfumó cuando, en 2004, Dimebag Darrell fue asesinado sin motivo aparente durante un concierto de su nuevo proyecto, Damageplan.

A pesar de que durante los años siguientes los miembros de Pantera han opinado varias veces sobre una posible reunión (sumando a algún guitarrista invitado), el tiempo no ha mejorado del todo su relación. La postura de Anselmo se ha ablandado un poco y, al parecer, ha tratado de mejorar su relación con «Vinnie» Paul Abbott (sin éxito hasta ahora), pero el baterista no ha cambiado su opinión de que una reunión sin su hermano es imposible.

Pantera con Terry Glaze: «All Over Tonight»

PanterA – All Over Tonight music video 84/85

Pantera con Phil Anselmo: «Walk»

Pantera – Walk (Official Music Video)

The Dillinger Escape Plan

Con un género difícil de definir, los miembros de The Dillinger Escape Plan provenían de la escena del hardcore/punk y eran reconocidos por la intensidad de sus recitales y una exploración técnica y creativa que fue dotando a la banda de un sonido cada vez más original.

Su primer vocalista, Dimitri Minakakis, sólo formó parte del disco debut de la banda, «Calculating Infinity». El disco fue bien recibido por la crítica y los fans, lo que permitió a la banda llegar a más escenarios, aumentando la intensidad de sus presentaciones con efectos, fuego y toda la energía que sus integrantes pudiesen soltar en vivo. Eventualmente el ritmo de las giras hizo que Minakakis decidiese dar un paso al costado, por lo que la banda se vio en la búsqueda de un nuevo vocalista.

Aún sin reemplazo para Minakakis, The Dillinger Escape Plan seguían trabajando en nuevas canciones y decidieronn registrar algo del material que tenían en un EP. Mike Patton, amigo de la banda, se ofreció a ayudarlos en la grabación, sumando su voz a este proyecto, «Irony Is a Dead Scene». Pero mientras la banda terminaba con los detalles, encontraron a un nuevo vocalista que podría sumarse a tiempo completo: Greg Puciato.

Puciato se unió oficialmente a la banda en 2001, participando en la grabación de tributos a Black Flag y Guns N’ Roses y en una canción para la banda sonora de Underworld. Su voz, su energía y su carácter encajaban perfectamente con la búsqueda musical y con la mística de la banda. Puciato dejaba todo en vivo, llegando en 2002 a crear una popular controversia luego de defecar en vivo en el Reading Festival y tirar una parte del resultado a la audiencia.

Greg Puciato ha grabado 5 discos con The Dillinger Escape Plan. Su versatilidad vocal, sus declaraciones sin rodeos y su actitud sobre los escenarios le han ganado el reconocimiento de la crítica y de muchos seguidores, abriéndole la puerta a numerosos proyectos paralelos.

The Dillinger Escape Plan se encuentran actualmente en una gira para presentar su último disco, «Dissociation», que será su despedida como banda.

The Dillinger Escape Plan con Dimitri Minakakis: «43% Burnt» (en vivo)

the dillinger escape plan – 43% burnt (live)

The Dillinger Escape Plan con Greg Puciato: «Milk Lizard» (en vivo)

The Dillinger Escape Plan «Milk Lizard» Live at ArcTangent (Small Pond Recordings)

Bonus track: The Dillinger Escape Plan con con Mike Patton: «Like I Love You» (cover de Justin Timberlake, en vivo)

DILLINGER ESCAPE PLAN «Like I Love You» w Mike Patton, SF 12/31/02

Blind Melon

Con su toque psicodélico, su sonido sin excesivos detalles de producción y la voz de Shannon Hoon, Blind Melon irrumpió en la escena del rock de los 90s para posicionarse inmediatamente como una de las bandas del momento cuando el mundo descubrió su canción «No Rain».

Hoon había llegado a Los Angeles desde Indiana y, una vez en la ciudad, trabó amistad con un viejo compañero de su hermana: Axl Rose. Mientras Blind Melon comenzaba a trabajar en material, Hoon tuvo su primera participación en un disco aportando voces para el célebre «Use Your Illusion» de Guns N’ Roses. La amistad de Hoon con Axl logró atención para Blind Melon dentro de la industria y la banda consiguió editar su primer LP en 1992. El disco autotitulado no logró grandes ventas ni llamó demasiado la atención… hasta que MTV comenzó a emitir el famoso video de la incomprendida niña vestida de abeja.

«No Rain» disparó la carrera de Blind Melon, los llevó a ganar 4 discos de platino y a girar por los festivales más populares de EE.UU. y Europa. Mientras tanto, Hoon comenzó a tener problemas ligados a sus adicciones, iniciando una serie de entradas y salidas de rehabilitación.

La banda editó su segundo disco, «Soup», en 1995 y, contra las indicaciones del profesional que atendía a Hoon, Blind Melon salió de gira para promocionarlo. Unas semanas después, el 21 de octubre de 1995, Shannon Hoon fue encontrado muerto en el bus de la banda. La causa de su fallecimiento fue un paro cardíaco por sobredosis de cocaína.

Luego de un tiempo de luto, la banda decidió continuar adelante intentando sumar un nuevo vocalista. Pero encontrar un reemplazo de Shannon Hoon no resultó fácil y en 1999 Blind Melon comunicó oficialmente su disolución.

En 2006, tras varios años de inactividad, Blind Melon anunció su reunión, sumando la voz de Travis Warren a su formación. La banda declaró que una de las claves era que la voz de Warren es lo suficientemente similar a la de Hoon como para poder tocar sus canciones clásicas y, al mismo tiempo, lo suficientemente diferente como para ayudarlos a forjar un nuevo camino para su música. Eventualmente, tras 12 años sin publicar un disco de estudio, la banda editó «For My Friends» y volvió a los escenarios.

Blind Melon no ha vuelto a alcanzar el éxito de su primera época, pero ha logrado continuar adelante con buenas críticas y el apoyo de sus fans, llegando a girar por diversos países e incluso invitando a la hija de Shannon Hoon, Nico Blue, a subirse a un escenario con ellos en 2015.

Blind Melon con Shannon Hoon: «Change»

Blind Melon – Change

Blind Melon con Travis Warren: «Wishing Well»

Blind Melon – «Wishing Well» Adrenaline Music

Audioslave

Lo sabemos, esta inclusión es polémica: Audioslave como tal nunca tuvo otro vocalista… pero su origen es el de una banda que perdió a su cantante y decidió seguir adelante con un reemplazo.

A finales del año 2000, el frontman de Rage Against the Machine, Zack de la Rocha, anunció que iba a dejar la banda citando que el proceso para tomar decisiones estaba fallando.

Los miembros restantes de RATM querían seguir adelante con y, eventualmente, comenzaron a hacer pruebas con diversos vocalistas, entre las que estuvo B-Real de Cypress Hill. Eventualmente la banda descubrió que no quería a otro «rapero» o a alguien que sonara a Zack de la Rocha. El productor y amigo Rick Rubin les sugirió entonces probar a Chris Cornell, comentando que con su voz Rage Against the Machine tenía el potencial de convertirse en una mejor banda.

La química entre Tom Morello, Tim Commerford, Brad Wilk y Cornell fue buena desde el principio, y la banda comenzó a ensayar y a crear música.

Con una actuación agendada para el Ozzfest 2002 y unos cuantos detalles legales y de management por resolver, la banda casi se separa antes de la edición de su primer disco. Morello declaró que lo que habían logrado en el estudio era «innovador y fantástico», pero que definitivamente lo que cantaba Cornell no era Rage Against the Machine, pero habían decidido publicar igualmente el material que habían creado juntos con un nuevo nombre.

Cuando la burocracia de su management se resolvió y los planetas se alinearon, el «supergrupo» siguió oficialmente adelante. Su primer nombre tentativo era «Civilian», pero cómo ya existía una banda con ese nombre, tuvieron que buscar una alternativa. «Audioslave» le llegó a Chris Cornell en una visión. Aparentemente su idea tampoco fue muy original, pero los Audioslave de Liverpool que habían registrado el nombre años atrás llegaron a un acuerdo con los americanos: $30.000 por permitirles compartir el nombre.

Los ex Rage Against the Machine y el ex vocalista de Soundgarden iniciaron con Audioslave una carrera que nos dejó 3 discos y que sirvió a varios de sus miembros para superar momentos difíciles de su vida. Finalmente, en 2007, Cornell anunció que dejaba la banda por conflictos personales y diferencias creativas (aunque luego vimos que las diferencias parecen haber sido más que nada monetarias).

Eventualmente, Rage Against the Machine volvió a reunir a su formación original, mientras Cornell continuó su carrera solista y también se reunió con Soundgarden. Con el paso del tiempo, los ex Audioslave han hablado de la posibilidad de reunirse, aunque de momento no hay planes concretos de hacerlo.

Como cierre (sin posibilidad de hacer una comparación), dejamos esta presentación de Audioslave haciendo el clásico de Rage Against The Machine, «Killing in the Name».

Audioslave – Killing In The Name Of (Live 8 2005)

Con la producción de Butch Vig, el apoyo de Geffen y una búsqueda de alejarse un poco del «sonido de Seattle» y acercarse a algo más melódico, Nevermind se convirtió en un éxito que empujó un cambio cultural cuyo alcance se discute hasta el día de hoy, poniendo el grunge y el rock alternativo en el mainstream.

Datos y curiosidades de Nevermind

Ovejas

El nombre del disco iba a ser «Sheep» (ovejas), refiriéndose sarcásticamente a la gente que que Cobain pensaba que iba a comprar el disco. Luego de terminar las sesiones de grabación, Kurt se había aburrido del nombre y propuso cambiarlo por «Nevermind».

Nevermind fue «grabado 2 veces»

La banda hizo una sesión inicial con Butch Vig en 1990 y, al terminarla, aprovechó el resultado para acercárselo a varios sellos discográficos. Luego de firmar con Geffen, la banda volvió al estudio con Vig en 1991, ya habiendo sumado a Dave Grohl como baterista.

El bebé de Nevermind

El bebé de la portada es Spencer Elden, quién hoy es un artista callejero y estudiante en California. Puedes ver algo de su trabajo en su sitio oficial.

Buscando un nuevo sonido

Cobain quería alejarse del sonido que se había vuelto casi una identidad de la escena en Seattle, buscando algo más melódico, contando luego que algunas de las influencias que tuvo para esto fueron Melvins, R.E.M., The Smithereens y Pixies.

Grabando

Dave Grohl declaró que la banda practicó las canciones todos los días durante 6 meses antes de meterse en el estudio. Según Vig, la banda logró cada pista en no más de 2 ó 3 tomas… Aunque Butch Vig tuvo que convencer a Cobain de grabar múltiples pistas para las voces diciéndole que John Lennon lo hacía.

Superando expectativas

El disco se lanzó enviando 46.251 copias a las tiendas de EEUU y 35.000 al Reino Unido. Geffen esperaba llegar a vender unas 250.000 copias. Superando todas las expectativas iniciales, Nevermind ha vendido más de 30 millones de discos en el mundo.

Número 1

Nevermind se convirtió en el primer número 1 de Nirvana el 11 de enero de 1992, reemplazando al «Dangerous» de Michael Jackson en la cima de los charts de Billboard. Con el paso de los años, el disco se ha convertido también en el número 1 en muchas listas de los discos de la década.

Endless, Nameless

Cuando nadie llegó a la hora acordada, el ingeniero Howie Weinberg comenzó a trabajar en la masterización del disco por su cuenta. Al no tenerlo claro, Weinberg dejó fuera del disco el track oculto «Endless, Nameless», algo que la banda descubrió luego de que la primera tanda de álbumes fuese editada. El error fue corregido posteriormente, agregando la canción tras varios minutos de silencio en «Something in the Way».

Como extra, aprovechamos para recordar el homenaje a los 20 años de Nevermind que hicimos hace ya 5 años, en el que muchos de nuestros usuarios nos contaron qué significa el disco en su vida.

La ilustración que encabeza este post fue hecha por Jate.

Teniendo esto en cuenta, hemos querido hacer una lista de las que consideramos las mejores ‘superbandas’ por haber logrado algo más que una simple suma de sus miembros.

¿Cuales son para vosotros las ‘superbandas’ definitivas?

Temple of the Dog

Tras la muerte de Andrew Wood, su amigo Chris Cornell comenzó a escribir algunas canciones en su homenaje durante una gira de Soundgarden. Los dos demos que grabó con la idea de editarlos como singles, se convirtieron en un LP al sumarse al proyecto los ex compañeros de banda de Wood, Jeff Ament y Stone Gossard. La grabación fue completada con Matt Cameron a la batería y con los miembros del nuevo proyecto musical que estaban iniciando Ament y Gossard: Mike McCready y Eddie Vedder. Luego de la edición del disco, Cornell y Cameron continuaron con Soundgarden y el resto inició su carrera como Pearl Jam.

Temple Of The Dog – Hunger Strike

Them Crooked Vultures

Sin duda alguna un ‘super grupo’ con todas las de la ley: sus tres integrantes (Josh Homme, John Paul Jones y Dave Grohl) son auténticas estrellas del rock en otras grandes bandas (Queens of the Stone Age, Led Zeppelin y Foo Fighters) que, aquí, juntan su talento con el añadido del no menos talentoso Alain Johannes (Eleven) dando como resultado una banda cuyo sonido es más que un simple pastiche de sus proyectos más exitosos. Los problemas de agenda han impedido que, de momento, tengamos más material del grupo pero todos sus integrantes se han mostrado esperanzados en poder hacerlo.

Them Crooked Vultures @ BBC Radio 1 – New Fang

Fantômas

Cualquier proyecto en el que asome la cabeza el gran Mike Patton, frontman de Faith No More, debe, al menos, ser oído. Si bien, hay veces en las que se descuelga con cacofonías demasiado radicales para el oído del común de los mortales, cuando afina, suele ofrecer obras que rayan la genialidad. En esta caso, además, se reúne con otros pesos pesados del metal, como el batería de Slayer, Dave Lombardo; el frontman de una de las bandas más coherentes del rock ‘underground’, Buzz Osborne (Melvins) y su compañero en Mr Bungle y Tomahawk, Trevor Dunn. El resultado: cuatro discos de exagerado eclecticismo y experimentación que son toda una aventura para aquellos que busquen algo más que la típica estructura de verso-puente-estribillo.

Fantômas – Rosemary’s Baby (The Director’s Cut Live)

Mad Season

Durante una estadía en rehabilitación en 1994, Mike McCready (Pearl Jam) conoció al bajista John Baker Saunders. Cuando ambos regresaron a Seattle, iniciaron un proyecto paralelo junto a Barrett Martin (baterista de Screaming Trees). Ya con algunas canciones escritas, McCready invitó a Layne Staley (Alice in Chains) a ser el vocalista del proyecto, pensando que al estar rodeado de gente “sobria”, Staley podría sentir el empujón para lograr lo mismo. El mítico Mark Lanegan completó la formación, sumando su voz a 2 canciones de “Above”, el debut de la banda en 1995. Cuando la salud de Staley comenzó a deteriorarse, la banda intentó embarcarse en un segundo disco convocando a Lanegan como vocalista principal, pero en 1999 Saunders falleció por una sobredosis, lo que puso punto final a Mad Season.

Mad Season – River Of Deceit (Official Video)

Army Of Anyone

Tras salir de rehabilitación en 2002, el frontman de Filter, Richard Patrick, se puso a trabajar en el que iba a ser el nuevo disco del grupo. En aquella época, los hermanos Dean y Robert DeLeo de Stone Temple Pilots se hallaban libres de ataduras, tras la disolución de su banda a finales de 2002, por lo que Patrick decidió invitarles para trabajar en un tema. La sesión fue tan bien que los tres decidieron poner en marcha una banda, naciendo Army Of Anyone. Para completarla echaron mano de Ray Luzier, por aquel entonces batería de David Lee Roth, que en el disco debut del cuarteto se destapa como una auténtica bestia de las baquetas.

Army of Anyone – «Goodbye» – Offical Music Video

Audioslave

Cuando Zack de la Rocha anunció su salida de la banda, el resto de los integrantes de Rage Against The Machine se propuso seguir haciendo música juntos. Después de tocar con varios vocalistas, el productor Rick Rubin les sugirió convocar a Chris Cornell. En su primer ensayo juntos, la conexión entre Cornell, Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk fue instantánea, por lo que comenzaron a trabajar en canciones juntos. Su disco debut fue lanzado en 2002 (una de las primeras “grandes noticias” que anunciamos en portALTERNATIVO), y la banda llegó a grabar otros dos discos antes de su separación en 2006, cuando Cornell dejó la banda por “diferencias personales y musicales”, aunque luego supimos que las diferencias eran más bien relacionadas con el dinero.

Audioslave – Cochise (Official Video)

A Perfect Circle

Una de las voces más influyentes del metal y el rock alternativo de los 90, Maynard James Keenan, frontman de Tool, emprendía un nuevo proyecto junto al técnico de guitarras de éstos, Billy Howerdel. La primera formación del grupo la completaba la bajista Paz Lenchantin, el guitarrista Troy Van Leeuwen (Failure) y el batería Tim Alexander (Primus), que era sustituido poco después por Josh Freese (Devo, The Vandals). Su primer disco, «Mer de Noms», mostraba un grupo con un sonido oscuro y con suficiente personalidad para separarse de la comparación con la banda de Keenan. Tres años después de su debut volvían con varios cambios en su formación (Jeordie White, ex-Marilyn Manson, sustituía a Lenchantin y James Iha, ex-The Smashing Pumpkins, entraba por Van Leeuwen) en un disco («Thirteenth Step») que ahondaba en las bondades de su debut. Antes de entrar en un paréntesis que han ido cerrando y abriendo con algunos conciertos, entregaron un disco de covers, «eMOTIVe», que incluía una fantástica versión del «Imagine» de John Lennon.

A Perfect Circle – Judith (Official Music Video)

Velvet Revolver

Duff McKagan y Matt Sorum solían colaborar en los proyectos del también ex-Guns N’ Roses, Slash, pero fue tras un tributo a Randy Castillo en 2002 cuando el trío notó que su relación musical era algo que querían seguir aprovechando. Sumando al amigo de McKagan, Dave Kushner, la nueva banda comenzó a hacer audiciones para encontrar un vocalista. Luego de varias vueltas, el puesto fue otorgado a Scott Weiland en 2003, tras la separación de Stone Temple Pilots. Además de encajar con el estilo que la banda buscaba, Weiland se había convertido en un buen amigo de Duff, había tocado con Kushner y había compartido rehabilitación con Sorum. A pesar de un relativo éxito y de haber logrado 2 discos juntos, las relaciones entre los músicos y Weiland fue empeorando, llegando a no hablar entre ellos aún cuando estaban de gira. En 2008 Weiland anunció en un concierto en Glasgow que ese sería el último tour de la banda, sin saber que sus compañeros ya planeaban echarlo. El proyecto nunca volvió a editar material, pero tampoco llegó a terminar oficialmente, y sus integrantes suelen comentar cada ciertos meses, mientras trabajan en otros proyectos, que aún planean hacer música juntos y que su búsqueda de vocalista sigue activa.

Velvet Revolver – Slither (Official Video)

Medication

Ugly Kid Joe fue una de esas bandas difíciles de clasificar: lejos del ‘hair metal’, tampoco era posibles encuadrarles en el ‘grunge’. Pese a que hay quien se empeña en calificarlos como ‘one hit wonder’, por el pelotazo obtenido por «Everything About You», su segundo disco mostraba su lado más metalero y el tercero, pese a su calidad, no logró el respaldo del público. Su vocalista, Whitfield Crane, tras un fallido intento de ser el frontman de Life Of Agony, reapareció en una nueva banda: Medication. En la misma se reunía con el guitarrista Logan Mader, ex-Machine Head, con quien compartió las labores creativas. El grupo lo completaban otros nombres importantes del rock y el metal: Roy Mayorga (por aquel entonces en Soulfly) estaba a las baquetas (aunque dejó el grupo tras su primer EP), al bajo Kyle Sanders (Bloodsimple, MonstrO) y, como segundo guitarrista, B. Blunt, de los interesantes DayInTheLife. Tanto su EP como su único largo, «Prince Valium», son dos excelentes muestras de metal alternativo que no tuvieron la repercusión merecida.

Medication [band] – Interview from self-titled EP

Spys4Darwin

Chris DeGarmo (Queensrÿche) y Sean Kinney (Alice In Chains) comenzaron a tocar juntos tras haber acompañado a Jerry Cantrell en la gira de su primer disco solista. Juntándose a ensayar en un local montado en una fábrica de pintura abandonada, pronto sumaron al proyecto a Mike Inez (Alice in Chains) y al vocalista de Sponge, Vinnie Dombroski. La banda lanzó el EP “Microfish” de forma independiente en 2001. Su idea era grabar un largo para 2002, pero los integrantes de la banda fueron concentrándose en otros proyectos y Spys4Darwin terminó disolviéndose sin llegar a cumplir sus planes.

Spys4Darwin- Dashboard Jesus (Alice in Chains/Queensryche/Sponge)

Sabiendo que entre todos los presentes conocemos una cantidad de bandas que da miedo, queremos aprovechar para descubrir a todas esas bandas de rock alternativo y géneros afines que, probablemente, nos estamos perdiendo. Ojo: No estamos hablando de bandas «under», nos referimos a bandas que:

• Se han convertido en bandas de culto. Sus discos son muy difíciles de conseguir y nunca los mencionarán en los medios. Casi nadie parece conocerlos pero han influenciado a muchas de nuestras bandas favoritas.
• Quizás tuvieron algún éxito masivo, logrando popularidad con un disco debut o con un «one hit wonder», pero fueron olvidados.
• Fueron proyectos paralelos o «experimentos» de músicos que conocemos pero quedaron opacados por sus otros proyectos.

¡Los comentarios están abiertos! ¿Cuáles son las mejores bandas que todavía no conocemos?

Smoking Umbrellas

Actualización: Hemos creado una playlist con algunas de las recomendaciones que hemos recibido en los comentarios. ¡La lista se mantendrá en constante actualización, así que seguimos atentos a cualquier sugerencia!